Le travail d'Andrei Voznesensky dans poésie moderne occupe la niche d'une avant-garde « socialement orientée », issue du futurisme russe avec son pathétique de construction de vie, d'actualité, d'expérimentation dans le domaine des formes artistiques et de recherche de moyens d'expression verbaux. Les paroles d'Andrei Voznesensky nécessitent une lecture attentive, peut-être répétée, car le poète aborde des problèmes complexes, il évite les conclusions et les solutions toutes faites. En plus de la pensée associative complexe caractéristique de la pratique créative de Voznesensky, il est sujet à des changements soudains d’humeur, d’intonations, de métaphores et de niveaux lexicaux.
DANS meilleures œuvres Andrei Voznesensky des années 50, comme le poème « Maîtres », les poèmes « Patrie », « D'un cahier sibérien », « Rapport sur l'ouverture d'une centrale hydroélectrique », transmettaient la vision optimiste du monde d'une personne. Le poème « Maîtres » glorifie le « travail audacieux » des artisans populaires, dont le poète a hérité d'une « faim insatiable de travail et de découverte » :
Depuis mes années d'étudiant, je rêve que les bâtiments s'envoleront dans l'univers comme une fusée à cent pas !
Dans les années 60, de nouveaux recueils apparaissent, « Antimondes » (1964) et « Cœur d’Achille » (1966), dans lesquels les notes d’amour de la vie et de l’humanité deviennent encore plus profondes et perçantes. Et dans le poème « Oza » (1967), parlant de la mission du poète pour sauver le monde de la « robotisation », du « pseudo-progrès », Voznesensky fait référence aux destinées historiques de la Patrie, à la beauté éternelle et constante de la nature et l'âme humaine :
Il n'y a qu'une seule chose sur terre qui soit constante, Comme la lumière d'une étoile disparue, - Un rayonnement continu, Ils l'appelaient l'âme.
Mais en essayant de s'immerger « dans le cours impénétrable de la nature » (« Je veux le silence, le silence ! »), le poète devient vite convaincu que le silence de la nature est trompeur et n'est pas du tout serein. En témoigne le poème « L'Appel du Lac », dédié à la « Mémoire des victimes du fascisme ». Une tournure tragique du thème de la créativité, des possibilités humaines illimitées, tuées par les gens en eux-mêmes, se trouve dans « Lament for Two Unborn Poems » (1965). Le poème sonne comme un cri sur l'eau de tout ce qui n'est pas réalisé, à naître, perdu, non manifesté :
Amen. J'ai tué le poème. Il a tué sans accoucher. Aux Charons ! Nous l'enterrons. Nous enterrons les poèmes. Entrée pour tous les étrangers. Nous l'enterrons.
Lequel des « étrangers » Voznesensky propose-t-il d'honorer la mémoire des poèmes à naître ? Il invite à « se lever » non seulement pour les héros dotés de noms propres dans le poème (ce sont les Serviteurs, Boris Leonidovich Pasternak, Dante Alighieri, Rasul Gamzatov, Nicolas Copernic, Boris Levanov, Mark Alexandrovich Landau), pas seulement pour ceux dont des actions similaires à celles de beaucoup (« garçons héroïques », « une fille dans un groupe de jazz », un ministre, une grand-mère), mais aussi des témoins silencieux de la « conception » de poèmes - étangs d'Ostankino, tilleuls nocturnes , routes. Voznesensky termine son poème par un cri lugubre, dans lequel se fait entendre la douleur de ce qui ne s'est pas produit, de ce qui est irrémédiablement perdu :
Mémoire éternelle... Mémoire éternelle, Plans verts, lève-toi comme une flamme, Mémoire éternelle, Rêve et espoir, tu es venu sous le porche ! Souvenir éternel !..
Les comparaisons utilisées dans ce poème sont diverses et originales (« les tilleuls nocturnes sont comme des pattes dans les branches de la chiromancie », « les cercueils sont comme les couteaux pliants d'un géant »), les métaphores (« les routes brisées », « on enterre les poèmes », "Deux poèmes mentent comme des jumelles de théâtre blanches").
Le contraste entre le passé et le présent, l'affirmation de l'irréversibilité du passé et le sentiment du présent comme un avenir imparfait peuvent être entendus dans le poème « Nostalgie du présent » (1976). Le titre même du poème montre que Voznesensky est étranger à la tradition poétique qui aborde les thèmes de la mémoire, du passé et de la nostalgie. Le caractère paradoxal du titre et du refrain du poème utilisé par l'auteur est porteur d'un sens profond :
Je ne sais pas pour les autres, mais je ressens une nostalgie la plus sévère, non pas du passé, mais de la nostalgie du présent...
La solitude ne sera pas rachetée par une menuiserie ouverte dans le jardin. Ce n’est pas l’art auquel j’aspire, j’étouffe vraiment…
« Pour de vrai » et « pour de vrai » sont une différence de trait d'union, mais la différence est sémantique. Dans le premier cas, le « présent », qui est conceptualisé par opposition au « passé » ; dans le second - contrairement à « artificiel, contrefait, faux ». Jouer sur la combinaison des deux sens du mot « réel » – « moderne », « authentique » – permet de comprendre processus historique comme une « amélioration » constante de la vie et de la morale, sinon réelle, du moins souhaitable pour le poète (« Ce qui est passé est passé. // Pour le meilleur... »), à l'opposition de l'art et de la vie, à la déclaration des lacunes comme des reliques du passé.
Dans ce poème, Andrei Voznesensky développe les traditions du futurisme dans le domaine de la forme artistique, utilisant activement des rimes irrégulières et rares, des néologismes poétiques, introduisant un vocabulaire familier et parfois grossier dans la poésie, préférant les vers toniques proches des rythmes du discours familier.
Dans les années 70 et 80, le sentiment humain des poèmes de Voznesensky est devenu plus aigu, plus mature et plus efficace. Le poète révèle la capacité et le besoin intérieur de vivre de tout son cœur les chagrins et les problèmes des autres, de réagir immédiatement, de venir en aide aux gens. Il réagit de manière excessive à la complexité et à la douleur monde moderne, même s'il n'apporte toujours pas toujours clarté et certitude au flux de ses sensations. Mais le naturel du sentiment et la simplicité des formes l’emportent aussi, laissant de moins en moins place à la rationalité et aux constructions complexes. Le poète exprime son « je » sous différentes formes. Lui, par exemple, est particulièrement sensible à la souffrance des femmes, à la douleur des femmes, à l’humiliation du sentiment de dignité humaine d’une femme. Il s’agit généralement de l’une des meilleures traditions de la littérature classique russe, de Nekrassov à Blok et Maïakovski. Voznesensky est un digne successeur de cette tradition.
Le critique L. Ozerov a noté : « Je suis là où est la douleur, partout » - la vie et le principe créatif de Maïakovski deviennent le principal pour Voznesensky... Le seuil de douleur de ce poète est bas, ses nerfs sont exposés « ... ressentir avec ta paume, ça fait mal ! Ce « fait mal » se retrouve tout au long de la poésie d'Andrei Voznessensky. Ils ont battu un chien - ça fait mal. Ils ont battu une femme, ça fait mal. Ils détruisent les gens – c’est la douleur. Ils apportent la destruction atomique à l’humanité – de la souffrance.
Le poète veut sauver tout le monde de la douleur. De plus, il pleure sur les eaux de ce qui n'est pas accompli, à naître, perdu, non manifesté... Tout cela est douleur. Et son cœur est rempli de cette douleur.
Son "Monologue de Merlin Monroe" avec le répété "Insupportable, insupportable", sa "Fronal Ballad", "Ils ont battu une femme", et parmi les précédents - "Le dernier train électrique", "Courses de motos sur un mur vertical", « Esquisse d'un poème » nous montre le poète qui, à travers la douleur et la souffrance des femmes, perçoit la douleur et la souffrance d'un monde anti-humaniste qui nous est étranger. Dans le poème « Ils ont battu une femme », Voznesensky raconte comment ils ont battu de manière inhumaine une femme dans une voiture, puis, lorsqu'elle est jetée hors de la voiture sur l'autoroute, ils continuent de la torturer :
Et les freins ont grincé. Les gens se précipitaient vers elle. Et ils se traînaient et se frappaient le visage dans la neige et les orties.
Une indication précise du lieu de l'action (« au tournant vers Kupavna ») confère à la scène décrite une authenticité, et en même temps, une capacité intemporelle :
Ils ont battu une femme. Ils battent pendant des siècles, Ils battent la jeunesse, ils sonnent solennellement le tocsin du mariage, Ils battent une femme...
La douleur et le ressentiment envers une femme, même étrangère et étrangère, naissent chez le poète d'un sentiment d'amour pour une personne vivante et de haine pour tout ce qui humilie une personne et l'asservit :
... Elle gisait comme un lac, Ses yeux étaient comme de l'eau Et ne lui appartenaient pas, Comme une clairière ou une étoile Et les étoiles frappaient le ciel Comme la pluie sur du verre noir Et, roulant, refroidissaient Son front brûlant.
Le thème de l’amour féminin non partagé occupe une place importante dans les paroles de Voznesensky. « Confession » est écrit sur les contrastes. La phrase familière du quotidien « eh bien, que veux-tu d’autre de moi ? » devient l'épicentre du « duel fatal » - amour - haine :
Paiement épuisé jusqu'au jour du décès. Le dernier brûle sous tes chutes de neige, La musique était-elle un miracle, est devenue la musique du poison, Eh bien, que veux-tu d'autre de moi ?
Cependant, devant la puissance tragique de l'amour, le vainqueur s'avère vaincu, la victoire se transforme en défaite, un cri de douleur se transforme en murmure de prière :
Et les portes pliantes tremblaient comme les châssis des fenêtres. Et elle est sortie fatiguée et sans vêtements. Il a dit : « Je t'aime. Fini les sucreries. Eh bien, que veux-tu d'autre de moi ?
Le poème « Ne disparaissez pas » sonne comme une poignante déclaration d’amour. Le héros lyrique ressent un lien invisible avec sa bien-aimée, qui somnole sur son épaule dans l'avion. L'amour est avant tout plus fort que la mort :
Ne disparais pas, il y a de la pureté en nous, Ne disparais pas même si le bord approche. Après tout, ce n’est pas grave, même si je disparais moi-même, je ne te laisserai pas disparaître. Ne disparais pas!
Dans de nombreux poèmes d’Andrei Voznesensky, le thème de la Russie et de la Patrie résonne, recevant parfois une incarnation sonore inhabituelle. Dans les années 80, le poète s’approche du nouveau genre de la « vidéo », où l’image est indissociable du son. La première vidéo, « Poétarque », a été créée pour l'Exposition de Paris et représentait une boule d'or sur fond de ciel bleu, avec des fils dorés avec des lettres de l'alphabet s'étendant vers le haut. Cette vidéo était destinée au poème « Quand le peuple est la source première » : Matériel du site
Lorsque le peuple originel change la vérité et la foi, le sort des solitaires, fidèles à leur propre vecteur, est triste. Parmi les sourires remuants Et les modes qui ont tout pelleté, Mon chemin est droit et sans équivoque, Comme l'œsophage d'un avaleur d'épée.En 1993, le journal Izvestia a publié le poème « La Russie est ressuscitée », composé de nombreux sonnets. Ces vers expriment la foi du poète dans le salut futur de la Russie :
La Russie est enterrée. Nécrologies dans la presse. Mais je le répète : la Russie est levée. Prions ensemble pour ceux qui sont absents, Prions ensemble pour ceux qui sont proches et lointains, Pour ceux qui souffrent et qui sont dans une Mercedes, Pour le sans-abri qui ne dort pas à la Villa Borghèse, Mai, avec l'aide de Dieu, Russie ressuscitera!
L'œuvre d'Andrei Voznesensky suscite un vif intérêt de la critique littéraire. Selon A.A. Mikhailova, « Andrei Voznesensky est un poète plus difficile à percevoir à l'oreille qu'Evtushenko ou Rozhdestvensky, et pourtant ses performances pop s'accompagnent de succès auprès de publics variés.
Comment cela peut-il être expliqué? Parallèlement à la complication de la poétique, Voznesensky a largement introduit dans la poésie ce que Maïakovski a appelé « le dialecte maladroit de millions » - le langage de la rue, la phraséologie grossière de la vie quotidienne, ouvrant en eux de nouvelles sources d'expressivité. Est-ce que cela produit un effet esthétique ? On peut facilement trouver quelques « excès » dans l'usage des vulgarismes chez Voznesensky, mais on peut donner de nombreux exemples où une phraséologie grossière est organique en tant que trait caractéristique, en tant que style.
Selon l'observation de S. Chuprinin, la base du mécanisme poétique de Voznesensky est la technique suivante : ce n'est pas une pensée ou un sentiment qui génère une métaphore, mais une métaphore paradoxale, rassemblant les choses et les concepts les plus inattendus, souvent avec l'aide de similitude sonore, graphique ou autre forme de mots, génère un sentiment et une pensée. En cela, Voznesensky perpétue également les traditions de l'avant-garde poétique russe - les expériences des poètes imagistes. Une autre technique préférée de Voznesensky est un oxymore, une combinaison de mots de sens opposé («Look forward», «Optimistic Requiem»). L'accent mis sur l'expérimentation créative et le désir de démocratie et d'accessibilité à un large lecteur rendent l'œuvre d'Andrei Voznesensky profondément moderne et en phase avec notre époque.
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- essai sur le thème de la patrie dans les œuvres d'Evtouchenko
- analyse du poème silence de Voznesensky
- ce qui provoque la nostalgie du présent dans la poésie de Voznesensky
- analyse du poème confession d'ascension
- Chronique de la vie et de l'œuvre d'Andrey Voznesensky
A. A. Voznesensky est né en 1933. Dans les années 50 du XXe siècle, une nouvelle génération de poètes est entrée dans la littérature, dont l'enfance s'est déroulée pendant la guerre et leur jeunesse s'est déroulée dans années d'après-guerre. Cette reconstitution de la poésie russe s'est formée dans une atmosphère de changements rapides de la vie et de conscience de soi croissante des gens. En collaboration avec des poètes des générations plus âgées et moyennes, les jeunes auteurs ont essayé de saisir avec précision les exigences de la vie et de la littérature émergentes et d'y répondre au mieux de leurs capacités. V. Sokolov et R. Rozhdestvensky, E. Yevtushenko et A. Voznesensky et bien d'autres, dans leurs propres thèmes et genres, images et intonations, abordant toutes sortes de coutumes artistiques, ont essayé de personnifier les qualités de l'apparence spirituelle de l'homme moderne, sa tendance à la réflexion intense, à la recherche créative, à l'action proactive.
Le travail d'Andrei Voznesensky s'est développé de manière complexe. Le talent extraordinaire du poète et sa recherche de nouvelles possibilités de la parole poétique ont immédiatement attiré l’attention des lecteurs et des critiques. Ses meilleures œuvres des années 50, comme le poème « Les Maîtres » (1959), les poèmes « D'un carnet sibérien », « Rapport sur l'ouverture d'une centrale hydroélectrique », transmettent la joie du travail et le sens optimiste de la vie. d'une personne créative. Le héros lyrique de Voznesensky est plein de soif d’agir et de créer :
Je viens du banc des étudiants
Je rêve que les bâtiments
Fusée à pas
Envolé dans l'univers !
Cependant, il lui manquait parfois à cette époque de maturité civique et de simplicité poétique. Dans les poèmes des recueils « Parabole » et « Mosaïque » (1960), les intonations et rythmes énergiques, les images et la conception sonore inattendues se transforment parfois en une passion pour le côté formel du vers.
Le poète Sergei Narovchatov, analysant le livre d'Andrei Voznesensky «Maître du vitrail», a retracé le lien entre sa poétique et l'art du vitrail. Comme on le sait, le lien entre la littérature et beaux-Arts ancienne, mais de nos jours, cette « communauté des muses » est devenue encore plus forte.
Dans les poèmes d'A. Voznesensky « Le bosquet », « Le cri du castor », « Chanson du soir », l'idée selon laquelle, détruisant nature environnante, les gens détruisent et tuent le meilleur d’eux-mêmes, mettant ainsi leur avenir sur Terre en danger mortel.
Dans l’œuvre de Voznesensky, les quêtes morales et éthiques s’intensifient sensiblement. Le poète lui-même ressent le besoin urgent d’actualiser avant tout le contenu spirituel de la poésie. Et la conclusion de ces réflexions sont les lignes suivantes sur le but de la vie de l’art :
Il y a le but le plus élevé d'un poète -
Brisez la glace sur le couvercle,
Pour que nous puissions nous réchauffer du gel
Et bois la confession.
Ces impulsions et aspirations ont été exprimées dans les livres « Cello Oak Leaf » (1975) et « Stained Glass Master » (1976), « I Long for Sweet Foundations ». Ils ont également déterminé l'apparition d'autres motifs, traits figuratifs et détails, par exemple dans la perception de la nature. D'où - « De jolis bosquets d'une patrie timide (la couleur d'une larme ou d'un fil dur)… » ; « Un poirier mort, seul dans le bosquet, je ne troublerai pas ta beauté » ; « Les pins fleurissent - des bougies de feu sont cachées dans les paumes des futurs cônes... » ; "Des copeaux frais pendent aux cerisiers des oiseaux...". Le poète s’avoue avec surprise : « C’est comme si je voyais pour la première fois le lac de beauté de la périphérie russe. »
Pour la première fois, les poèmes d'Andrei Voznesensky ont été publiés dans Literaturnaya Gazeta. Dans les années 70, des recueils de poèmes sont publiés : « Shadow of Sound », « Look », « Release the Bird », « Temptation », « Selected Lyrics ».
Voznesensky travaille sur des œuvres de grande forme poétique ; il a écrit les poèmes « Lonjumeau », « Oza », « Ice69 », « Andrei Palisadov » et d'autres. Ses poèmes naissent naturellement de ses poèmes et s'élèvent parmi eux, comme des arbres parmi des buissons. Ces poèmes sont rapides, les images ne s'arrêtent pas sur le quotidien et la descriptivité scrupuleuse, ils ne veulent pas s'arrêter. L’espace se donne en vol : « les centres de télévision au-delà de Mur volent comme une cigarette de nuit ». L'accent est mis sur le Temps (avec un T majuscule), le Temps épique :
J'entre dans le poème
alors qu’ils entrent dans une nouvelle ère.
C'est ainsi que commence le poème Longjumeau.
La réaction du poète face à ce qui est moderne et d'une importance vitale est instantanée, urgente, ambulance et les pompiers, selon ses mots - 24 heures sur 24 et sans problème. Douloureux, humain, perçant caractérise de manière décisive et claire l’œuvre du poète.
Tout progrès est réactionnaire,
si une personne s'effondre.
Andrei Voznesensky a également écrit des articles sur les problèmes de la littérature et de l'art, a beaucoup peint et certaines de ses peintures se trouvent dans des musées.
En 1978, à New York, il a reçu le Prix du Forum international des poètes pour ses réalisations exceptionnelles en poésie, et la même année, Andrei Voznesensky a reçu le Prix d'État de l'URSS pour son livre « Le Maître du vitrail ».
Les poèmes de Voznesensky sont remplis d'énergie sonore. Les sons circulent librement, sans inhibitions et, surtout, consciemment. Il ne s’agit pas d’un jeu aveugle de mots, mais d’une avancée juvénile soutenue vers le sens, vers l’essence…
... Un grand bonheur revient à ceux qui
qui se retrouvent dans la petite jeunesse
et vos principaux objectifs.
G. Krzhijanovsky
Andrei Voznesensky est un poète doué et original. Il se caractérise par un sens de la modernité, une soif de polysémie des images et un lyrisme intense. Son œuvre se caractérise par des associations compressées et des néologismes, souvent des métaphores grotesques. Il n'est pas comme les autres. Il travaille sérieusement, beaucoup et a sorti plus de dix collections.
Ses poèmes commencent à paraître dans les années soixante. Déjà dans les premiers recueils « Parabole » (1960), « Mosaïque » (1960), « Poire triangulaire » (1962), « Antimondes » (1964), l'individualité créatrice du poète se révélait. La recherche d'une voie individuelle n'a pas conduit Andrei Voznesensky à rompre avec la tradition classique, mais l'a seulement forcé à la comprendre de manière créative, à sa manière.
La famille du poète connaissait et appréciait l'art. Dans sa jeunesse, Andrei Voznesensky s'est intéressé à l'architecture, a étudié sérieusement la peinture, puis s'est intéressé à la littérature à Maïakovski, Pasternak, Lorca et Gogol.
Parlant de l’œuvre de Voznesensky, Nikolai Aseev dira plus tard que « la parenté de Voznesensky avec Maïakovski est indéniable. Et pas seulement dans la structure inhabituelle du vers – cela réside également dans le contenu, dans la profonde vulnérabilité des impressions... »
Le drame, si inhérent aux paroles d'Andrei Voznesensky, surgit là où une nouvelle attitude envers le monde entre en collision avec les véritables contradictions de la réalité moderne. Dans la poésie d'un artiste en herbe, il y a une frontière claire entre ce qu'il aime et ce qu'il déteste de toutes les forces de son âme. Le poète est blessé par la moquerie de l’art, de l’artiste qui a peint le portrait de Maïakovski sur l’asphalte, et par les piétons, presque sans regarder, « jettent le pot-de-vin » et piétinent son œuvre. Et sur l'asphalte, « comme une blessure », le visage de Maïakovski apparaît : « Il faut se précipiter sur le destin pour que ton visage, comme celui d'Hiroshima, s'imprime sur le trottoir ! Le poète ne peut accepter ni la mort tragique de l'actrice Marilyn Monroe, vendue par d'habiles producteurs, ni l'insulte au nom même de « femme », à sa pureté et à sa tendresse :
C'est insupportable d'être nu
sur toutes les affiches, dans tous les journaux,
oubliant que le cœur est au milieu,
ils vous enveloppent de harengs.
Les yeux sont froissés, le visage est déchiré...
Le lyrisme de Voznesensky est une protestation passionnée contre le danger d’un Hiroshima spirituel, c’est-à-dire la destruction de tout ce qui est vraiment humain dans un monde où les choses ont pris le pouvoir et où « l’âme a un veto ». Un appel à la protection de tout ce qui est beau résonne clairement dans sa poésie, en particulier dans des poèmes tels que « Chasse au lièvre », « Répondre ! », « Première glace », « Battre une femme ».
L'intransigeance envers toutes les manifestations de l'antihumanisme prend chez Andrei Voznessensky un caractère historique précis. Ainsi, dans le poème « Goya » (1959), l’image de l’artiste est un symbole de haute humanité, et la voix de Goya est la voix de la colère contre les horreurs de la guerre, contre les atrocités de la réaction.
Dans le poème « L'Appel du Lac » (1965), le poète poursuit ce vers avec passion. Un lac calme et tranquille est la création de mains humaines, mais de mains sanglantes. Oui, les victimes des nazis, les gens du ghetto qui ont été torturés et tués par eux ont été enterrés ici puis remplis d'eau :
Nos baskets semblaient gelées.
Silence.
Ghetto dans le lac. Ghetto dans le lac
Trois hectares de fond vivant.
Dans ses poèmes, on entend la voix de ceux qui ont enduré la lutte mortelle contre le nazisme, qui pouvaient dire à juste titre : « J'ai emporté d'un seul coup les cendres d'un invité non invité en Occident ! », ainsi que la voix d'une nouvelle génération de les antifascistes appellent à ne pas oublier les menaces nouvelle guerre, déjà atomique. Dans le poème « Uzzah », le motif principal est le désir de protéger son jeune amour de la menace d'une guerre monstrueuse, d'une civilisation sans âme qui menace de détruire le monde. Le poème commence par l'hymne « Ave, Oza », plein de sentiments très tendus.
Ou peut-être, cher ami, sommes-nous vraiment sentimentaux ?
Et l'âme sera enlevée comme des amygdales nuisibles ?..
L’amour n’est-il pas vraiment aussi à la mode qu’une cheminée ?
Amen?
Son héroïne appartient à la réalité, elle est une merveilleuse combinaison d'atomes. Mais cette « combinaison de particules » est facile à détruire dès qu’une explosion atomique « change l’ordre » ! Et il met en garde l’humanité :
Il sera tard, trop tard !
Qui menace l'héroïne du poème ? Et ici apparaît une image satirique du « monde à l’envers ». Le monde des robots sans âme, ceux qui, pour le bien des affaires, sont prêts à plonger l'humanité dans l'horreur et l'agonie d'une guerre nucléaire, est particulièrement aigu. Ce monde laid est détesté par le héros du poème, un monde dans lequel tous les sentiments authentiques sont perdus, la profondeur et la complexité de la pensée humaine sont rejetées, la tendresse et la pureté sont ridiculisées :
...Pas le temps de réfléchir, pas le temps.
aux bureaux comme des chariots,
il n'y a que du brut, du net -
il n'y a pas de temps pour être humain.
Le poète oppose la jeunesse à ce monde inhumain globe dans la lueur d'octobre. Le poète dessine l'image du monde naturel, du monde de l'humanité :
Mon pays. Patrie de la beauté,
Le pays de Rublev, Blok,
Où la neige est magnifique
incroyablement propre....
Et le thème de l’amour est intimement lié à l’histoire de la confrontation entre deux anti-mondes. Le poème dévoile une dispute aiguë et irréconciliable entre le parolier et son « ami étranger » et avec le contemporain moderniste « déçu ». Le poète rejette la possibilité d’abandonner la beauté de la personnalité humaine. Le parolier argumente délibérément grossièrement avec le moderniste :
Comment lui dire, le salaud,
Que nous ne vivons pas pour mourir -
Pour toucher un miracle avec tes lèvres
embrasser et diffuser.
Les paroles d'amour du poète s'avèrent invariablement plus larges et plus profondes que leur objectif. L'appel du poète au « miracle de l'amour » complexe et magnifique est inextricablement lié à un sentiment d'émerveillement respectueux face au caractère unique de la personnalité humaine et à ses pouvoirs créateurs.
Image lyrique Les héroïnes de Voznesensky se confondent souvent avec la nature, incarnant sa beauté naïve et bienveillante. Il voit l’héroïne soit « comme une branche d’aulne mouillée » soit « comme une source de montagne ». Le poète recourt à la tradition folklorique lorsque les arbres parlent avec des voix humaines.
Son héros lyrique proteste contre tous les mensonges, met en garde sa bien-aimée contre le gaspillage des sentiments : "... se perdre n'est pas une bagatelle - tu t'enfuis comme de l'eau par poignées..."
Dans ses poèmes, Andrei Voznesensky a pu exprimer une foi passionnée en l'homme et un rejet actif de l'antagonisme, qui constituent trait distinctif notre contemporain - citoyen d'une nouvelle société.
Premières paroles de A. Voznesensky
Andrei Voznesensky est un poète doué et original. Il se caractérise par un sens de la modernité, une soif de polysémie des images et un lyrisme intense. Son œuvre se caractérise par des associations compressées et des néologismes, souvent des métaphores grotesques. Il n'est pas comme les autres. Il travaille sérieusement, beaucoup et a sorti plus de dix collections.
Ses poèmes commencent à paraître dans les années soixante. Déjà dans les premiers recueils « Parabole » (1960), « Mosaïque » (1960), « Poire triangulaire » (1962), « Antimondes » (1964), l'individualité créatrice du poète se révélait. La recherche d'une voie individuelle n'a pas conduit Andrei Voznesensky à rompre avec la tradition classique, mais l'a seulement forcé à la comprendre de manière créative, à sa manière.
La famille du poète connaissait et appréciait l'art. Dans sa jeunesse, Andrei Voznesensky s'est intéressé à l'architecture, a étudié sérieusement la peinture, puis s'est intéressé à la littérature à Maïakovski, Pasternak, Lorca et Gogol.
Parlant de l’œuvre de Voznesensky, Nikolai Aseev dira plus tard que « la parenté de Voznesensky avec Maïakovski est indéniable. Et pas seulement dans la structure inhabituelle du vers – cela réside également dans le contenu, dans la profonde vulnérabilité des impressions... »
Le drame, si inhérent aux paroles d'Andrei Voznesensky, surgit là où une nouvelle attitude envers le monde entre en collision avec les véritables contradictions de la réalité moderne. Dans la poésie d'un artiste en herbe, il y a une frontière claire entre ce qu'il aime et ce qu'il déteste de toutes les forces de son âme. Le poète est blessé par la moquerie de l’art, de l’artiste qui a peint le portrait de Maïakovski sur l’asphalte, et par les piétons, presque sans regarder, « jettent le pot-de-vin » et piétinent son œuvre. Et sur l'asphalte, « comme une blessure », le visage de Maïakovski apparaît : « Il faut se précipiter sur le destin pour que ton visage, comme celui d'Hiroshima, s'imprime sur le trottoir ! Le poète ne peut accepter ni la mort tragique de l'actrice Marilyn Monroe, vendue par d'habiles producteurs, ni l'insulte au nom même de « femme », à sa pureté et à sa tendresse :
C'est insupportable d'être nu
sur toutes les affiches, dans tous les journaux,
oubliant que le cœur est au milieu,
ils vous enveloppent de harengs.
Les yeux sont froissés, le visage est déchiré...
Le lyrisme de Voznesensky est une protestation passionnée contre le danger d’un Hiroshima spirituel, c’est-à-dire la destruction de tout ce qui est vraiment humain dans un monde où les choses ont pris le pouvoir et où « l’âme a un veto ». Un appel à la protection de tout ce qui est beau résonne clairement dans sa poésie, en particulier dans des poèmes tels que « Chasse au lièvre », « Répondre ! », « Première glace », « Battre une femme ».
L'intransigeance envers toutes les manifestations de l'antihumanisme prend chez Andrei Voznessensky un caractère historique précis. Ainsi, dans le poème « Goya » (1959), l’image de l’artiste est un symbole de haute humanité, et la voix de Goya est la voix de la colère contre les horreurs de la guerre, contre les atrocités de la réaction.
Dans le poème « L'Appel du Lac » (1965), le poète poursuit ce vers avec passion. Un lac calme et tranquille est la création de mains humaines, mais de mains sanglantes. Oui, les victimes des nazis, les gens du ghetto qui ont été torturés et tués par eux ont été enterrés ici puis remplis d'eau :
Nos baskets semblaient gelées.
Silence.
Ghetto dans le lac. Ghetto dans le lac
Trois hectares de fond vivant.
Dans ses poèmes, on entend la voix de ceux qui ont enduré la lutte mortelle contre le nazisme, qui pouvaient dire à juste titre : « J'ai emporté d'un seul coup les cendres d'un invité non invité en Occident ! », ainsi que la voix d'une nouvelle génération de antifascistes, appelant à ne pas oublier les menaces d'une nouvelle guerre, déjà atomique. Dans le poème « Uzzah », le motif principal est le désir de protéger son jeune amour de la menace d'une guerre monstrueuse, d'une civilisation sans âme qui menace de détruire le monde. Le poème commence par l'hymne « Ave, Oza », plein de sentiments très tendus.
Ou peut-être, cher ami, sommes-nous vraiment sentimentaux ?
Et l'âme sera enlevée comme des amygdales nuisibles ?..
L’amour n’est-il pas vraiment aussi à la mode qu’une cheminée ?
Amen?
Son héroïne appartient à la réalité, elle est une merveilleuse combinaison d'atomes. Mais cette « combinaison de particules » est facile à détruire dès qu’une explosion atomique « change l’ordre » ! Et il met en garde l’humanité :
Il sera tard, trop tard !
Qui menace l'héroïne du poème ? Et ici apparaît une image satirique du « monde à l’envers ». Le monde des robots sans âme, ceux qui, pour le bien des affaires, sont prêts à plonger l'humanité dans l'horreur et l'agonie d'une guerre nucléaire, est particulièrement aigu. Ce monde laid est détesté par le héros du poème, un monde dans lequel tous les sentiments authentiques sont perdus, la profondeur et la complexité de la pensée humaine sont rejetées, la tendresse et la pureté sont ridiculisées :
...Pas le temps de réfléchir, pas le temps.
aux bureaux comme des chariots,
il n'y a que du brut, du net -
il n'y a pas de temps pour être humain.
Le poète oppose ce monde inhumain à la jeunesse du globe dans la lueur d’octobre. Le poète dessine l'image du monde naturel, du monde de l'humanité :
Mon pays. Patrie de la beauté,
Le pays de Rublev, Blok,
Où la neige est magnifique
d'une propreté fascinante...
Et le thème de l’amour est intimement lié à l’histoire de la confrontation entre deux anti-mondes. Le poème dévoile une dispute aiguë et irréconciliable entre le parolier et son « ami étranger » et avec le contemporain moderniste « déçu ». Le poète rejette la possibilité d’abandonner la beauté de la personnalité humaine. Le parolier argumente délibérément grossièrement avec le moderniste :
Comment lui dire, le salaud,
Que nous ne vivons pas pour mourir -
Pour toucher un miracle avec tes lèvres
embrasser et diffuser.
Les paroles d'amour du poète s'avèrent invariablement plus larges et plus profondes que leur objectif. L'appel du poète au « miracle de l'amour » complexe et magnifique est inextricablement lié à un sentiment d'émerveillement respectueux face au caractère unique de la personnalité humaine et à ses pouvoirs créateurs.
L’image lyrique de l’héroïne de Voznesensky se confond souvent avec la nature, incarnant sa beauté naïve et bienveillante. Il voit l’héroïne soit « comme une branche d’aulne mouillée » soit « comme une source de montagne ». Le poète recourt à la tradition folklorique lorsque les arbres parlent avec des voix humaines.
Son héros lyrique proteste contre tous les mensonges, met en garde sa bien-aimée contre le gaspillage des sentiments : "... se perdre n'est pas une bagatelle - on s'enfuit comme des poignées d'eau..."
Dans ses poèmes, Andrei Voznesensky a su exprimer une foi passionnée en l'homme et un rejet actif de l'antagonisme, qui constituent le trait distinctif de notre contemporain - citoyen d'une nouvelle société.
