But, objectifs et principes de l'éducation musicale moderne

1. Le but de l'enseignement musical scolaire

Cible l'enseignement musical à l'école a été formulé par D.B. Kabalevski. Il s'agit de nourrir la culture musicale de l'étudiant comme élément nécessaire de sa culture spirituelle générale.

D.B. Kabalevsky croyait que l'éducation musicale des enfants est la base de la culture musicale du peuple et qu'une tentative la poursuite du développement la culture musicale du pays en l'absence de travaux bien établis sur l'éducation musicale des enfants équivaut à une tentative d'ériger un édifice monumental sans fondation.

En esthétique, le concept « culture musicale de la société» s'interprète ainsi : c'est l'unité de la musique et de son fonctionnement social. Il s'agit d'un système complexe qui comprend : 1) les valeurs musicales créées ou préservées dans une société donnée ; 2) tous types d'activités liées à la création, au stockage, à la reproduction, à la distribution, à la perception et à l'utilisation des valeurs musicales ; 3) tous les sujets de ce type d'activité, ainsi que leurs connaissances, compétences et autres qualités qui assurent sa réussite.

La place centrale dans la culture musicale est occupée par les valeurs de l’art accumulées par la société. culture musicale de la personnalité caractérisé par la mesure dans laquelle une personne maîtrise ces valeurs. Une interprétation plus spécifique du concept de « culture musicale personnelle » est donnée par L.G. Dmitrieva et N.M. Tchernoivanenko. Selon eux, la culture musicale comprend : 1) les sentiments et croyances moraux et esthétiques, les goûts et les besoins musicaux ; 2) les connaissances, les capacités, les compétences sans lesquelles il est impossible de maîtriser l'art de la musique (perception, interprétation) ; 3) les capacités musicales et créatives qui déterminent le succès de l'activité musicale.

D.B. lui-même Kabalevsky précise l'objectif de l'éducation musicale comme suit : initier les étudiants au monde du grand art musical, leur apprendre à aimer et comprendre la musique dans toute la richesse de ses formes et de ses genres, développer la capacité de percevoir la musique comme un art vivant. , né de la vie et inextricablement lié à la vie, pour cultiver un sens particulier de la musique, vous permettant de la percevoir émotionnellement, de distinguer le bien du mal, de participer à l'interprétation de la musique, de maîtriser les bases de l'alphabétisation musicale et de développer la créativité capacités musicales des écoliers.

Selon E.B. Abdoullina, le principal indicateur de la culture musicale d’un diplôméécole : un diplômé de l'école est un amateur actif et créatif et un connaisseur avant tout de l'art musical hautement artistique dans diverses formes de communication avec lui.

2. Tâches principales de l'éducation musicale des écoliers.

Le but de l'éducation musicale dans le concept de D.B. Kabalevsky se définit par trois tâches principales.

Première tâche: la formation d'une attitude émotionnelle envers la musique basée sur sa perception.

Conformément à cela, les écoliers doivent 1) développer une réactivité émotionnelle à la musique, un sentiment musical et la subtilité de la pénétration émotionnelle dans la sphère figurative de la musique ; 2) éveiller un désir actif de maîtriser des connaissances, d'acquérir des compétences et des capacités, un désir d'écouter et d'interpréter de la musique ; 3) susciter l'intérêt pour l'identification des liens entre les cours de musique et la vie.

Deuxième tâche: formation d'une attitude consciente envers la musique.

Cette tâche signifie que l'étudiant doit acquérir de l'expérience dans la perception consciente des œuvres : 1) être capable d'appliquer ses connaissances musicales ; 2) non seulement ressentir, mais aussi comprendre la nature des images musicales, la logique de leur développement, la vitalité de son contenu.

La solution à ce problème est associée à la formation de la pensée artistique chez les étudiants, avec la capacité d'appliquer de manière indépendante leurs connaissances dans de nouvelles situations.

Les deux tâches sont réalisées dans l'unité : une attitude consciente envers la musique se forme sur la base de l'expérience de sa perception émotionnelle et figurative, et vice versa.

Troisième tâche: la formation d'une attitude active et pratique envers la musique dans le processus de son exécution, en particulier le chant choral, en tant que forme de création musicale la plus accessible.

La solution à ce problème implique le développement de concepts musicaux-auditifs spécifiques et de compétences d'interprétation chez les écoliers en train de percevoir la musique.

Il est important de donner aux étudiants suffisamment d'occasions de se sentir impliqués intérieurement dans le processus de créativité musicale et d'incarnation d'une image artistique. Cet aspect de l'éducation musicale est particulièrement apprécié des jeunes écoliers.

Dans la pratique des cours de musique, toutes ces tâches sont interconnectées. Il est impossible d’en distinguer un sans affecter son lien avec les autres. Cependant, l'identification de ces trois tâches pour l'enseignant est nécessaire : elles constituent la base pour identifier le niveau initial d'expérience musicale des élèves, enregistrer les étapes intermédiaires de leur développement musical et les résultats de la formation de la culture musicale dans conditions scolaires.

E.B. Abdullin adopte une approche légèrement différente pour mettre en évidence tâches principaleséducation musicale moderne pour les écoliers. Il inclut:

Développement chez les enfants de l'empathie artistique, du sens de la musique, de l'amour pour celle-ci, de la capacité d'apprécier sa beauté, d'une réponse émotionnelle et esthétique créative aux œuvres d'art ;

Développement des capacités créatives, artistiques et cognitives des étudiants, conscience d'eux-mêmes en tant qu'individus en train de communiquer avec la musique ;

Développement la créativité dans les activités d'interprétation et de « composition » ;

Développement du goût musical et esthétique des étudiants ;

Développement du besoin de communication avec l'art musical hautement artistique, d'auto-éducation musicale.

3. Principes de l'éducation musicale des écoliers

Dans la pédagogie musicale moderne, il existe différentes opinions concernant les principes de l'éducation musicale.

L’enseignement de la musique peut et doit être basé sur des principes pédagogiques généraux. Ils reflètent une richesse d’expériences d’apprentissage. L'éducation musicale présuppose un certain nombre de connaissances, de compétences et d'aptitudes qui doivent être développées chez les enfants. Et ici, les principes didactiques généraux sont particulièrement utiles et irremplaçables.

Cependant, l'enseignement de la musique nécessite également ses propres principes particuliers qui prendraient en compte les spécificités de la pédagogie artistique. V.G. Razhnikov l'a formulé ainsi : principes de l'enseignement des arts:

Premier principe. Le point de départ dans processus pédagogique est la personnalité de l'élève. L'enseignant en communication dialogique assume le développement futur de l'élève, permettant et même favorisant l'égalité avec lui-même. Et la communication de l’enfant avec la musique s’organise sur la base d’une ampleur égale, car la valeur de la musique est grande et l’ampleur s’appréhende à une certaine distance (temporelle, spatiale, personnelle). Le plus souvent, l'étudiant n'a pas encore développé d'approche personnelle, de capacités, peu d'expérience de vie, et ne dispose pas de ses propres méthodes et moyens de travail.

Deuxième principe. La personnalité de l’élève ne se développe que grâce à la personnalité en développement de l’enseignant. Développement pédagogique se réalise dans la mise en œuvre de méthodes de communication personnelle en constante évolution, basées sur la reconnaissance par l’enseignant de la personnalité de l’élève, de sa capacité à être à l’égal des meilleurs exemples de musique. Un enseignant en développement, en dialogue avec un élève, si nécessaire, se met dans la même position vulnérable dans laquelle se retrouve souvent l'élève dans ses problèmes de compréhension musicale.

Troisième principe, associé aux deux premiers : le contenu de l'éducation dans le domaine de l'art n'est pas la maîtrise des aspects informationnels et symboliques des œuvres, mais la culture d'une manière personnelle de se rapporter à la fois aux œuvres d'art et au monde, aux autres les gens, à soi-même.

L.G. Goryunova a suggéré ce qui suit principes de pédagogie musicale(didactique) : intégrité ; imagerie; intonation; associativité; talent artistique.

Ces principes se manifestent globalement dans la construction d'une leçon-image, sous la forme de la conduite d'un cours et dans la manière dont l'enseignant communique avec les élèves, dans une atmosphère intonative particulière, dans l'organisation de la perception des œuvres d'art sous diverses formes de vivre l'image artistique.

L. Goryunova estime à juste titre que les principes d'intégrité et d'imagerie devraient régir le processus artistique et pédagogique, car ce sont des propriétés de la pensée humaine, universelles. un aspect naturel le psychisme de l'enfant.

Les principes de la didactique artistique doivent être intégratifs. Ceci est très important, car l'éducation à la pensée des écoliers et des enseignants ne peut se faire autrement que sur le chemin du passage de l'universel à l'individuel. C'est seulement cela qui rend le processus de développement de l'éducation musicale.

Actuellement, la pédagogie musicale repose sur les principes proposés par D.B. Kabalevski.

1. Explorer la musique comme art vivant, en s'appuyant sur les lois de la musique elle-même.

Mis en œuvre ce principeà travers la construction d'un programme de formation basé sur trois piliers (chant, danse, marche). Ce sont les domaines de la musique les plus répandus. Ils relient la musique dans sa riche variété à de vastes masses de personnes.

2. Le principe du lien entre la musique et la vie. Kabalevsky croyait que la musique et la vie sont un thème général, une sorte de « super-tâche » activités scolaires, qui ne doit en aucun cas être séparé dans une section distincte. Il devrait imprégner toutes les classes, à tous les niveaux, de la première à la dernière année. Le principe suppose une divulgation progressive, élargie et approfondie des liens entre la musique et la vie.

3. Le principe de l'intérêt et de la passion. Le problème de l'intérêt et de la passion est fondamental dans la pédagogie musicale, où sans passion émotionnelle, il est impossible d'obtenir des résultats plus ou moins tolérables, peu importe le temps et les efforts qu'on y consacre. Le principe caractérise l'ambiance du cours. Sa mise en œuvre est associée au développement d'émotions positives attitude esthétiqueà la musique, au processus d'acquisition de connaissances, à divers types d'activités musicales.

La mise en œuvre du principe est assurée par : 1) l'étude de la musique comme art vivant ; 2) le lien entre la musique et la vie ; 3) matériel musical ; 4) diverses formes de communication avec la musique ; 5) méthodes d'éducation musicale ; 6) la capacité de l’enseignant à parler de musique avec enthousiasme et à l’interpréter de manière expressive.

4. Le principe de l'unité de l'émotionnel et du conscient. La perception de la musique est à la base de la formation de la culture musicale. Son développement nécessite une prise de conscience des impressions émotionnelles provoquées par la musique, moyens expressifs. S'appuyer sur ce principe permet à l'élève de développer la capacité d'évaluer ce qu'il perçoit et, à travers elle, de cultiver son intérêt et ses goûts.

5. Le principe d'unité de l'artistique et de la technique repose sur le fait que l’exécution artistique et expressive d’une œuvre nécessite des compétences et des capacités appropriées. Mais leur assimilation doit être subordonnée à des objectifs artistiques. L'unité de l'artistique et de la technique est assurée avant tout sous réserve de l'activation de l'initiative créatrice des étudiants. Cela permet aux enfants de réaliser que les compétences et les capacités sont nécessaires à l’exécution expressive et artistique des œuvres.

Conférence 5 (thème 1.2.2.) :

L'essence et les caractéristiques du contenu de l'éducation musicale pour les collégiens

L'acquisition de connaissances, de compétences et d'aptitudes en éducation musicale se fait à l'aide de matériel artistique. La perception des œuvres musicales dans tous types d’activités est toujours de nature originale et créative. L'activité d'apprentissage créatif doit imprégner l'ensemble du processus d'acquisition de connaissances, de développement de compétences et d'aptitudes et ne doit donc pas se présenter comme un élément indépendant d'apprentissage.

En relation avec ce qui précède, les éléments du contenu de l'éducation musicale sont : - l'expérience de l'attitude émotionnelle et morale d'une personne face à la réalité, incarnée dans la musique (c'est-à-dire la musique elle-même, « matériel musical ») ; - connaissances musicales ; - les compétences musicales ; - les compétences musicales.

Les critères de sélection le matériel musical - la composante principale du contenu de l'éducation musicale, est :

Talent artistique;

Ludique et accessible aux enfants ;

Faisabilité pédagogique ;

Valeur éducative (la possibilité de former des idéaux moraux et des goûts esthétiques des étudiants.

Connaissance musicale. La base de la compréhension de l'art musical repose sur des connaissances à deux niveaux : 1) des connaissances qui contribuent à la formation d'une compréhension holistique de l'art musical ; 2) des connaissances qui aident à la perception d'œuvres musicales spécifiques.

Le premier niveau de connaissance caractérise la nature de l'art musical en tant que phénomène social, sa fonction et son rôle dans la vie publique et les normes esthétiques.

Le deuxième niveau est la connaissance des caractéristiques essentielles du langage musical, des lois de construction et d'évolution de la musique et des moyens d'expression musicale.

Ces dispositions de la science musicale ont déterminé l'approche de la sélection des connaissances sur la musique. Conformément à eux, D.B. Kabalevsky a identifié des connaissances généralisées (« clés ») dans le contenu de l'éducation musicale. C'est la connaissance qui reflète le plus phénomènes généraux art musical. Ils caractérisent les liens typiques et stables entre la musique et la vie et sont en corrélation avec les modèles de développement musical des enfants. Des connaissances clés sont nécessaires pour comprendre l’art de la musique et ses œuvres individuelles.

Dans le contenu de l'enseignement musical scolaire, le deuxième groupe de connaissances est en corrélation avec les connaissances généralement appelées « privées » (D.B. Kabalevsky). Ils sont subordonnés aux plus importants. Cette catégorie comprend des connaissances sur des éléments spécifiques individuels du discours musical (hauteur, rythme, tempo, dynamique, mode, timbre, agogique, etc.), des informations biographiques sur les compositeurs, les interprètes, l'histoire de la création de l'œuvre, la connaissance de la notation musicale. , etc.

Compétences musicales. La perception de la musique est à la base de la formation d'une culture musicale chez les écoliers. Son aspect essentiel est la conscience. La perception est étroitement liée à la connaissance et inclut l'appréciation artistique. La capacité de donner une évaluation esthétique d’une œuvre peut constituer l’un des indicateurs de la culture musicale d’un étudiant. La perception est la base de tous les types de performances, car elle est impossible sans une attitude émotionnelle et consciente envers la musique, sans son évaluation.

Ainsi, la capacité des étudiants à appliquer leurs connaissances dans la pratique, dans le processus de perception de la musique, se manifeste dans la formation de compétences musicales.

Les connaissances « clés » sont utilisées dans tous les types de musique Activités éducatives les écoliers, c'est pourquoi les compétences formées sur leur base sont considérées comme les principales.

A côté des compétences musicales de premier plan, on distingue des compétences particulières, qui se forment également dans des formes d'activité spécifiques.

Parmi les compétences « privées », trois groupes peuvent être distingués :

Compétences liées à la connaissance d'éléments individuels du discours musical (hauteur, rythme, timbre, etc.) ;

Compétences liées à l'application des connaissances musicales sur les compositeurs, interprètes, instruments de musique etc.;

Compétences liées à la connaissance de la notation musicale.

Ainsi, les compétences dirigeantes et privées sont en corrélation avec les connaissances clés et privées, ainsi qu'avec diverses formes d'activité éducative musicale.

Compétences musicales sont en lien direct avec les activités musicales éducatives des écoliers et interprètent certaines techniques d'interprétation musicale. Les compétences d'interprétation se forment également sur la base de la perception musicale. Sans leur acquisition, on ne peut parler d'assimilation complète du contenu d'apprentissage.

2. Moyens d'expression musicale
dans le contenu de l'enseignement aux collégiens

Rythme– le rapport des durées des sons dans leur séquence. En musique, il existe une alternance de durées sonores, à la suite de laquelle différentes relations temporelles se créent entre elles. En se combinant dans certaines séquences, les durées des sons forment des groupes rythmiques (figures) qui, à leur tour, forment le schéma rythmique global d'une œuvre musicale.

Mètre– alternance uniforme de battements forts et faibles. En musique, les sons s’organisent dans le temps. L'alternance des sons dans le temps par les formes de rythmes en musique Mouvement uniforme(pulsation). Dans ce mouvement, les sons de certaines fractions de temps sont accentués par des accents appelés accents. Les battements avec accents sont appelés battements forts, et ceux sans accent sont appelés battements faibles.

Taille– expression de fractions de mètre d'une certaine durée. En notation musicale, les tailles sont indiquées par deux nombres sous forme de fraction. Ils sont placés sous la clé après les signes accidentels. Le nombre supérieur indique le nombre de fractions métriques et le nombre inférieur indique la durée d'une fraction de mètre dans une taille donnée. Tailles : deux quarts, trois quarts, quatre quarts, trois huitièmes, six huitièmes, etc.

Rythme– la vitesse de la musique. Le rythme dépend du contenu de l'œuvre et de son image artistique. Les tempos sont divisés en trois groupes principaux : lent (large, prolongé, lent, lourd), modéré (calme, tranquille, modéré, retenu, vif, moyennement rapide), rapide (rapide, vif, rapide, très rapide). Pour une plus grande expressivité, une accélération ou une décélération progressive du tempo est utilisée. Au sein d'un même morceau, le tempo peut varier.

Garçon– le système de relations entre les sons stables et instables est appelé un mode. La gamme donne à la musique un certain caractère, coloration émotionnelle. Cela peut être majeur ou mineur.

Clé– la hauteur à laquelle se situe la frette. Le nom de la tonalité est composé de la désignation de la tonique (premier degré) et du nom du mode (majeur ou mineur). Par exemple : do majeur, ré mineur, si mineur, etc.).

Accord- une combinaison simultanée de trois sons ou plus.

Texture– conception de matériel musical. Il existe deux types de textures : homophoniques et polyphoniques. Homophonie– les voix sont divisées en voix principales et voix d'accompagnement. Dans ce cas, les voix d'accompagnement peuvent être exprimées en accords (texture d'accord) - il s'agit d'une texture d'accord. Polyphonie– réunit des voix mélodiquement indépendantes.

Mouvement mélodique. Le modèle du mouvement mélodique se compose de ses différentes directions : ascendante, descendante, ondulatoire (formée d'une alternance successive de directions ascendantes et descendantes) ; horizontal (sur un son répétitif). Les trois premières directions de mouvement peuvent être incrémentales, spasmodiques ou mixtes.

Registre– un groupe de sons dont la hauteur est proche. Il existe des registres : haut, très haut, moyen, bas, très bas.

Structure mélodique. La mélodie, comme la parole, ne coule pas continuellement, mais est divisée en parties. Les parties d'une mélodie ou d'un morceau de musique sont appelées constructions, dont la durée varie. Période- une structure musicale qui exprime une pensée musicale complète. Il est divisé en deux parties - des offres. L'offre est divisée en phrases. Motif est une construction qui contient un accent métrique principal.

Nuances dynamiques (dynamique)– différents degrés de volume de musique. Les changements dynamiques sont déterminés par le déploiement du contenu musical. Il y a un degré constant de volume (fort - forte, très fort - fortissimo, pas trop fort - mezzo forte, silencieux - piano, pas trop faible - mezzo-piano, très silencieux - pianissimo) et un volume changeant progressivement (augmentant progressivement le volume - crescendo, baisse progressive du volume - diminuendo).

• , Docteur ès sciences, Professeur agrégé, Professeur
• Institut pédagogique d'État Glazov nommé d'après. V.G. Korolenko

• BASES MÉTHODOLOGIQUES
• INTRAMUSICALITÉ
• DÉVELOPPEMENT CRÉATIF D'UN ESPACE ÉDUCATIF MUSICAL ET ARTISTIQUE
• L'ÉDUCATION MUSICALE
• ÉCOLE D'ENSEIGNEMENT GÉNÉRAL MODERNE

L'article est consacré à la justification des fondements méthodologiques de l'éducation musicale pour les collégiens dans le contexte de l'introduction de la norme éducative de l'État fédéral de deuxième génération dans le processus éducatif. école primaire. Les principes de l'éducation et de l'éducation musicales sont : le respect des lois didactiques générales, la création d'un espace éducatif musical et artistique se développant de manière créative, l'apprentissage du langage musical, l'intégrativité, l'interactivité, l'intra-musicalité.

• Pédagogie M.V. Lomonossov et la réalité pédagogique moderne
• Syncrésis du terme « forteresse » dans l'ethnoculture musicale oudmourte du Moyen Âge : aspects philosophiques-futurologiques et art-histoire-pédagogiques de l'étude
• Conditions organisationnelles et pédagogiques pour assurer la continuité de l'éducation musicale et esthétique des enfants d'âge préscolaire et primaire
• Éducation morale et esthétique de la jeunesse de la région du Caucase du Nord

La musique est un moyen unique d'influencer monde intérieur une personne, cela éveille en elle non seulement des émotions et des sentiments, mais aussi l'imagerie d'idées musicales, de pensée créatrice, d'états spirituels (= inspiration) et de capacités créatrices.

Les enfants apprennent l'art de la musique dans les écoles de musique, les salons de musique, les studios de chorales, les écoles d'art ainsi que dans les écoles secondaires. Les fondements méthodologiques de la formation présentent des différences significatives. Pour les écoles secondaires, des programmes sont en cours d'élaboration visant à « former une culture musicale parmi les élèves en tant que partie intégrante de la culture spirituelle de l'individu ». Il convient de noter que les auteurs de programmes musicaux sont, en règle générale, des musiciens professionnels dans un domaine spécifique de l'art musical.

Donc, D.B. Kabalevski– compositeur, personnage musical, pianiste; Yu.B. Aliev, - joueur de cuivres et de chœur sur l'éducation de base; V.V. Aleev- diplômé historique-théorique-compositionnel la faculté Académie russe musique (RAM) nommée d'après. Gnessines ; G.S. Rigine J'ai d'abord obtenu mon diplôme du Music College qui porte son nom. Ippolitova-Ivanov. A travaillé plusieurs années professeur d'école de musique; T.I. Baklanovaà un moment donné, elle est diplômée avec distinction de l'Institut d'État de la culture de Moscou (actuellement l'Institut d'État de Moscou) Université d'État culture et arts) par département choeur académique. Elle a consacré ses activités professionnelles aux problèmes de la culture populaire traditionnelle, de l'art populaire, de l'éducation ethnoculturelle et musicale.

Une analyse des programmes musicaux des auteurs mentionnés ci-dessus permet de conclure que le matériel pédagogique sur la musique pour les écoles secondaires, développé par les étudiants et les personnes partageant les mêmes idées de D.B. Kabalevsky, reflètent un certain fonctionnalisme dans les aspects méthodologiques et technologiques de l'éducation musicale et de l'éducation des écoliers.

À notre avis, les auteurs du programme musical du principal système éducatif « École de Russie » ont réussi à atteindre l'intégrabilité et l'intégrité. Fondements méthodologiques du programme E.D. Kritskoy, G.P. Sergueïeva, T.S. Shmagina sont : la passion, la trinité d'activité : compositeur - interprète - auditeur,« identité et contraste », intonation, recours à la culture musicale nationale.

Les types d'activités musicales dans les cours de musique de ce programme sont variés et visent à mettre en œuvre les principes de l'éducation au développement dans l'éducation musicale de masse des écoliers

Notre intérêt scientifique réside dans l'étude et la justification scientifique et pédagogique des principeséducation musicale et éducation des collégiens dans les écoles secondaires.

L'idée principale de l'étude est qu'il est nécessaire d'enseigner la musique aux plus jeunes écoliers, ainsi que la créativité, base des lois didactiques générales et une pédagogie moderne et innovante, utilisant à la fois des méthodes pédagogiques didactiques classiques et spécifiques à la musique et des technologies créatives de l'éducation musicale.

D.B. Kabalevsky a soutenu qu'« une marque en pédagogie est toujours mauvaise, mais quand nous parlons de en ce qui concerne l'art, c'est particulièrement mauvais et même dangereux. »

Dans le même temps, la maîtrise et une approche créative de l'enseignement aux enfants de toute science, y compris l'art, devraient reposer sur des règles claires d'organisation du processus éducatif. Tout comme un musicien interprète interprète à sa manière l’intention du compositeur, mais dans le cadre du texte musical de l’auteur.

La créativité commence par un maximum d'ordre et d'algorithme. "Ordnung" – avec langue allemande traduit par ordre.

Et le vieux proverbe dit : « Gardez l’ordre, et l’ordre vous gardera ! »

L’improvisation comme créativité originale – « logique effondrée », déclencheur

(= prise de vue) mécanisme de dépassement de l'« activité supra-situationnelle » donnée d'un musicien, artiste, poète, enseignant.

• l'enseignant et les étudiants disposeront de tous les outils didactiques nécessaires,
• dans une salle de classe-bureau équipée d'instruments de musique modernes TSO,
• décoré avec clarté musicale et méthodologique.

Cependant, tant auparavant qu'aujourd'hui, malgré le fait que les exigences de la norme éducative de l'État fédéral réglementent la fourniture à chaque écolier d'un manuel, classeur, en conditions réelles, souvent, les enfants viennent aux cours de musique uniquement avec un stylo et un agenda. En règle générale, il en résulte une « ne rien faire » de la part des enfants ou un manque total de discipline dans la leçon. La raison en est le manque de moyens didactiques personnels de base d'auto-éducation pour les écoliers dans les cours de musique, qui sont obligatoires dans tous les autres cours.

Dans les explications méthodologiques des programmes musicaux, il semblerait à juste titre stipuler que l'étude de la culture musicale ne doit pas être éclipsée par la complexité de la maîtrise de compétences spécifiques. matériel didactique perception directe de la musique par les enfants.

Notre interprétation de la « culture musicale » repose sur le postulat didactique bien connu : un langage musical, comme tout autre, doit être appris à partir des bases et de manière approfondie. Sans connaître le langage de la musique, il est impossible d’imaginer de manière adéquate et émotionnelle l’expérience et la compréhension d’une image musicale.

D'après les études menées à fondements méthodologiques l'éducation musicale devrait être attribuée à ce qu'on appelle loi de trois « ET»:

• l'intégrativité,
• l'interactivité,
• intramusicalité.

Le respect de ces principes ramène les enfants à la « musique live » plutôt qu'au son électronique ; fournit une combinaison raisonnable de méthodes, techniques et technologies complémentaires pour l'enseignement musical et l'éducation des enfants ; crée unifié de manière créative développant musical et artistique espace éducatif - « l'union des trois Muses » : la musique, arts visuels, poésie.

La « direction du script » devient fondamentale leçon moderne musique, transférée à l'éducation musicale de la pédagogie théâtrale (= cinématographique). Ce n'est que dans ce cas qu'une leçon de musique devient une leçon d'art, une leçon de créativité.

L'énoncé récapitulatif de notre recherche est l'heuristique : - « Dans l'enseignement musical innovant moderne, il existe de nombreuses méthodes, mais le fondement méthodologique est constitué par : « l'intonation » B.V. Asafieva, « performances musicales » de B.M. Teplova, « herméneutique musicale » de D.B. Kabalevski".

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1

Une étude approfondie des spécificités de l'enseignement de la musique à des étudiants d'âges différents, en tenant compte de leurs caractéristiques d'âge, est l'une des principales orientations de l'activité professionnelle d'un enseignant-musicien - responsable d'une classe d'interprétation musicale. La prise en compte des caractéristiques d'âge est un principe pédagogique fondamental qui détermine le choix des formes et des méthodes de travail éducatif. L’une des tâches importantes de l’animateur de classe de musique est de veiller au développement chez les élèves de la capacité et du besoin d’organiser et d’améliorer leur travail – ce qui est absolument nécessaire. qualités personnelles pour maîtriser la musique. À l'âge de l'école primaire, qui est critique et décisif pour les élèves débutants, il est nécessaire de développer leurs qualités intellectuelles, morales, sociales et personnelles, ce qui devient réalisable grâce aux conditions psychologiques et pédagogiques optimales créées dans la classe de musique et d'interprétation.

professeur-musicien

cours de musique et de spectacle

collégiens

caractéristiques d'âge

processus de maîtrise de la musique

pensée émotionnelle et imaginative

période sensible

la pensée abstraite

principe de visibilité

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L'une des principales orientations de l'activité professionnelle d'un professeur de musique - responsable d'une classe d'interprétation musicale est une étude plus approfondie des spécificités de l'enseignement de la musique à des étudiants de caractère, de capacités et de degrés de préparation différents, en tenant compte de leurs caractéristiques d'âge. Particularités développement mental les enfants ont été révélés dans les études de L.S. Vygotski et A.N. Léontiev et la théorie de la séquence des principaux types d'activités, avancée par D.B. Elkonine. Sur cette question, A.V. Petrovsky est d'avis que chez chaque individu enfance le développement mental d'un enfant (et plus encore le développement de sa personnalité) n'est déterminé par aucune activité dirigeante spécifique. Pour chaque période d'âge, dans l'aspect de la formation de la personnalité, « la principale est... le type de relation médiatisée par l'activité qu'il développe avec le groupe (ou la personne) le plus référent pour lui au cours de cette période ». En prenant cette position comme base, nous documentons l'existence du facteur principal dans le développement de chaque matière de la classe d'interprétation musicale - ses relations et son interaction avec ses camarades et ses enseignants dans le processus de maîtrise de la musique.

Dès le début de son développement, la science pédagogique a résolu le problème de la classification des périodes de la vie humaine. Il existe un certain nombre de développements sur la périodisation du développement (Ya.A. Komensky, Sh. Buller, N.D. Levitov, D.B. Elkonin, V. Pshihoda, etc.), et leur nombre est en constante augmentation. Le développement physique, biologique et mental d'un enfant est une composante importante de la périodisation pédagogique, couvrant la vie et le développement d'une personne d'âge scolaire, mais pas moins aspect important Sont également les conditions du déroulement de l'éducation. Ya.A. Comenius, qui a justifié le principe de conformité à la nature, selon lequel l'éducation et l'éducation doivent correspondre aux stades d'âge du développement, a estimé que l'éducation doit se dérouler de manière cohérente et opportune, et ce n'est que dans de telles conditions qu'une personne peut être naturellement inculquée qualités morales et parvenir à une pleine assimilation des vérités accessibles à son entendement. La prise en compte des caractéristiques d'âge reste un principe pédagogique fondamental qui détermine le choix des formes et des méthodes de travail éducatif, tout en contribuant à réguler charge d'étude, résoudre correctement les problèmes de sélection et de disposition des matières éducatives, établir une routine quotidienne, un horaire de travail et de repos.

Compte tenu de l’âge de l’école primaire (6-10 ans), Sh.A. Amonashvili a noté que pour le progrès réussi des enfants dans leur activité cognitive, les enfants de six ans doivent être « assis à des bureaux uniquement afin de créer les conditions les plus favorables au développement opportun de leurs inclinations », qui commencent à s'éveiller précisément à cet age. Le passage à l'âge scolaire est un tournant sérieux dans la vie d'un enfant, associé à des changements globaux dans ses activités - l'émergence de relations avec le personnel de l'école, de la classe, ainsi que l'émergence de diverses responsabilités de l'élève. V.V. Davydov attire l'attention sur le fait que c'est « à l'âge de l'école primaire... chez les enfants, les fondements de la conscience théorique et de la pensée naissent et se forment », par conséquent, l'activité principale de l'enfant à cette époque devient une activité éducative, qui est alors réalisée tout au long de la période scolaire. Les observations de L.S. sont exactes. Vygotsky que l'âge scolaire « s'ouvre sur une période critique, ou tournante, qui a été décrite plus tôt que d'autres dans la littérature comme la crise de sept ans. On constate depuis longtemps qu'un enfant, lors de la transition de l'âge préscolaire à l'âge scolaire, change de façon très spectaculaire et devient plus difficile en termes d'éducation qu'auparavant. C’est une sorte d’étape de transition : je ne suis plus un enfant d’âge préscolaire et je ne suis plus encore un écolier. » La phase initiale de l'éducation est une période sensible pour la formation et le développement de qualités personnelles des enfants telles que les compétences intellectuelles, morales, sociales ainsi que les compétences de résolution de problèmes nécessaires à l'apprentissage. La psychologie postule le concept selon lequel le développement est basé processus de penséeétudiants classes primaires Il existe deux forces motrices : la cognition et l’expérience. K.D. Ushinsky a attiré l'attention de l'enseignant sur les particularités de la pensée des écoliers plus jeunes, qui évolue du figuratif émotionnel au logique abstrait - l'enfant pense en formes, couleurs, sons, sensations, c'est pourquoi la pédagogie doit être basée sur ces caractéristiques. la pensée des enfants. Il s'ensuit que la condition principale pour organiser le processus éducatif sur stade initial il devrait y avoir une application du principe de développement et de maintien d'une motivation stable pour l'apprentissage en utilisant diverses méthodes pour optimiser le processus éducatif. Dans les conditions d'une classe de musique, la solution de ce problème difficile est facilitée par la création chez les jeunes écoliers de la caractéristique personnalité créative des priorités de vie, dans lesquelles prédominent les valeurs spirituelles, et il existe un besoin d'expression de soi dans l'art musical, appelant à une amélioration constante de soi. L'enseignant est grandement aidé en cela par les élèves plus âgés, qui « infectent » les plus jeunes de leur passion et leur montrent un exemple d'activités intéressantes. vie créative, une alternative au passe-temps vide et dénué de sens. Un facteur important déterminant le succès de l'apprentissage est le maintien d'une humeur émotionnelle et psychologique particulière pendant la leçon, qui favorise un apprentissage optimal. informations pédagogiques. VIRGINIE. Averin souligne le rôle dominant des émotions d'intérêt et de joie, qui sont directement « les plus étroitement liées à l'activité cognitive de l'enfant ». La réussite intellectuelle est impossible si l’enfant ne vit pas activement ces émotions. » L'intérêt est considéré par K. Izard comme une émotion innée dominante parmi toutes les autres. Selon S. Tomkins, sans intérêt, le développement de la pensée serait grandement altéré, et l’intérêt est étroitement lié à l’émotion de la joie. VIRGINIE. Averin note que « leur interaction est une sorte de base émotionnelle activité créative enfant. C’est pourquoi le contexte émotionnel est si important lors de l’activité cognitive. À cet égard, nous ajoutons que l’intérêt est la forme la plus courante d’émotions positives. En règle générale, lorsqu'il y a une émotion positive, toute action est accompagnée d'intérêt. Il devient ainsi clair signification pédagogique en train d'étudier le positif États émotionnels enfant."

On sait qu'en raison des caractéristiques d'âge, les étudiants classes juniors je n'ai pas la pensée abstraite, leur capacité à analyser et à tirer des conclusions logiques est peu développée. Ainsi, l'enfant entre en âge scolaire avec une fonction intellectuelle relativement faible et des fonctions de perception et de mémoire plus développées. L.S. Vygotsky souligne qu'au stade initial de l'éducation, il est nécessaire d'adhérer à la direction empirique de la connaissance, d'éveiller chez les enfants la curiosité et l'initiative et de développer les sphères sensorielles - fantaisie, réceptivité, imagination. Le directeur de la classe de musique adhère à cette direction lorsqu'il travaille avec de jeunes musiciens - en donnant des connaissances théoriques et en pratiquant des compétences réflexives, en même temps il faut influencer les sentiments des enfants, en essayant d'évoquer expérience émotionnelleà l'aide d'associations figuratives vives. Dans ce travail, il est très avantageux de animer des classes intégrées complexes qui impliquent la création et l'utilisation de diverses technologies, formes d'apprentissage non standard, qui permettent aux enfants d'être rapidement inclus dans un espace imaginaire. Un rôle particulier ici, selon L.G. Savenkova, « jouer des actions visant à vivre, faire revivre, comparer, maîtriser, comprendre, analyser ce qui se passe (vu, entendu). » À cet égard, il est nécessaire de prendre en compte que parmi les élèves instrumentaux de l'âge de l'école primaire, la mémoire mécanique prédomine, donc pour une meilleure maîtrise et mémorisation du texte musical, il est particulièrement important de développer chez eux la capacité d'analyser et de comprendre le matière étudiée.

En résolvant le problème des écoliers plus jeunes maîtrisant des questions théoriques difficiles à comprendre pour eux, sans lesquelles il est impossible de résoudre les problèmes de performance, les étudiants plus âgés de l'équipe peuvent apporter une grande aide. Lorsqu'ils assistent l'enseignant dans les cours collectifs, ils sont plus capables que l'enseignant lui-même de contact émotionnel avec les plus jeunes en raison d'un faible écart d'âge.

N.V. Suslova attire l’attention sur le fait qu’à l’âge de l’école primaire apparaissent les premiers éléments de réflexion sur sa propre réalité mentale et que l’enfant est ouvert aux expériences cathartiques. Si les cours se déroulent dans un esprit créatif, dans le but élevé de créer des images musicales et artistiques (bien sûr compréhensibles pour l'enfant), alors les connaissances, les compétences de mise en scène et les techniques d'interprétation nécessaires seront apprises et consolidées avec succès dans l'esprit de l'étudiant. . Ainsi, le degré d'intérêt de l'étudiant est toujours directement proportionnel à la dynamique de son développement professionnel, sa réussite dans la maîtrise du programme.

Lorsqu'on travaille sur le développement des capacités réflexes, il est nécessaire de prendre en compte les particularités du développement biologique de l'enfant, caractéristiques de âge donné. Le squelette subit une ossification (ce long processus ne commence qu'au premier stade de l'entraînement), le système musculaire se développe intensément, y compris les petits muscles de la main, ce qui entraîne une expansion progressive des capacités techniques et l'apparition de la capacité d'effectuer de petites techniques. Des observations intéressantes sur les capacités des mains d'un musicien appartiennent à la célèbre pianiste Margarita Long : « Les extrémités de nos mains - leurs mains et leurs doigts - ne sont pas seulement un organisme musculaire. Ce sont de merveilleux organes sensoriels, dotés de leurs propres sensations, je voudrais dire presque du don de créativité. S’ils obéissent souvent au cerveau, alors bien plus souvent qu’il n’y paraît, ce sont eux qui contrôlent. » Compte tenu de la faiblesse de l'appareil physiologique, lors de la pratique des techniques du spectacle avec des collégiens, il convient de respecter un régime d'activité physique modéré, contrôlant la relaxation musculaire, qui est non seulement une condition nécessaire au bon développement technique de l'élève, mais aussi la prévention des maladies professionnelles.

Les enfants en âge d’aller à l’école primaire s’améliorent système nerveux, se développent les fonctions du cerveau dont le poids atteint le poids du cerveau d'un adulte. Le développement rapide du psychisme conduit à un changement dans la relation entre les processus d'excitation et d'inhibition et, malgré le fait que le deuxième processus se renforce progressivement, le premier prévaut toujours. Si le processus de développement de la conscience de la personnalité d'un écolier se déroule dans les conditions d'une équipe éducative et créative, alors des éléments de sentiments sociaux - collectivisme, responsabilité, entraide fraternelle, ainsi que qualités morales et caractéristiques positives personnage. Ceci est facilité par une communication constante avec des étudiants plus âgés développés personnellement et professionnellement et un professeur de musique qui jouit d'une véritable autorité devant la classe.

Le développement moral des élèves du primaire est remarquablement unique. SI. Kharlamov note que cela « se produit principalement sous l'influence du fait de les encourager à se conformer aux règles de comportement établies à l'école et en classe et aux impératifs contenus dans les exigences et instructions quotidiennes de l'enseignant. De plus, lorsqu'ils évaluent le comportement de leurs pairs, ils partent le plus souvent de ce qui ne peut être fait et s'efforcent de tout rapporter à l'enseignant, souvent sans se rendre compte de leurs propres défauts. Les actions et les actes des enfants sont principalement de nature imitative. Un professeur de musique utilise des méthodes particulières pour développer et consolider des comportements stables (maintenir le silence en classe, notamment en écoutant de la musique, s'entraider, passer des moments de repos dans un environnement calme, etc.).

Les enfants qui étudient la musique doivent avoir une âme subtile, sensible, sensible aux influences émotionnelles. Pour les enfants musicalement doués, un moyen puissant d'éducation artistique est l'objet de valeur de la connaissance elle-même - la musique classique, qui dans le répertoire éducatif est représentée par les chefs-d'œuvre de compositeurs célèbres - J. Haydn, A.K. Glazounov, K. Saint-Saëns, D.D. Chostakovitch, G. Fore, P.I. Tchaïkovski et autres. Cette musique est capable d'influencer profondément l'âme des étudiants, de développer et d'ennoblir la conscience. Étant donné que les écoliers plus jeunes ne sont pas encore capables d'interpréter des morceaux de musique difficiles, ils jouent le rôle d'auditeurs actifs dans les cours collectifs et les concerts en classe, où ils sont interprétés par des élèves plus âgés, démontrant ainsi leurs réalisations professionnelles devant les plus jeunes. Et pour l'enseignant lui-même, suivant le principe de clarté dans l'enseignement, il convient de donner de temps en temps un exemple d'interprétation vivante d'une œuvre d'art du répertoire pédagogique, qui fait invariablement une forte impression sur tous les élèves et surtout les plus jeunes.

Ainsi, l’une des tâches clés du responsable d’une classe de musique est de veiller au développement des capacités et du besoin des élèves d’organiser et d’améliorer leur études indépendantes- des qualités personnelles absolument nécessaires à la maîtrise de la musique classique. Ceci est facilité par l'étude des caractéristiques du développement physique, biologique et mental des enfants, qui repose sur les principes de périodisation pédagogique, couvrant la vie et le développement d'une personne d'âge scolaire, pour créer des conditions psychologiques et pédagogiques optimales dans le cours de musique et de spectacle.

Réviseurs :

Shcherbakova A.I., docteur en sciences pédagogiques, docteur en études culturelles, chef du département de sociologie et de philosophie de la culture, professeur, doyen de la Faculté des arts et des activités socioculturelles de l'Université sociale d'État de Russie, Moscou ;

Anufrieva N.I., docteur en sciences pédagogiques, professeur agrégée, professeur du Département de sociologie et de philosophie de la culture, Faculté des arts et des activités socioculturelles, Université sociale d'État de Russie, Moscou.

Lien bibliographique

Smirnov A.V. APPROCHES POUR L'ENSEIGNEMENT DES JEUNES ÉCOLES EN CLASSE DE PERFORMANCE MUSICALE, PRISES EN COMPTE DE LEURS CARACTÉRISTIQUES D'ÂGE // Enjeux contemporains sciences et éducation. – 2015. – N° 5. ;
URL : http://science-education.ru/ru/article/view?id=21868 (date d'accès : 02/01/2020). Nous portons à votre connaissance les magazines édités par la maison d'édition "Académie des Sciences Naturelles"

INTRODUCTION

CHAPITRE 2. PERFORMANCE COMPTABLE DANS UNE LEÇON DE MUSIQUE

CHAPITRE 3. DIAGNOSTIC DE LA FORMATION MUSICALE

1 Suivi et évaluation des élèves en cours de musique

2 Méthodologie de détermination du développement musical des jeunes écoliers

CONCLUSION

BIBLIOGRAPHIE

INTRODUCTION

leçon musique écolier créatif

Le problème de l'enregistrement et de l'évaluation de l'éducation musicale suscite encore aujourd'hui de nombreuses controverses. Des discussions s'enflamment autour de lui, où s'expriment une variété de points de vue. Tout cela témoigne de la complexité de la résolution du problème et, en même temps, de son importance. En effet, peut-il exister certains critères selon lesquels les résultats de l'éducation musicale sont évalués s'il est totalement impossible de mesurer l'impact de la musique sur le monde intérieur de l'enfant, la richesse de ses expériences émotionnelles ?

La complexité de la comptabilité est due au fait que toute activité musicale est créatrice, donc l'initiation à l'art de la musique est impensable sans le développement de l'imagination créatrice, qui aide les élèves à découvrir le monde du compositeur : ses sentiments, pensées, expériences véhiculées en musique. Au cours du processus de créativité, quelque chose de nouveau est formé et créé - en l’occurrence, notre propre compréhension de l’image musicale, sa perception émotionnelle. C'est grâce à l'imagination créatrice que l'enrichissement spirituel se produit.

Dans la pratique de l'éducation musicale des écoliers, différentes manières de développer les capacités créatives sont utilisées : créer un plan d'interprétation d'une chanson ; composer un accompagnement rythmique pour l'œuvre ; improvisation vocale et instrumentale; comparaison, comparaison d'œuvres. Cependant, il est impossible de formaliser le processus de développement des compétences créatives, car dans chaque cas spécifique, le résultat dépendra de caractéristiques individuelles et les capacités des étudiants.

Ainsi, les spécificités d'un cours de musique amènent l'enseignant à prendre en compte non seulement les connaissances, les compétences et les capacités les plus évidentes dans les résultats de l'activité musicale, par exemple dans l'interprétation d'œuvres ou les déclarations des élèves sur la musique perçue. . L'enthousiasme des enfants, leur intérêt pour la musique, leur réactivité émotionnelle et le travail de l'imagination sont particulièrement importants dans la leçon, qui sont importants à toutes les étapes des activités des élèves et indiquent l'influence de la musique sur le monde intérieur de l'enfant. Avec cette compréhension de la comptabilité, sa fonction non seulement pédagogique, mais aussi éducative est clairement visible.

Étant donné que l'activité musicale dans la leçon est réalisée collectivement, une comptabilité collective est nécessaire, qui donne, par exemple, une idée de la formation de compétences chorales telles que l'ensemble, la structure, le chant polyphonique. De plus, dans la pratique, il y a des cas où, dans une chorale, les enfants chantent faux, mais individuellement - purement, et vice versa, se perdant en chantant un par un, ils chantent mieux ensemble. Ainsi, en utilisant des formes de comptabilité collectives et individuelles, il est possible d'obtenir des résultats plus objectifs sur le développement musical des écoliers.

Le but de ce cours est de diagnostiquer le niveau d'éducation musicale des collégiens.

En lien avec l'objectif ci-dessus, nous avons fixé les objectifs suivants pour le cours :

révéler l'essence d'un cours de musique à l'école primaire comme principale forme d'éducation musicale des plus jeunes écoliers ;

décrire la progression de l'enregistrement dans une leçon de musique

réaliser des diagnostics de formation musicale ;

parler du rôle de contrôle et d'évaluation des élèves dans les cours de musique ;

et également développer une méthode pour déterminer le développement musical des écoliers plus jeunes.

Structure de travail. Le travail de cours comprend une introduction, trois chapitres, une conclusion et une liste de références.

CHAPITRE 1. LEÇON DE MUSIQUE À L'ÉCOLE PRIMAIRE COMME FORME DE BASE DE L'ÉDUCATION MUSICALE POUR LES ENFANTS DU JUNIOR

Un cours de musique dans une école primaire doit être compris comme une certaine étape de travail sur l'éducation musicale des jeunes écoliers complétée sémantiquement, temporellement et organisationnellement dans un processus éducatif holistique. D'après la définition, il ressort clairement qu'une leçon de musique présente clairement des caractéristiques caractéristiques de la compréhension de la leçon en pédagogie générale. Ce sont les caractéristiques communes qui rapprochent les cours de musique des cours dans d’autres matières. enseignement primaire, sont:

le but est d'éduquer une personnalité harmonieusement développée ;

modèles psychologiques, pédagogiques, communicatifs et sociologiques du processus pédagogique ;

principes de base de la didactique;

formes d'organisation des cours (composition commune des élèves, durée uniforme des cours dans le temps, éléments structurels organisation du cours - communiquer quelque chose de nouveau, répéter, vérifier la maîtrise de la matière abordée) ;

intégrité de la leçon (subordination des différents types d’activités des enfants à l’objectif spécifique de la leçon) ;

méthodes pédagogiques de base.

En même temps, un cours de musique a une certaine spécificité, étant un cours d'art. À cet égard, B. M. Nemensky a noté que les objets de connaissance artistiques rationnels-logiques, scientifiques et émotionnels-imaginatifs ont des objets de connaissance différents. Dans un cas, il s'agit d'une réalité objective, dans l'autre, d'une attitude personnelle et humaine à son égard et, par conséquent, de différentes formes de connaissances, de formes d'activité, de voies de développement, de résultats de connaissances et de résultats de développement.

En ce sens, un cours de musique à l'école primaire se rapproche des autres cours du cycle esthétique - arts visuels, éducation ouvrière et littérature.

La preuve en est la généralité :

les objectifs du développement artistique des élèves du primaire (élever chez les enfants une attitude esthétique envers la vie - éveiller une attitude inaliénable et responsable envers tout ce qui les entoure) ;

tâches (développer chez les écoliers la capacité de percevoir l'art et le besoin de communiquer avec lui, leur donner l'expérience d'une créativité artistique à part entière, favoriser le développement de leur pensée artistique et créative, de leur imagination, attitude créative vivre);

méthodes de pédagogie artistique (incitation à l'empathie - N.A. Vetlugina), initiation à la créativité artistique à part entière et à la perception co-créative de l'art (B.M. Nemensky), conditions d'acceptation émotionnelle interne d'une œuvre d'art (B.T. Likhachev) ;

comprendre le stade de l'enseignement primaire comme le développement de la réactivité émotionnelle et esthétique lors de la perception du monde environnant.

En même temps, le cours de musique a le sien traits caractéristiques, représentant un complexe divers types activités musicales pour enfants (chant, mouvement musical et rythmique, écouter de la musique, jouer d'instruments de musique dans un orchestre d'enfants, etc.). Les types d'activités musicales des enfants répertoriés peuvent être présentés dans diverses combinaisons. Par conséquent, il ne devrait pas y avoir de « pochoir » spécifique pour diriger un cours de musique.

Le début du cours par une composition littéraire et musicale est une ambiance figurative pour un cours d'art en raison de l'organisation de l'environnement artistique et esthétique. L'utilisation de l'exercice musico-rythmique « Nagons » est justifiée du point de vue de la participation du mécanisme moteur général au chant, l'utilisation du timbre d'une cloche est justifiée du point de vue de la recherche de l'aigu, le son volant d'une voix d'enfant. Il est également pédagogiquement justifié que les enfants écoutent la berceuse « Ay-ya, zhu-zhu » interprétée par l'enseignant, car en organisant le travail vocal et chantant au premier stade de la connaissance des enfants avec l'art de la musique, l'objectif est ne pas apprendre autant de chansons que possible, comme par exemple dans les méthodes pédagogiques une langue étrangère L'enseignant ne s'efforce pas d'acquérir un grand nombre de mots appris, considérant l'acquisition de la langue parlée comme plus pertinente. L'objectif du travail vocal et choral au premier trimestre de la 1ère année est le développement des capacités physiologiques et base psychologique culture du chant des enfants. À cet égard, il devrait être pédagogiquement judicieux de considérer comme base les enfants qui écoutent le chant du professeur.

La situation ludique de rencontre avec les habitants de la forêt - un ours, une grenouille et un chaton - n'est pas non plus arbitraire : elle vise à initier les enfants à différentes gradations de hauteur du son musical - grave, moyen, aigu.

caractéristiques généralesélèves de première année O.A. Apraksina.

Le processus d'un enfant maîtrisant son langue maternelle: Combien de temps un enfant écoute-t-il avant de commencer à parler, et combien de temps lui faut-il pour devenir compétent ?

Ainsi, le contenu de la formation est révélé dans la leçon dans l'unité des positions visant à enrichir l'expérience d'une attitude émotionnelle et fondée sur des valeurs envers la réalité, à reconstituer le bagage d'impressions musicales et à connaître les spécificités du langage musical, ainsi que développer les capacités créatives des enfants. Dans le même temps, le scénario proposé répond pleinement à l'objectif des cours de 1ère année - le développement d'une culture d'écoute et du potentiel d'expression créative à travers le chant, le mouvement et le jeu d'instruments de musique, ce qui implique la résolution d'un ensemble de problèmes. Le matériel musical du cours est choisi en tenant compte du rapport avec les cours précédents et suivants. Ainsi, le refrain choral « Nous marchons », basé sur l'effet d'écho, où chaque phrase est chantée d'abord par l'enseignant, puis par les enfants, est familier aux élèves de première année des cours précédents. Les chants de l'ours, de la grenouille et du chaton sont inédits. Une autre nouveauté pour les enfants de la leçon sera la pièce de théâtre « Les heures » de V. Gavrilin et une chanson folklorique lettone. Chacune de ces œuvres convaincra encore et encore les étudiants que le monde musical est immense, diversifié et infiniment intéressant. Des œuvres familières - l'exercice musical et rythmique "Nageons" et la chanson "Canetons" - donneront aux enfants plus

Au stade initial, les liens entre l'audition musicale et d'autres capacités sensorielles et sansomotrices sont particulièrement importants ; la séparation artificielle des composants visuels, moteurs et autres n'accélère pas, mais plutôt nuit au développement de l'audition musicale et de la musicalité.

Ainsi, en gardant à l’esprit le large différences individuelles enfants au niveau de développement de l'audition musicale, l'enseignant doit adopter une approche différenciée pour stimuler et évaluer la réussite éducative des écoliers plus jeunes. Dans le même temps, l’enseignant évalue le développement de l’élève, guidé non pas par la moyenne « bon – mauvais élève », mais en tenant compte des progrès individuels de l’élève, en gardant à l’esprit son niveau initial. L’essentiel est de ne pas freiner l’activité, la confiance en soi et le désir de l’enfant d’acquérir une compréhension plus profonde et plus complète de l’art musical.

Le concept de « méthode » en pédagogie, selon la tradition, est généralement compris comme une manière ordonnée d'agir pour atteindre des objectifs éducatifs. La méthode se caractérise par trois caractéristiques : le sens de l'apprentissage (objectif), le mode d'assimilation (séquence d'actions), la nature de l'interaction des matières (enseignement et apprentissage). Dans le même temps, les méthodes d'activité éducative de l'enseignant et des étudiants sont étroitement liées les unes aux autres et sont en interaction. À certaines périodes du développement de la pédagogie musicale, la justification de la méthode comme une séquence d'actions de l'enseignant pour maîtriser les élèves était au premier plan. Matériel pédagogique. Le système éducatif moderne fixe des tâches basées sur l'organisation d'activités conjointes de l'enseignant et des étudiants, dans lesquelles l'activité des sujets du processus éducatif devient le facteur principal et déterminant de l'équipement méthodologique.

Il n'y a pas de programme vivant, écrit D. B. Kabalevsky, sans méthodologie correspondante ; il n'y a pas de méthodologie si elle ne correspond pas à ce programme spécifique. Le programme et la méthodologie dans leur connexion dialectique, interactive et en constante évolution forment un concept pédagogique unique. Cette connexion n'est pas la seule, mais une condition préalable à la réussite des cours dans n'importe quel matière scolaire.

Exister différentes approchesà la classification des méthodes. En pédagogie, l'une des plus courantes est la classification des méthodes selon la source de la connaissance : méthodes verbales, lorsque la source de la connaissance est la parole orale ou imprimée ; méthodes visuelles, lorsque la source de la connaissance est l'observation d'objets, de phénomènes, aides visuelles; méthodes pratiques, lorsque les étudiants acquièrent des connaissances et développent des compétences en effectuant des actions pratiques. Arrêtons-nous plus en détail sur les caractéristiques de l'utilisation de chacun de ces groupes de méthodes dans un cours de musique comme cours d'art.

Les méthodes verbales (récit, explication, conversation, discussion, cours magistral, travail avec un livre) occupent une place prépondérante dans le système des méthodes pédagogiques. Ils vous permettent de transmettre une grande quantité d'informations dans les plus brefs délais, de poser des problèmes, d'indiquer des moyens de les résoudre et de tirer des conclusions. À l'aide de mots, l'enseignant peut évoquer des images vivantes du passé, du présent et du futur dans l'esprit des enfants. Le mot active l'imagination, la mémoire et les sentiments des élèves. La parole de l'enseignant, écrit V. A. Sukhomlinsky, est un outil irremplaçable pour influencer l'âme de l'élève. L'art de l'éducation comprend avant tout l'art de parler, en se tournant vers le cœur humain... Le mot ne pourra jamais expliquer pleinement toute la profondeur de la musique, mais sans le mot on ne peut aborder cette sphère la plus subtile de la connaissance des sentiments. Une explication de la musique doit contenir quelque chose de poétique, quelque chose qui rapproche le mot de la musique. Étant un certain point de référence pour la perception de la musique, un mot ne peut épuiser l’ambiguïté sémantique d’une image artistique. Cela donne seulement la direction dans laquelle se développer imagination créatrice enfant.

Les méthodes visuelles sont destinées en pédagogie à familiariser sensuellement les élèves avec les phénomènes, processus, objets de la vie sous leur forme naturelle ou en représentation symbolique à l'aide de toutes sortes de dessins, reproductions, schémas, modèles.

En raison de la nature sonore de l'art musical, la méthode d'enseignement visuo-auditive, ou méthode de visualisation auditive, acquiert une importance particulière. Le type de visualisation prioritaire dans un cours de musique est le son de la musique elle-même, ce qui implique la démonstration d'œuvres musicales à la fois en son live et à l'aide d'équipements de reproduction sonore. À cet égard, l'interprétation de la musique par les enfants eux-mêmes est particulièrement intéressante : chant choral, chant de mélodies individuelles, vocalisation, jeu de musique élémentaire, jeu d'instruments imaginaires, intonation plastique, direction d'orchestre, performance musicale sur scène, etc. Le volume et la qualité de la musique jouée dans la leçon, ainsi que sa fonction dans la dramaturgie de la leçon sont un indicateur important de la réussite du processus pédagogique musical.

Parmi large éventail méthodes et techniques d'orientation auditive, des personnalités marquantes de l'éducation musicale de masse (B.V. Asafiev, B.L. Yavorsky, N.L. Grodzenskaya, D.B. Kabalevsky) ont particulièrement souligné la méthode d'observation et l'ont considérée comme un maillon fondamental de l'éducation musicale.

Observer l'art, selon B.V. Asafiev, signifie avant tout être capable de le percevoir. Cela signifie tout d'abord que toute forme d'activité d'interprétation, de composition musicale par les enfants, acquiert un caractère sincère et conscient. « L'observer (musique - ndlr) conduit à une orientation de la conscience non pas vers des objets individuels et leurs propriétés en tant que « séparation », mais vers l'interdépendance et la conjugaison des phénomènes, comme cela se produit généralement lors de l'observation des propriétés de phénomènes uniquement tangibles, mais invisibles. ". Seulement dans ce cas, estime B.V. Asafiev, la musique a un effet éducatif sur les enfants, sur la base duquel leur expérience de vie s'enrichit et des valeurs « socialement précieuses » sont éveillées. États mentaux», « l'initiative, la débrouillardise, le sens de l'organisation, l'attitude critique » se développent, les élèves apprennent à tirer des conclusions et des généralisations.

Dans la pratique pédagogique musicale, la méthode visuo-visuelle, ou méthode de clarté visuelle, est également largement utilisée. Par exemple, des supports pédagogiques visuels, des diagrammes, des partitions, un dictionnaire des caractéristiques émotionnelles. Les reproductions sont utilisées pour préparer les enfants à percevoir la musique et enrichir les impressions musicales avec des associations visuelles. Les dessins d'enfants sur la musique et sur la musique remplissent des fonctions similaires dans les cours de musique.

Selon le célèbre psychologue russe A. N. Leontiev, le recours à la visualisation doit prendre en compte deux points : le rôle spécifique du matériel visuel dans l'assimilation et la relation de son contenu sujet avec le sujet à assimiler. Sur cette base, il est nécessaire d'utiliser une telle clarté, qui est déterminée par l'essence même de la musique en tant qu'art indépendant de l'intonation auditive, de la forme intonation-son significative de l'œuvre et de l'activité musicale réelle des enfants.

Apprendre à vos élèves à retracer, comprendre et évaluer les processus d'intonation se produisant dans la musique, en mettant l'accent sur l'orientation auditive des systèmes éducatifs musicaux, peut être considéré comme les lignes directrices fondamentales de l'éducation musicale nationale. Il est nécessaire de maintenir l'harmonie dans l'interaction de la clarté auditive, visuelle et de l'action pratique avec la musique.

Les méthodes pratiques en pédagogie générale comprennent des méthodes visant à obtenir des informations en cours d'action. « L'observation de la musique », écrit B.V. Asafiev, « conduit tout d'abord à une intensification des impressions auditives... et, par conséquent, à l'enrichissement de notre expérience de vie et de notre connaissance du monde par l'audition... mais c'est nécessaire d'évoquer l'instinct de l'interprète chez l'auditeur . Cela doit être possible plus grand nombre les gens participaient activement, au moins dans une moindre mesure, à la reproduction de la musique. Ce n'est que lorsqu'une telle personne ressentira de l'intérieur le matériau avec lequel la musique opère qu'elle ressentira plus clairement le flux de la musique vers l'extérieur.

La participation à un chœur crée d'ailleurs la possibilité d'une croissance très rapide de la conscience et de la réceptivité musicales, si des œuvres avec un mouvement de voix développé, mobile et indépendant sont également interprétées... Toute explication de l'extérieur, aussi parfaite soit-elle. , révèle le sens des termes techniques, clarifie le sens d'une forme ou d'une autre, mais il n'est pas capable de donner une compréhension de la musique qui ne vienne pas d'une analyse sèche des moyens d'incarnation, mais d'une sensation vivante et d'un ressenti direct. La participation personnelle à la reproduction développe ces propriétés, car il est impossible de percevoir avec l'être tout entier, et non avec l'esprit, uniquement des réalisations créatrices, si au moins pour un instant, pour un petit moment de la vie, on ne se sent pas créateur ou un complice porteur des idées créatives de quelqu'un, c'est-à-dire un interprète. » . Le même schéma s’applique à la perception de la musique instrumentale par les enfants. La perception est plus efficace lorsqu'elle inclut non seulement l'activité auditive, mais également visuelle et motrice. Le chant, selon N. L. Grodzenskaya, est « une méthode active et très importante pour développer la perception de la musique ». À cet égard, parmi les actions avec lesquelles un enfant peut refléter la musique perçue, une place particulière est occupée par la vocalisation, ainsi que par l'intonation plastique, la notation musicale et la notation graphique. Tout cela permet de ressentir la musique, de comprendre plus précisément l’intention du compositeur et de s’en souvenir plus fermement et plus rapidement. Parallèlement, pendant de nombreuses années, la perception de la musique a été identifiée à l’écoute de la musique. Les types d'activités musicales actives et prioritaires comprenaient le chant choral, le jeu d'instruments de musique, etc. L'essentiel était la formation des compétences et des capacités nécessaires pour mener à bien ces types d'activités.