1. Le lien entre le thème de la beauté spirituelle humaine et les thèmes de la nature et du monde environnant.
2. Le noyau moral des héros Evtouchenko et Voznesensky.
3. Le thème de la beauté spirituelle humaine dans la chanson de l’auteur.
La formule « il n’y a pas de gens inintéressants dans le monde » avait déjà été énoncée par E. Yevtushenko en 1960. Ce poème s’adresse à des personnes que l’on appelle parfois « simples ». Dans son œuvre, chaque écrivain et poète aborde d'une manière ou d'une autre ce sujet - le thème de l'homme, de son âme, de ses actions et de ses intentions. Mais le thème de l'homme, sa beauté spirituelle est toujours lié au thème de la nature, du monde qui l'entoure, de l'environnement dans lequel une personne manifeste ses pensées et ses sentiments. Le poème «Élégie» d'Alexeï Parshchikov semble parler de la nature, des crapauds en tant que représentants les plus bas du monde animal, mais même ici, son intérêt pour la beauté des êtres vivants, pour les gens, leurs actions et leurs actes, émerge.
...Quand tu es une fille tu tricotes, quand tu es mariée tu portes du caviar,
Soudain, ils se battront jusqu'à la mort et le bruissement s'atténuera à nouveau.
Et puis, comme Dante, ils gèlent dans la glace en hiver,
Et puis, comme Tchekhov, ils passeront la nuit à discuter.
L'homme a le rôle de médiateur entre la nature et l'humanité. A. Voznesensky en a parlé un jour :
Nous sommes doubles. Nous sommes des agents
Double, comme un tronc de chêne,
Entre nature et culture,
Politique et amour.
Le problème de l'homme et de son idéal moral inquiétait de nombreux auteurs - non seulement des prosateurs, mais aussi des poètes. Le noyau moral du caractère lyrique d’Evtouchenko se manifeste dans des poèmes sur des personnes qui ont déjà passé l’épreuve de force la plus sévère et y ont résisté pendant la guerre. Ce sont des poèmes tels que « Mariages », « Soldat de première ligne », « Armée », « Nastya Karpova ». Dans le poème « Frontline Soldier », le héros est un soldat blessé, objet de la plus grande adoration des garçons et des adolescents. En même temps, on assiste à la condamnation la plus décisive de la complaisance morale du soldat de première ligne, qui, très ivre, harcelait d'abord l'une ou l'autre fille avec ses avances et « parlait trop fort, trop rassasié de ses exploits ». » Non seulement les enfants, les héros du poème, mais aussi le poète relie l'idéal moral aux personnes qui ont combattu au front, il ne permet donc pas la moindre déviation au soldat de première ligne, c'est pourquoi il insiste obstinément sur le fait que " il doit être meilleur, meilleur, pour ce qu'il était au front."
Le dernier livre de Voznesensky, « Contremaîtres de l’Esprit », est particulièrement révélateur en ce sens, où un thème journalistique transversal traverse la poésie, la prose et les notes critiques. Qui sont les contremaîtres de l'esprit de Voznesensky ? Ce sont des personnes d'une vocation rare - « activistes sociaux de la culture », « créateurs de créateurs », organisateurs, défenseurs, assistants, dévots, des gens qui se sont réalisés non pas directement dans la créativité, mais dans « l'activité pour le bien de l'art ». Comme Tretiakov, Tsvetaev, Diaghilev. Mais l'auteur n'est pas enclin à diviser rigidement les gens d'art en artistes eux-mêmes et en contremaîtres spirituels, pour ainsi dire, destinés à les servir. Il trouve des traits de « pro-esclavage » chez les poètes, les compositeurs et les réalisateurs. Et plus loin encore, plus large encore : les contremaîtres de l'esprit sont tous ceux qui participent à la création de valeurs soit spirituelles, soit matérielles.
Le poète N. Rubtsov trouve ses idéaux moraux dans le village. La vie mesurée d’un travailleur rural, les soucis quotidiens habituels des gens ordinaires correspondent à l’état d’esprit de Rubtsov. Elle se dissout dans l'immensité de la nature rurale, chante avec sa voix, pleure avec ses larmes. Mais les larmes de Rubtsov ne sont pas « amères », elles sont limpides, parfois légèrement recouvertes d'un voile de légère tristesse. Il s'agit du sketch poétique « Good Filya ». Rubtsov voit la gentillesse des villageois, leur crédulité sans limites. Il se souvient que dans son « Nikola », on ne fermait jamais les portes, remplaçant les serrures par un bâton attaché aux montants des portes. C’est pourquoi le village n’a jamais pardonné le vol », des gens fringants" ont été expulsés à jamais de la communauté. Peut-être que le thème de l'homme et de sa beauté spirituelle s'est manifesté le plus clairement et le plus vivement dans les paroles des poètes bardes, créateurs de la chanson originale - B. Okudzhava, V. Vysotsky, A. Rosenbaum. Leurs paroles sont les plus proches d'une personne, de ses pensées et de ses désirs les plus profonds. Le succès est venu à Okudjava parce qu'il ne s'adresse pas aux masses, mais à l'individu, non à tout le monde, mais à chaque individu. L'essence de la chanson de l'auteur est d'affirmer celle de l'auteur - c'est-à-dire libre, non censuré, indépendant (du grec autos - lui-même) - position de vie, la vision du monde de l'auteur. Avec chacune de ces chansons, l’auteur semble dire : « Ceci est mon cri, ma joie et ma douleur au contact de la réalité. » Le motif central de la poésie d’Okudjava et, en particulier, de ses chansons est le motif de l’espoir, compris et interprété sous plusieurs formes. Concept abstrait« L'espoir » est « humanisé », animé par Okudjava, acquiert des traits visibles, incarnés dans une vraie femme nommée Nadezhda (« Camarade Nadezhda nommée Chernova », « Nadya-Nadya... en salopette, si huilée ») ; en même temps, le nom Nadezhda se généralise poétiquement, acquérant la fonction de symbole.
Les héros paroliers de Vysotsky sont en perpétuel mouvement et en dépassement :
Il n'y a aucune raison de s'arrêter.
Je marche, je glisse.
Et il n'y a pas de tels sommets dans le monde,
Ce que tu ne peux pas prendre.
Les premières chansons de Vysotsky se caractérisent par la manifestation de capacités humaines illimitées, d'amour et d'amitié. Ses héros se précipitent dans les nuages, conquièrent les océans et prennent d’assaut les sommets des montagnes. Une situation extrême est une composante indispensable de la poétique romantique de Vysotsky. La guerre est également romancée par Vysotsky. Le motif principal de ses chansons « militaires » est la glorification des exploits des pilotes, sous-mariniers, officiers de reconnaissance, Corps des Marines. L'alarme de la guerre, comme les cendres de Claes, frappe dans son cœur :
Et quand il gronde, quand il s'épuise et paie,
Et quand nos chevaux en auront marre de galoper sous nous,
Et quand nos filles changent leurs pardessus en robes, -
Je n’oublierais pas alors, je ne pardonnerais pas et je ne perdrais pas !
("Chanson sur les temps nouveaux")
On a longtemps remarqué que les poèmes d'un véritable poète sont bénéfiques lorsqu'ils sont rassemblés.
Imaginons l'impossible. Un auteur inconnu, il y a une vingtaine d’années, a apporté à l’éditeur un poème qui commençait par les vers suivants :
Les tribunes se précipitaient au départ comme un troupeau,
Au centre se trouvent des chevaux enfouis dans la croûte.
Pensez-vous, Vasya, que nous parions sur eux ?
Eux, les juments, parient sur nous.
L'ambulance noire m'a été imposée.
Les pommes une par une - oh mon Dieu...
Il sait flairer une écurie.
Je prends toutes les finitions et la victoire lui appartient.
Le roi pense qu'il règne.
Les gens pensent qu’ils le sont.
La nature et les bosquets misent sur nous.
Et nous - conduisons !..
En général, il sait faire lire et écouter ses poèmes. Vous pouvez, par exemple, appeler le poème « Août », mais avec un tel titre, tout le monde ne le remarquera pas dans une page de journal. Mais appelez-le « Zarev », un mot que personne ne comprend, et l’œil du lecteur le remarquera certainement. Et dans une note de bas de page spéciale, on peut expliquer qu'il s'agit du même « août », seul le nom obsolète provient du calendrier païen. Voulez-vous remettre en question la signification esthétique d’une telle technique ? S'il vous plaît, mais le poète a d'une manière ou d'une autre atteint son objectif : son œuvre a été lue, et l'essentiel, en fin de compte, c'est ce qu'elle a laissé dans votre cœur.
Certains pensent qu'Andrei Voznesensky est un poète rationnel et froid. L'un des critiques expérimentés a même tenté d'expliquer sa popularité par le fait que les lecteurs, disent-ils, aiment résoudre toutes sortes d'énigmes de mots (après tout, une activité intellectuelle !). À mon avis, cette explication est naïve. Certes, parmi les œuvres du poète, il y a des poèmes de températures très différentes et la nature métaphorique polysyllabique de la pensée (ce que S. Narovchatov appelait « la fantaisie débridée ») ne correspond pas toujours à l'échelle des expériences.
Mais pour comprendre son œuvre en détail, commençons par tout dans l’ordre. D’une manière ou d’une autre, Voznesensky ne peut pas se plaindre de l’inattention des critiques. Il semble que, dès ses premiers pas dans la poésie, il ait été étroitement surveillé, encouragé dans ses succès et pris dans ses erreurs, enseigné et encadré, grondé et vanté jusqu'aux cieux. Mais, apparemment, c'est le cas lorsque l'abondance d'articles écrits sur le poète n'indique pas la profondeur de ses études. Après tout, jusqu'à présent, ses poèmes et poèmes les plus significatifs ne reçoivent généralement que des évaluations contradictoires, qui peuvent parfois sembler appartenir à des œuvres différentes. Le poème «Oza» a reçu, par exemple, des critiques directement opposées de S. Rassadin (ils considèrent cette œuvre comme complètement artificielle) et de A. Marchenko (qui lui a consacré un véritable panégyrique critique). Les deux critiques ont été publiées dans les pages de la revue «Questions de littérature», accompagnées d'une courte note d'introduction, dans laquelle les éditeurs ont promis de revenir sur la discussion du poème à l'avenir et d'exprimer leur propre opinion, vraisemblablement plus objective, sur il. Mais cette promesse a probablement été oubliée dans la ruée des autres magazines.
Dans des articles récents sur Voznesensky, des lignes de critiques à la fois apologétiques et négatives sont également préservées. Le meilleur dans cette multitude de documents, à mon avis, reste le petit article de S. Narovchatov « Conversation franche », même s'il lui manquait encore - même si ce n'est qu'un peu - la gentillesse de l'auteur.
Presque tous les polémistes écrivant sur Voznesensky, malgré de nombreuses différences, s'accordent sur au moins une chose : cet artiste est complètement unique et ne ressemble à aucun de ses pairs. Ceci, bien entendu, doit être considéré comme une qualité précieuse si le poète entretient des liens étroits avec la vie spirituelle du peuple, avec les meilleures traditions de la poésie russe. Mais c'est précisément sur ce point que le plus grand nombre d'opinions contradictoires ont été exprimées à propos de Voznessensky. Une description remarquable du style artistique de Voznesensky a été donnée par son collègue littéraire Evtouchenko : « Le monde apparaît dans les poèmes de Voznesensky tel qu'il ne peut être présenté qu'en mouvement rapide - un scintillement flou, un déplacement chaotique. Il est rempli de taches de couleurs vives qui attirent le regard et disparaissent immédiatement, des visages qui sont capturés l’espace d’une seconde comme un projecteur. Cependant, selon Evtouchenko, à de telles vitesses, le poète « n'a pas le temps de ressentir », et il exprime en outre le souhait de ralentir le rythme. Au contraire, un physicien (et des physiciens ont également participé au débat sur Voznesensky) a même attribué au poète le mérite d'avoir prétendument rompu de manière décisive avec les traditions classiques, en démontrant des méthodes purement modernes et à grande vitesse. pensée imaginative. Cependant, malgré la nouveauté de la forme poétique, Voznesensky n'est toujours pas parti de zéro, mais a profité de manière créative des réalisations de poètes plus âgés - Vl. Mayakovsky et N. Aseev, et d'une certaine manière - V. Khlebnikov et M. Tsvetaeva. Et, malgré ses propres déclarations arrogantes (« Nous sommes peu nombreux. Nous sommes peut-être quatre »... etc.), il est uni à sa génération poétique par des liens spirituels forts. A. Urban notait à juste titre dès 1962, en particulier, que «... Tsybin et Voznesensky ont beaucoup de points communs dans leur recherche d'expression artistique». Une autre observation du critique est également vraie : « La prédilection pour certains thèmes, les rythmes majeurs, la panachure et l'émeute des couleurs reflètent des traits de caractère bien connus. héros lyrique. Au fond, cette qualité générale, à quelques exceptions près, est inhérente à toute jeunesse poétique. Il s’agit d’une communauté de poètes d’à peu près la même génération.
Dans les premiers livres de Voznesensky, l'énergie joyeuse bat vraiment son plein. Il admire les brillantes créations de l'art mondial, mais même ici, il n'y a pas d'autorité intouchable pour lui. Il aime les couleurs riches et charnelles, et son amour juvénile de la vie lui dicte le slogan arrogant : « A bas Raphaël ! Vive Rubens ! Il trouve des raisons d'admirer la vie n'importe où. Il dépeint avec délice l'agitation colorée des bazars géorgiens. J'ai vu une scène dans un village sibérien : des femmes, chaudes après un bain, se jetaient nues dans la neige. Et des comparaisons enflammées naissent aussitôt : « Ces épaules, ces dos sont sur place, comme du métal rejeté dans un haut fourneau ! Dans une rue de la ville, j'ai vu un stand de pastèques - une nouvelle joie artistique. La vie est si charmante que même les bandes des casquettes de police n'ont pas l'air menaçantes : elles ressemblent à des tranches de pastèque juteuses. « Nous sommes contre l’obscurité. Nous sommes habitués au pain, qu'il s'agisse d'un samovar de Toula ou d'un TU-104 », explique le poète son sens de la vie. Il est caractéristique que dans ces déclarations joyeuses, incarnant la plénitude de l'être, des images du monde de la science et de la technologie surgissent tout naturellement, elles s'intègrent pleinement dans l'affirmation de vie du poète urbain, leur développement artistique ne présente pour lui aucune difficulté. . Cette caractéristique, dès les premiers pas, distingue les poèmes de Voznessensky des premières paroles de Tsybin et d’autres poètes de la tradition rurale. Cependant, tant dans les élans de patriotisme juvénile que dans la foi optimiste en la vie, les deux artistes nommés suivent des chemins parallèles. Ils ont aussi quelque chose en commun dans leurs thèmes lyriques. Mais c'est peut-être précisément dans des intrigues similaires que les différentes expériences de vie sont particulièrement évidentes et que la composition différente de leurs talents apparaît plus clairement.
Au bazar géorgien, Voznesensky voit avant tout une magnifique combinaison de couleurs. Une foule lumineuse, des dons généreux de la nature - c'est un sujet merveilleux pour un artiste ! « Vive le maître qui les rédigera ! » - s'exclame l'auteur, et le poème sonne comme un hymne général à la créativité, à la beauté et à l'abondance de la vie. Tsybin a une connaissance plus approfondie de la vie populaire et, peignant sa « Foire » colorée d’Asie centrale, il détaille et décrit soigneusement la psychologie des personnages individuels de l’image. Une autre fois, il raconte comment Zarina-Svet Petrovna a été fiancée, il écrit en détail les portraits du vieux marié - le « chef comptable » et le père de la mariée. Pour lui, disons, il n'est pas indifférent à la façon dont ce dernier, en mangeant trop lors d'un mariage, "a essuyé un hareng sur son pantalon". Ici, dans chaque vers, il y a un personnage spécifique et vivant.
Dans les œuvres de Voznesensky, en règle générale, agissent des personnes moins colorées - leurs images se rapprochent des symboles, elles sont des représentants directs de certaines idées. Ce n'est pas une jeune fille stupide qui l'épouse, mais la « jeunesse » elle-même, dépourvue de tout trait caractéristique - l'auteur ne donne qu'un détail touchant et poignant : « … tu trembles, comme si un verre était sur le bord de la table. » Mais ce détail crée l'atmosphère lyrique nécessaire : il suscite la pitié pour la jeunesse absurdement trompée, le dégoût pour l'accord de mariage en cours. Tout ce qui n'a pas d'importance est supprimé du texte, il n'y a pas de demi-teintes et les détails principaux sont inhabituellement agrandis et mis en avant. Le tableau est tout à fait unique, inhabituel - avec la netteté de ses tons de couleurs dominants, ses solutions contrastées, il s'apparente à une affiche, et avec sa spiritualité intense - il s'apparente à une ancienne icône russe. (En général, Voznesensky estime que notre Art ancien. Ce n’est pas pour rien que son idole est Roublev, et un long poème est dédié aux bâtisseurs de la cathédrale Saint-Basile).
Cette manière stylistique a bien sûr ses coûts, mais elle présente aussi des avantages indéniables : une plus grande nudité et une plus grande acuité de la pensée - ce qu'on appelle souvent « l'intellectualisme de la forme » (A. Urban). Vous pouvez accepter ou non ce style, mais il est important de le comprendre correctement et de ne pas exiger de l'artiste ce qu'il a délibérément refusé pour résoudre avec succès d'autres problèmes. Parolier par excellence, il ne sait apparemment pas sculpter de vrais personnages, mais c'est un parolier spécial - exceptionnellement brillant, bruyant. Et même si l’enthousiasme joyeux était l’ambiance prédominante de ses premiers livres, l’intérêt accru du poète pour la lutte entre le bien et le mal, pour les nœuds tragiques de la vie, s’y faisait déjà sentir.
En tant que poète subjectif doté d'une imagination puissante, Voznesensky n'est pas extérieurement très dépendant des impressions de la vie environnante. Comme beaucoup de ses pairs, il s’est penché sur le sujet historique et a commencé à rechercher des « racines » généalogiques. Il ne s’est cependant pas tourné vers le passé immédiat, qui est directement ou indirectement (à travers les légendes familiales) à la portée de l’expérience personnelle. Il a bouleversé l'Antiquité - l'ère de Grozny - et a créé un poème lumineux et enchanteur sur les bâtisseurs de la cathédrale de l'Intercession. Cependant, le poète ne s'est pas donné pour tâche de reproduire l'événement légendaire dans ses détails quotidiens exacts (cette tâche a été brillamment accomplie deux décennies plus tôt par D. Kedrin). Pour le poète, l’histoire n’est qu’un fond spectaculaire sur lequel il déroule le formidable carnaval de son drame conventionnellement généralisé, aiguisant le conflit irréconciliable entre les « artistes de tous âges » et le glamour tyrannique et anti-populaire. Extérieurement, dans sa coloration conventionnelle, l’œuvre de Voznesensky, consacrée à l’Antiquité, s’est révélée extrêmement pertinente avec l’essence d’un conflit moral. Par son ampleur même et son pathos épris de liberté, il s’est avéré être en phase avec notre époque menaçante. Le poème « Le Maître » est fort d’une tragédie intense et d’une affirmation incontestable de la vie. Et bien que le poète plonge ses héros dans l'obscurité, qui est « sans voix, comme un visage sans yeux », bien qu'il parle de la terrible exécution des architectes, les sueurs optimistes prennent toujours le pas sur les sombres dans son poème. Et nous croyons aux promesses du héros lyrique de poursuivre les actes glorieux de nos ancêtres, de réaliser leurs rêves en créant de belles villes du futur.
Par la suite, Voznesensky s'est sensiblement éloigné de son optimisme de jeunesse. Au fil des années, il prit de plus en plus conscience que la douleur, la souffrance et l’injustice n’étaient pas seulement le lot de nos prédécesseurs, tout comme la tyrannie cruelle n’avait pas encore reculé dans le domaine de la légende avec l’époque d’Ivan le Terrible. Dans le même temps, des poèmes sont écrits sur l'antiquité russe, qui présentait également beaucoup de laideur et d'oppression sociale. D'autres œuvres naissent également - sur l'héritage difficile que nous avons reçu du passé, sur cette chose sombre et basse qui n'a pas encore été surmontée, ni surmontée dans notre vie quotidienne. Toute cette dispersion lyrique variée de poèmes est réunie sous un seul « toit » - le poète appelle nouveau livre« Quarante digressions du poème « Poire Triangulaire ».
Il y a sept ans, lors de la parution de ce livre, j’avais écrit un article dans lequel je parlais assez durement de la position civique de l’auteur. Bien entendu, je ne mentionne pas cela dans le but de me repentir d’un péché de longue date. Beaucoup de reproches adressés au poète à cette époque, je pourrais les répéter maintenant, même si avec le temps cela est devenu plus évident pour moi et forces travaux. C'est un livre d'images effrayantes et sombres, parfois fantasmagoriques. Voici les jambes battantes d'une femme battue, « comme des projecteurs blancs », et la tête coupée de la maîtresse royale, « comme un navet aux pointes rouges », et le poète lui-même, coupé en dix-sept morceaux par les objectifs photographiques des espions américains. . L'auteur est trop choqué par les horreurs qu'il voit, est trop pressé de captiver le lecteur avec elles, sans même avoir le temps de bien les comprendre. Où sont passées son énergie indomptable, sa soif de vie apparemment insatiable ? Ils ont été remplacés par des ambiances complètement différentes. Le ton prédominant dans le livre est l'humanité insultée, la mélancolie, le découragement.
Les images effrayantes de « La poire triangulaire » semblent encore plutôt modestes et sobres par rapport à cette fantaisie noire rampante, avec cette série de cauchemars que l'auteur a dévoilés dans ses livres ultérieurs. Dans « Esquisse pour un poème », par exemple, il dessine en détail, jusqu'aux détails naturalistes, le suicide de notre jeune contemporain, l'aimé du héros lyrique. Un monologue perçant lui est mis dans la bouche, mais les motifs du suicide (et, par conséquent, le caractère de l'héroïne !) ne restent pas encore complètement élucidés (par exemple, l'insatisfaction générale face à la vie, le « triangle » fatal de l'amour, probablement un vulnérabilité particulière de l'âme). Est-il une personne honnête ou simplement faible, noble ou capable d'innombrables compromis avec sa conscience ? Il faut le deviner, puisque le poète évite les explications artistiques nécessaires. Que juge-t-il alors nécessaire de dire au lecteur ? En un mot, cela peut s’exprimer ainsi : elle a souffert. Oui, l’héroïne a sans aucun doute profondément souffert - les mots de son monologue sont brûlants d’une véritable douleur - et cela, apparemment, suffit amplement à attirer l’attention exclusive du poète. Et peu importe pour lui la gravité objective des motifs qui ont poussé une femme à renoncer à sa vie (puisqu'elle est morte, cela veut dire qu'ils sont lourds !), tout comme peu importe que le sort d'un Moscovite inconnu ressemble étonnamment au destin tragique d'une star de cinéma étrangère, dont le monologue mourant est placé dans "Quarante Digressions"...". Pendant ce temps, dans « Le Monologue de Marilyn Monroe », le drame du suicide était beaucoup plus significatif et plus clair. C'était tout un drame social. Des remarques brusques et des cris de l'héroïne émerge le sort d'une actrice occidentale à la mode, obligée d'exploiter sa beauté et son talent au profit d'une société dissolue. Son cri désespéré « Insupportable ! », répété à plusieurs reprises dans le poème, reste gravé dans les oreilles du lecteur. La sévérité de l'expérience est ici renforcée par la représentation plastique de scènes difficiles et humiliantes pour l'héroïne. Le poème sonne comme une accusation irrésistible contre le système social qui a conduit l’homme à la mort.
Mais qu'est-ce qui a dévasté et rendu l'héroïne de « Sketch » complètement désillusionnée par la vie ? De vagues allusions selon lesquelles « les innocents sont coupables » ne disent pas grand-chose au lecteur, tout comme le conseil touchant à un être cher d'être « plus attentif » avec le prochain « amant ». Dans le deuxième chapitre, dans le passage qui constitue le « Croquis », est reproduit le cauchemar de la fluidité de toutes choses – un cauchemar endormi montrant le lourd condition mentale héros, mais encore une fois, cela ne clarifie pas la situation tragique elle-même :
Les carrés se transforment en ellipses.
Les têtes de lit nickelées fuient,
comme des pâtes bouillies.
Les barreaux des prisons pendent,
comme des bretzels ou des aiguillettes...
Le poète ne veut pas arrêter à temps cette désintégration générale - c'est un chaos qu'on ne combat pas, un chaos triomphant. Le poète, avec passion et une ingéniosité rare, ajoute de nouveaux détails à l'image. Pour quoi? De toute évidence, l’ensemble du tableau est une métaphore développée de manière cyclopéenne, une incarnation visuelle de la formule tragique : « Tout coule. Tout change. Une chose mène à une autre." C'est ainsi que se transforment dans la conscience du héros déchu les pensées sur l'irréversibilité de l'existence, la fragilité de tout ce qui existe et l'impossibilité de restituer ce qui a été perdu. Cependant, même dans cette image apparemment surréaliste, une étincelle vivante d’humanité scintille et bat tragiquement. Un nouveau cauchemar du héros (ou est-ce l'auteur lui-même ?) - la cage de l'ascenseur s'effondre sur sa tête. Une cellule de douleur est un signal de danger nécessaire à tout organisme vivant. Cependant, cela vaudrait-il la peine de vivre si votre vie entière consistait en une torture sans fin ? Dans « Sick Ballad », le cri « Ça fait mal ! devient pour Voznesensky une devise presque chevaleresque, avec laquelle il va se lancer dans la bataille contre le mal mondial. Si la perte de sensibilité signifie la mort, alors la sensation de douleur signifie déjà la vie. Mais cette vérité vacille dans les poèmes du poète quelque part sur le point de se transformer en son contraire : vivre signifie ressentir continuellement de la douleur, souffrir. Cela a donné une raison à Vl. Turbine appelle Voznesensky l'organisateur du trust poétique Glavbol. Une définition caustique, mais, hélas, on ne peut nier son exactitude !
Il semble que cette caractéristique ait acquis une réfraction particulière en raison de l'intérêt croissant porté aux diverses déformations du monde. S’il dessine un despote, alors il doit certainement être celui qui vous fera froid dans le dos. Avec la tête d'un homme exécuté à la main. ("Les yeux brillent sur le visage comme une moto qui dérape.") S'il dépeint un drame amoureux, alors ce sera certainement quelque chose de douloureux et d'exceptionnel. Un élève de dixième année et un enseignant, un vieux beau-père et une jeune belle-fille. Même... un homme et un arbre. Oui, dans « La Ballade du Pommier », voulant exalter le miracle de la naissance d'une nouvelle vie, le poète a utilisé des images très naturalistes, et cela n'a pas tant humanisé le pommier que fait descendre un homme d'une hauteur. Après tout, c’est surtout selon la lignée biologique qu’un homme (le héros du poème, un jeune pilote) et un pommier, dont le corps est lourd de semence humaine et qui « est enfoui jusqu’à la taille, crie et appelle au secours ». avion au départ », rassemblez-vous.
Mais, bien sûr, ce ne sont pas de telles erreurs qui déterminent l’essentiel de la poésie complexe de Voznesensky, sinon peu de gens l’aimeraient et la connaîtraient dans notre pays. L'éclat extraordinaire, parfois criard, de ses couleurs le plus souvent, bien entendu, ne gêne pas, mais au contraire, contribue à l'expressivité lyrique des images. Le poète s'efforce à tout prix d'attirer le lecteur vers les principaux points douloureux de l'époque, de montrer la multiplicité des souffrances humaines dans le monde d'aujourd'hui et de contribuer ainsi à leur élimination. Il ne parle pas en vers - il crie dans un énorme mégaphone, il ne montre pas de dessins ni de peintures, mais d'immenses panneaux d'affiches. Tel un naufragé, il allume un grand feu sur le rivage et court au bord de la mer en agitant les bras : enfin, remarquez ! Note! « SOS ! » « SOS ! » Et il faut lui rendre justice : cette position a tous les avantages sur la poésie des truismes et une prospérité sans nuages. Cependant, il ne s'agit pas seulement de signaler (multiplier) les déformations existantes, mais aussi d'obliger une personne à les combattre, à mobiliser sa volonté. Et en cela, le poète s'avère souvent faible ou s'appuie trop sur l'équipement spirituel du lecteur.
Pour comprendre les tâches qu'Andrei Voznesensky pose à l'art, ses réflexions dans « Dialogue de Jerry, poète de San Francisco » sont typiques. Ce poème semble un peu long (il est entièrement construit sur des questions et des réponses - avec une séquence logique nue), mais il se termine par un quatrain fort et énergique, exprimant évidemment le credo créatif de l'auteur :
Non inclus dans les réponses
destins et larmes.
Il y a du vrai dans la question.
Poètes - questions.
Le privilège indéniable de l’art véritable est de poser à ses contemporains les questions les plus pressantes de la réalité. Cependant, considérer les tâches de la poésie uniquement là est aussi unilatéral et étroit que d'assimiler la vie à la sensation de douleur.
Voznesensky, bien sûr, n’écrit pas sur un poète soviétique, mais en Occident, la pensée esthétique progressiste est arrivée depuis longtemps à la conclusion que « … l’art a été inventé et créé précisément pour aider à démêler ce qui est confus… » Mots cités appartiennent d'ailleurs à la célèbre Sainte-Beuve - le monde les entendait il y a exactement cent trente ans. « On peut accumuler, contre son gré, de nombreuses observations, condensées à la concentration d'un poison », écrit l'essayiste français, « mais pour obtenir des peintures adaptées à l'art, il faut les diluer et les dissoudre. Ce sont ces couleurs qu’il faut présenter au public, mais gardez le poison pour vous. Votre vision du monde est peut-être sombre et meurtrière, mais l’art ne devrait jamais être ainsi. Bien sûr, nous ne sommes pas obligés de suivre chaque tournure de la pensée de Sainte-Beuve, mais nous ne pouvons nous empêcher de partager le pathétique humaniste de sa pensée sur l’art. Contemporains du tragique et beau XXe siècle, héritiers de Pouchkine et de Belinsky, nous n'accepterons bien sûr pas non plus que la poésie veuille parfois renoncer à son rang civil de professeur de vie. Cependant, apparemment, Voznesensky lui-même a ressenti l'insuffisance morale de sa formule artistique, c'est pourquoi il s'est protégé des critiques avec la figure de l'Américain Jerry.
J’ai envie de comprendre objectivement la poésie talentueuse et puissante de Voznesensky, en discutant avec lui plus qu’en notant ses réalisations incontestables. Pourquoi est-ce? Pourquoi en général, qu'ils l'aiment ou non, qu'ils s'interrogent sur lui, se disputent-ils constamment avec lui ? Peut-être que l'originalité de sa poétique nous fait voir à la fois ses avantages et ses inconvénients comme à travers une forte loupe - ils sont saisissants et deviennent donc un motif de discussions animées ? À la vive expressivité des images visuelles, il faut ajouter l'organisation musicale et rythmique extrêmement complexe des poèmes, riche en associations sonores ; Rappelons par exemple un moyen aussi favori que la mise en avant d'un concept phare, un mot, comme leitmotiv musical de l'œuvre : « Je veux du silence, du silence... J'ai les nerfs brûlés ou quoi ? Silence... pour que l'ombre du pin, nous chatouillant, se déplace, nous rafraîchisse comme une farce, le long du dos, jusqu'au petit orteil du pied, silence..."
La sophistication de l’oreille poétique de Voznesensky se manifeste également dans sa capacité à se heurter et à rassembler des mots de sens très différents, s’ils ont un son similaire, tandis que l’auteur en extrait les effets artistiques les plus inattendus.
Porte-étendard de la douleur et intercesseur de tous ceux qui souffrent, Voznesensky manifeste un vif intérêt pour ceux qui sont les coupables des troubles humains, pour les divers porteurs du mal. Le héros négatif a été défini dans ses paroles il y a longtemps, dès les premiers livres. Nous ne parlons pas de personnages négatifs en général (il y en avait pas mal dans les poèmes de Voznesensky au fil des années : c'est un salaud qui bat une femme, et une « belle-fille » criminelle qui a envoyé son propre fils à Kolyma , et la femme d'un général dissolue, et son ami-chauffeur cynique, et toutes sortes d'autres monstres). Nous parlons du principal ennemi - l'antipode moral du héros lyrique. Il me semble qu’un tel adversaire est apparu pour la première fois dans le poème de Voznesensky « L’invité au feu ». C'est, en général, un petit homme pathétique, semblable à cette « limace » bourgeoise qui inspire une haine inépuisable à Vladimir Sokolov. Cependant, il a quelques caractéristiques distinctives, propre à lui. Non seulement il est vêtu d’un costume moderne et a adopté des manières extérieurement intelligentes, mais il sait imiter une vie spirituelle intense. Il n'est même pas stupide, il lit des brochures populaires et utilise une terminologie scientifique. Cependant, il n'a besoin des sommets de la connaissance que pour draper de manière plus pittoresque son vide moral. Et bien que son discours sonne comme une auto-condamnation - "Je suis une racaille!", il ne s'agit que d'un outil rhétorique, finalement conçu pour susciter la sympathie. Après tout, selon sa logique, la race humaine tout entière est constituée de « racailles » similaires. D’ailleurs, il parle volontiers au nom de la génération, tente de caractériser son époque (« l’ère de la désintégration atomique ») et revendique une certaine philosophie.
Il n’y a rien de tel dans les paroles des pairs de Voznesensky. Tsybinsky Senka mène une existence irréfléchie, semblable à celle d'une amibe, et en est très satisfait. « La vie de Kalym » et des victoires faciles sur les filles du village, et il est plutôt content. La « limace insouciante » Vl. n'était pas loin de lui. Sokolov, grandi dans sa propre maison avec des ficus et embourbé dans la thésaurisation. Extérieurement, le héros de Voznesensky diffère fortement de ses homologues littéraires. Il semble déprimé par le déclin des mœurs, il semble être en deuil dans son âme - mais que doit-il faire, disent-ils ? "C'est la vie"!.. Et il justifie volontiers la malpropreté morale, prend le point de vue d'un salaud convaincu - se moque de tout ce qui est pur et sublime :
Nous sommes une génération supplémentaire.
Nous sommes des masques sans visage.
En amour on connaît les soutiens-gorge et jamais les cœurs.
Les femmes vieillissantes nous ont appris l'amour,
D'où l'amertume du fiel et le vide du sang.
À l'ère des isotopes.
Réacteurs, plastiques Moi, un homme, je suis piétiné,
Je suis une ordure. Et tu parles de Mars...
Ainsi, la prédication d’un cynisme éhonté est écrite avec force et énergie. Peut-être qu'aucun des rebuts dénoncés par d'autres poètes n'a encore présenté un programme de vulgarité aussi ouvert, avec sa justification « théorique » détaillée. Devant nous, bien sûr, il n'y a pas Senka aux oreilles pop ni le snob raffiné Sokolov, mais, pour ainsi dire, un « bâtard » par vocation et par conviction. Certes, le poète a également fait de lui un témoin de Jéhovah, c’est-à-dire un ennemi politique. Cependant, il était possible de ne pas graver une marque supplémentaire sur le front du héros : le visage de l'idée hostile était déjà assez clairement défini. Et même si l'héroïne positive du poème - une certaine Lyalka - se comporte de manière assez hystérique, même si elle ne peut contrer les effusions d'une personne vulgaire que par des gifles fébriles (puis fondre en larmes), Voznessensky néanmoins a réussi l'essentiel - capturer avec précision la façon de penser d'un cynique moderne, saisir les traits caractéristiques de sa démagogie. Ce poète, comme peu de ses pairs, est déjà en petite jeunesse savait reconnaître l'activité d'un intellect hostile et montrer une philosophie de vie étrangère. À l'avenir, les idées délirantes des témoins de Jéhovah trouveront une réponse à la fois dans le croassement inquiétant du corbeau du poème « Uzzah » et dans le raisonnement d'un certain expérimentateur (du même endroit), représentant une étape supplémentaire de déclin moral. Désormais, il ne s’agit plus d’une personne spécifique, mais simplement d’une idée personnifiée. On ne voit même pas son apparence. Mais la vague démagogie des Témoins de Jéhovah a acquis une apparence tout à fait scientifique, et ses maximes sonnent presque aphoristiques : « A quoi sert la poésie ? Il y aura des robots. Le psychisme est une combinaison d'acides aminés »... C'est ainsi qu'un intellectuel barbare, armé le dernier mot Les sciences. "J'ai une idée! Si vous coupez le globe le long de l'équateur... Certes, la moitié de l'humanité mourra, mais la seconde goûtera à la joie de l'expérience. Qui est-ce? Un schizophrène maléfique qui a atteint un pouvoir sans précédent ? Son chiffre est fantastique, mais le XXe siècle n’a-t-il pas fourni de nombreux exemples de maniaques enragés à la tête des États ?
Le poète intensifie les couleurs menaçantes, l’obscurité de son poème s’épaissit, le chaos éclate : « Les pages de l’histoire ont été mélangées comme les cartes d’un jeu, la révolution industrielle a été suivie par l’invasion de Batu. » Mais ce chaos est socialement significatif, artistiquement déterminé : après tout, en substance, la même idée est exprimée ici que dans le poème de Vinokurov, qui rappelait que les cendres d'Auschwitz sont apparues dans le monde bien plus tard que les assurances des Jacobins selon lesquelles « l'époque du mal dans le monde est terminé. Les poèmes des deux poètes sont dirigés contre la négligence, fermant les yeux sur le danger réel, seul Voznesensky écrit dans sa veine excentrique et fantastique caractéristique. Après tout, la principale horreur, à son avis, est que "personne n'a remarqué cela", que tout s'est déroulé comme d'habitude - "les gens ont continué à marcher dans une chaîne déterminée", c'est-à-dire qu'ils sont restés indifférents au remaniement catastrophique de l'histoire.
L'histoire des horreurs apocalyptiques et de la sinistre figure de l'expérimentateur ne constitue qu'une petite partie du poème "Uzza", et elle est vaguement liée à d'autres chapitres. D'ailleurs, Voznesensky, qui aime généralement souligner dans les titres de ses œuvres leur incomplétude et leur caractère sommaire (« Esquisse pour un poème », « Quarante digressions d'un poème », « Lamentation pour deux poèmes à naître », etc.), a fait n'hésitez pas ici à définir le genre. Cependant, un poème (même moderne), de notre point de vue, reste une sorte d'ensemble narratif, et non des particuliers isolés, quoique brillants. Et si l'on reconnaît « Ozu » comme un poème, force est de constater qu'il est désordonné, étiré, que certains liens intrigue lyrique(nécessaire au cours de l'histoire), on ne sait pas pourquoi ils en sont tombés, et d'autres ont de nombreuses variantes facultatives. En bref, dans une évaluation générale d’« Oza », il faudrait être d’accord avec Narovchatov : « Cela ressemble vraiment à un puzzle littéraire, que même les écrivains professionnels ont besoin de beaucoup d’efforts pour déchiffrer. » Mais si l'on perçoit « Ozu » comme un livre de poèmes lyriques, loin d'être d'égale force et pas aussi complets (il existe encore de nombreux « croquis »), il est sans aucun doute intéressant et significatif, et certains poèmes atteignent une magnifique acuité de pensée. Mais si oui, est-ce dans le nom ?
Le poète est cohérent. Ce qu’il déteste et nie chez les autres l’inspire à se haïr lui-même. Ce sang-froid moral, ce sens de la justice sans compromis finalement triomphant sont agréables - ils sont considérés comme la clé du mouvement créatif ultérieur de l'auteur d'« Oza »... Mais il semble que j'ai déjà exprimé presque tout ce qui m'a poussé à prendre cet article, et il est temps de résumer certains résultats (je n'ai cependant délibérément pas évoqué ici les efforts récents de Voznesensky pour créer des poèmes expérimentaux « pour les yeux seulement » par opposition à la « poésie du lecteur » - vaut-il la peine d'examiner sérieusement ce que l’auteur lui-même est enclin à considérer des « blagues ordinaires » ?).
Quand j'essaie de déterminer pourquoi la poésie de Voznesensky est proche de moi, pourquoi je l'aime, malgré de nombreux désaccords avec l'auteur, l'image d'un jeune scientifique me vient invariablement à l'esprit, non, pas un physicien, mais plutôt un biologiste travaillant avec le plus grand nombre. variétés dangereuses de poisons bactériologiques. Il teste de manière désintéressée les effets de différents vaccins sur lui-même : n’est-il pas étonnant qu’il soit lui-même parfois infecté par les maladies contre lesquelles il lutte ? Comme le destin l’a voulu, Andrei Voznesensky s’est avéré être l’un des plus talentueux dénonciateurs de l’idéologie de l’anti-monde capitaliste dans notre poésie civique. Mais par sa personnalité et son talent, il est loin de Juvénal. Absorbant par les paroles les contradictions et les dissonances criantes de l'ère nucléaire, le poète les vit comme les vicissitudes d'un « drame mondial menaçant » (Ya. Smelyakov), mais n'en ressent pas toujours avec précision les accents de classe. Dans une douloureuse recherche de la vérité (et le poète lyrique est obligé de souffrir personnellement du sort et des larmes des autres).
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"Poésie des variétés". Ce terme désigne généralement un phénomène historiquement spécifique dans l'histoire de la littérature russe, lorsqu'au tournant des années 1950-1960, plusieurs poètes (principalement Bella Akhmadulina, Andrei Voznesensky, Evgeny Yevtushenko, Bulat Okudzhava, Robert Rozhdestvensky) ont commencé à lire leurs poèmes à l'École polytechnique. Musée, au Palais des Sports de Loujniki et dans d'autres salles conçues pour des centaines et des milliers d'auditeurs. Cette pratique, même à l'ère pré-télévisuelle, d'une part, en a fait des stars littéraires incontestées, et d'autre part, a affecté directement le caractère des poèmes « pop » eux-mêmes, stimulant l'inclination de ces poètes (et de leurs disciples) vers une communication accrue, forcée images vives, pathétique confessionnel et prêchant, aphorisme et journalisme, gestes oratoires spectaculaires. La voix et le comportement du poète, son image, la légende qui entoure son image font partie intégrante et organique de message lyrique, faciliter son assimilation par le public d’auditeurs le plus large possible.
Dans l'œuvre des poètes « pop », le pathos de la « mémoire » esthétique, la restauration, est devenu un puissant facteur artistique, car il y avait un fort sentiment de rupture dans la tradition, de perte de mémoire culturelle. Des tendances néomodernistes se sont développées : « tout soixantisme libéral est essentiellement du néomodernisme » (Kulakov V., 1999, p. 70). Pour certains d'entre eux, les contacts directs et indirects avec les classiques de « l'âge d'argent » étaient importants (l'apprentissage de A. Voznesensky auprès de B. Pasternak, le culte de A. Akhmatova et M. Tsvetaeva dans la poésie de B. Akhmadulina) . Les « paroles bruyantes » ont hérité des traditions du futurisme russe et de la poésie soviétique post-futuriste des années 20. avec son pathétique de la romance du Komsomol, se concentrant principalement sur le constructivisme et sur feu V. Mayakovsky, dont elle a reçu les impulsions créatives les plus fortes, adoptant sa citoyenneté, donnant au personnel le sens de l'universel et expérimentant le général comme personnel. La « nudité » des sentiments, la stricte véracité de l'image, l'intrépidité de la vision dans les vers des « chanteurs de variétés » font référence à leurs prédécesseurs immédiats - les poètes de la génération de première ligne.
Un des plus traits caractéristiques poésie des années 50-60. des polémiques, un pathétique militant et une activité sociale sont apparus. Il y avait ici une discussion continue sur les questions les plus urgentes de notre époque. Dans le même temps, les « années soixante » « ont traversé » le sort des individus, la vie du pays et les événements mondiaux, résonnant avec eux avec une émotion extrêmement émotionnelle, avec une spontanéité vivante.
Le leader incontestable de la « poésie pop » était Eugène Evtouchenko. Malgré tous les reproches (pour la plupart justes) qui ont été entendus à l'époque et par la suite pour un didactisme et une rhétorique excessifs, le faible niveau artistique de nombreuses œuvres lyriques, son œuvre est importante pour la compréhension vie littéraire ces années-là, puisqu’il incarnait tous les avantages et inconvénients idéologiques et esthétiques du mouvement du « dégel » et du mouvement poétique qui en devint partie intégrante.
Comme le poète E.A. Evtouchenko est né de la situation sociale du milieu des années 50. Le stimulant le plus puissant pour le développement de sa pensée artistique a été le pathétique journalistique et sociopolitique dominant dans la littérature. Peu à peu, le poète s'est retrouvé au centre de l'attention des lecteurs grâce à son talent, son tempérament civique et sa capacité à toucher une corde sensible. Sa poésie perpétue les traditions des classiques russes du XIXe siècle. (A.S. Pouchkine, M.Yu. Lermontov, le rôle de N.A. Nekrasov est particulièrement important) et la poésie moderniste au tournant des XIXe-XXe siècles : « On sait comment Yesenin, Mayakovsky, Pasternak se disputaient entre eux. Je voudrais les réconcilier en moi-même... » (Evtushenko E.A., 1989, p. 256)
Les AA Voznesensky est le poète du siècle de la révolution scientifique et technologique et de la crise la plus grave de l'humanisme. Cet état s’exprime avant tout à travers la poétique des tropes. Les métaphores sont particulièrement caractéristiques à cet égard, puisque l'auteur comprend la métaphore « non pas comme une médaille pour l'art, mais comme un mini-monde du poète ». Dans la métaphore de chaque artiste majeur se trouve la graine, les gènes de sa poésie » (Voznesensky A.A., 1998, p. 76). Dans le domaine associatif des métaphores des premiers AA. Voznesensky est entraîné dans les dernières idées et concepts nés de l'ère de la révolution scientifique et technologique et de la modernité : fusées, aéroports, anti-mondes, plastiques, isotopes, beatniks, rock and roll, etc. Aux côtés des signes de la révolution scientifique et technologique se trouvent des images de l’Antiquité russe, de grandes réalisations artistiques et des échos d’événements mondiaux.
Construire une métaphore, A.A. Voznesensky rassemble souvent de manière inattendue des concepts incommensurables les uns avec les autres : « Mon autoportrait, une réplique au néon, un apôtre // de la porte céleste - / de l'aéroport ! (« Aéroport de nuit à New York », Voznesensky A.A., 2000, vol. 1, p. 75). Sa poésie joue avec les échos sémantiques des sons. Cette attitude envers l'expérimentation formelle exprime la perception de soi du héros lyrique - une personne assoiffée de nouvelles impressions et à la recherche de nouveaux idéaux de vie. Sa pensée est cosmopolite, sa vision est panoramique, il se caractérise par des mouvements dans le temps et dans l'espace : Moscou et la Californie, l'aéroport de New York et les étoiles au-dessus de Mikhaïlovski.
Poésie des AA Voznesensky est extrêmement personnel. Ici, tout se résume finalement au « je » et tout en sort. L'expansion lyrique des A.A. Voznesensky est enclin à la personnification expressive, dont la diffusion dans la poésie de la seconde moitié du XXe siècle. il a donné le ton avec son célèbre « Je suis Goya ! (« Goya », ibid., p. 15). Le poète perçoit les troubles et les joies du pays et du monde entier comme les siens et appelle à une transformation révolutionnaire de la vie.
Une propriété caractéristique de la poésie de Rozhdestvensky est sa modernité constamment palpitante, la pertinence vivante des questions qu’il se pose et qu’il nous pose. Ces questions concernent tellement de personnes qu’elles trouvent instantanément un écho dans des milieux très variés. Si nous arrangeons les poèmes et les poèmes de Rozhdestvensky dans ordre chronologique, alors nous pouvons être sûrs que la confession lyrique du poète reflète certains traits essentiels caractéristiques de notre vie sociale, son mouvement, sa maturité, ses gains et ses pertes spirituelles.
Peu à peu, le dépassement externe des difficultés, tout l'environnement géographique de la littérature jeunesse de cette époque, est remplacé par une autre ambiance - la recherche de l'intégrité interne, d'un solide soutien moral et civique. Le journalisme fait irruption dans les poèmes de Rojdestvenski, et avec lui le souvenir indéfectible de son enfance pendant la guerre : c'est là que l'histoire et la personnalité se sont pour la première fois rencontrées de manière dramatique, déterminant en grande partie le destin et le caractère futurs du héros lyrique.
Dans les poèmes du poète sur l'enfance, il y a une biographie d'une génération entière, son destin, qui a été déterminé de manière décisive au milieu des années 1950, époque de graves changements sociaux dans la vie soviétique.
Occupe une grande place dans l'œuvre de Robert Rozhdestvensky paroles d'amour. Son héros est ici intact, comme dans d’autres manifestations de son caractère. Cela ne veut pas du tout dire qu'en entrant dans la zone du ressenti, il ne fait pas l'expérience de contradictions et de conflits dramatiques. Au contraire, tous les poèmes d’amour de Rojdestvenski sont remplis de battements de cœur anxieux. Le chemin vers sa bien-aimée est toujours un chemin difficile pour un poète ; c'est, par essence, la recherche du sens de la vie, du seul et unique bonheur, du chemin vers soi.
Abordant des thèmes poétiques actuels (la lutte pour la paix, le dépassement de l'injustice sociale et de l'inimitié nationale, les leçons de la Seconde Guerre mondiale), les problèmes de l'exploration spatiale, la beauté des relations humaines, les obligations morales et éthiques, les difficultés et les joies. Vie courante, impressions étrangères, Rozhdestvensky, avec sa lettre de « combat » énergique et pathétique, a agi en successeur des traditions de V.V. Mayakovsky.
Question 29.
Un phénomène important dans la littérature des années soixante-dix était le courant artistique appelé « lyrisme tranquille ». Les « paroles douces » sont apparues sur la scène littéraire dans la seconde moitié des années 1960 comme contrepoids à la poésie « bruyante » des « années soixante ». En ce sens, cette tendance est directement liée à la crise du « dégel », devenue évidente après 1964. "Silent Lyrics" est représenté principalement par des poètes tels que Nikolai Rubtsov, Vladimir Sokolov, Anatoly Zhigulin, Anatoly Prasolov, Stanislav Kunyaev, Nikolai Tryapkin, Anatoly Peredreev, Sergei Drofenko. Les « paroliers tranquilles » sont très différents dans la nature de leurs individus créateurs, leurs positions sociales ne coïncident pas en tout, mais ils sont rapprochés avant tout par leur orientation vers un certain système de coordonnées morales et esthétiques.
Ils opposaient le journalisme des « années 60 » à l’élégance et les rêves de renouveau social à l’idée d’un retour aux sources. culture populaire, renouveau moral-religieux, plutôt que socio-politique, la tradition de Maïakovski - ils préféraient la tradition de Yesenin (une opposition binaire aussi restrictive que « Maïakovski-Yesenin » était généralement caractéristique des prédilections « dégel » : des divisions similaires concernaient Akhmatova et Tsvetaeva , Yevtushenko et Voznesensky, physiciens et paroliers, etc.) ; Les « paroliers tranquilles » opposaient les images du progrès, de la révolution scientifique et technologique, de la nouveauté et de l'occidentalisme aux emblèmes traditionnels de la Russie, aux images légendaires et épiques, aux attributs de l'Église chrétienne, etc. Ils préféraient les vers résolument « simples » et traditionnels aux expérimentations dans le domaine de la poétique et des gestes rhétoriques spectaculaires. Ce tournant en lui-même témoignait de la profonde déception face aux espoirs suscités par le « dégel ». Dans le même temps, les idéaux et la structure émotionnelle des « paroles tranquilles » étaient beaucoup plus conformes à la « stagnation » imminente qu'au « romantisme révolutionnaire » des années soixante. Premièrement, dans les « paroles calmes », les conflits sociaux semblaient introvertis, perdant leur urgence politique et leur ferveur journalistique. Deuxièmement, le pathos général du conservatisme, c’est-à-dire la préservation et la renaissance, était plus cohérent avec la « stagnation » que les rêves de renouveau, de révolution de l’esprit des années soixante. En général, le « lyrisme tranquille » semblait mettre entre parenthèses une catégorie aussi importante pour le « dégel » que la catégorie de la liberté, en la remplaçant par la catégorie beaucoup plus équilibrée de la tradition. Bien sûr, dans la « poésie lyrique tranquille », il y avait un sérieux défi à l'idéologie officielle : par tradition, les « paroliers tranquilles » et les « gens du village » qui leur étaient proches ne comprenaient pas les traditions révolutionnaires, mais, au contraire, les traditions morales et religieuses du peuple russe détruites par la révolution socialiste.
Le rôle du leader des « paroles tranquilles » revient à Nikolai Rubtsov (1936-1971), décédé prématurément. Aujourd’hui, les appréciations de Rubtsov se regroupent autour de deux extrêmes : « un grand poète national », d’une part, et « un poète inventé », « le pseudo-paysan Smerdiakov », de l’autre. Il serait bien sûr injuste de déclarer Rubtsov simplement un épigone monotone de Yesenin, élevé au rang de génie grâce aux efforts des critiques. Dans le même temps, même les fervents admirateurs de Rubtsov, parlant de sa poésie, s'éloignent invariablement de l'analyse sérieuse vers une dimension purement émotionnelle : « L'image et le mot jouent une sorte de rôle auxiliaire dans la poésie de Rubtsov, ils servent quelque chose de tiers qui surgit de leur interaction" ( V. Kozhinov), "Rubtsov semble utiliser délibérément des définitions inexactes... Qu'est-ce que c'est ? Une négligence linguistique ? Ou est-ce une recherche d'un sens authentique correspondant à la situation du verset, la libération d'une âme vivante des entraves grammaticales et lexicales ? (N. Konyaev). Contrairement aux « poètes des années soixante », Rubtsov ignore complètement les traditions de la poésie moderniste. Il libère presque complètement ses poèmes des métaphores complexes, déplaçant l'accent principal sur l'intonation mélodieuse, atteignant parfois des notes aiguës et perçantes. Sa poésie est devenue un argument puissant en faveur du traditionalisme (par opposition à l’expérimentation et à la nouveauté). Rubtsov lui-même a écrit, non sans défi :
je ne réécrirai pas
Extrait du livre de Tioutchev et Fet,
Je vais même arrêter d'écouter
Les mêmes Tioutchev et Fet.
Et je ne l'inventerai pas
Pour vous un Rubtsov spécial,
Je vais arrêter de croire pour ça
Le même Rubtsov.
Mais je suis chez Tioutchev et Fet
Je vais vérifier mot sincère,
Pour que le livre de Tioutchev et Fet
Continuez avec le livre de Rubtsov.
De plus, il est intéressant de noter que la tradition dans laquelle Rubtsov a « construit » son œuvre, combinant des chansons folkloriques (Rubtsov interprétait souvent ses poèmes avec une guitare ou un accordéon), la poésie de Tioutchev, Fet, Polonsky, Blok et, bien sûr, Yesenin, semblait très sélectif. Cette série est constamment répétée dans des articles et des mémoires sur Rubtsov. Dans « l'ensemble » même des lignes directrices, il y avait un défi : les philosophes naturels Tioutchev et Fet montent à la bannière contrairement au « social » officiellement verni Nekrasov, au « mystique » Blok et au « décennal » Yesenin - contrairement au officiel « poète du socialisme » Maïakovski.
Mais ici, il manque encore un lien, peut-être le plus significatif : entre Blok et Yesenin, il y avait la soi-disant « nouvelle poésie paysanne », représentée principalement par Nikolai Klyuev et Sergei Klychkov : le « lyrisme tranquille » en général et Rubtsov en particulier se lient précisément à cette tendance brisée, reprenant des mains des « nouveaux poètes paysans » des qualités telles que le culte religieux de la nature, l'image de la cabane paysanne comme modèle du monde, la répulsion polémique de la culture urbaine, un vif intérêt pour la fée -couche de culture conte, légendaire et folklorique.
À notre avis, l’importance de la poésie de Rubtsov doit être appréciée à l’échelle du changement de paradigmes culturels survenu au tournant des années 1960 et 1970. Dans ses poèmes pas toujours parfaits, mais émotionnellement très convaincants, Rubtsov a été le premier, non pas intellectuellement, mais de manière suggestive, à tracer les contours d'un nouveau mythe culturel, au sein duquel à la fois le « lyrisme tranquille » et la « prose villageoise » et toute l'idéologie pochvenniki des années 1970-1980.
Question 30.
La prose villageoise est un courant de la littérature russe des années 1960-1980, qui comprend le sort dramatique de la paysannerie, le village russe du XXe siècle, marqué par une attention accrue aux questions de moralité, à la relation entre l'homme et la nature. Bien que œuvres individuelles a commencé à apparaître dès le début des années 1950 (essais de Valentin Ovechkin, Alexander Yashin, etc.), ce n'est qu'au milieu des années 1960 que la « prose villageoise » a atteint un niveau artistique tel qu'elle a pris forme dans une direction particulière (l'histoire de Soljenitsyne « Matryonin" était d'une grande importance pour ce chantier"). C’est alors que le terme lui-même est apparu. Les plus grands représentants, « patriarches » du mouvement sont considérés comme F.A. Abramov, V.I. Belov, V.G. Raspoutine. L'écrivain et réalisateur V.M. Shukshin était un représentant brillant et original de la « prose villageoise » de la jeune génération. En outre, la prose villageoise est représentée par les œuvres de V. Lipatov, V. Astafiev, E. Nosov, B. Mozhaev, V. Lichutin et d'autres auteurs. Créée à une époque où le pays devenait majoritairement urbain et où le mode de vie paysan qui s'était développé au fil des siècles tombait dans l'oubli, la prose rurale est imprégnée de motifs d'adieu, " date limite", "dernier arc", la destruction d'une maison rurale, ainsi que le désir de valeurs morales perdues, d'une vie patriarcale ordonnée, d'unité avec la nature. La plupart des auteurs de livres sur le village en sont originaires, intellectuels du premier génération : dans leur prose se comprend la vie des habitants des zones rurales. D'où le lyrisme du récit, le « parti pris » et même une certaine idéalisation de l'histoire sur le sort du village russe.
Un peu plus tôt que la poésie des « années soixante », la plus puissante en termes problématiques et esthétiques a émergé dans la littérature russe. direction littéraire, appelée prose villageoise. Cette définition est associée à plus d'un sujet de représentation de la vie dans les histoires et les romans des écrivains correspondants. La principale source de ces caractéristiques terminologiques est un regard sur le monde objectif et sur tous les événements actuels d’un point de vue rural et paysan, comme on dit le plus souvent, « de l’intérieur ».
Cette littérature était fondamentalement différente des nombreux récits en prose et poétiques sur la vie villageoise apparus après la fin de la guerre en 1945 et censés montrer le processus rapide de restauration de l'ensemble du mode de vie - économique et moral dans l'après-guerre. village. Le principal critère de cette littérature, qui recevait généralement de grands éloges officiels, était la capacité de l’artiste à montrer le rôle transformateur social et professionnel du leader et du cultivateur ordinaire. La prose villageoise, au sens désormais établi, était proche du pathos des « années soixante » avec leur apologie d'une personnalité valorisée et autosuffisante. Dans le même temps, cette littérature a abandonné la moindre tentative de vernissage de la vie représentée, présentant la véritable tragédie de la paysannerie domestique au milieu du XXe siècle.
Une telle prose, et ce n'était que de la prose, a été présentée par des artistes très talentueux et des penseurs énergiques et audacieux. Chronologiquement, le premier nom ici devrait être celui de F. Abramov, qui a parlé dans ses romans de la résilience et du drame de la paysannerie d'Arkhangelsk. La vie paysanne est présentée de manière moins aiguë socialement, mais esthétiquement et artistiquement, encore plus expressivement dans les romans et les nouvelles de Y. Kazakov et V. Soloukhin. Ils contenaient des échos du grand pathétique de compassion et d'amour, d'admiration et de gratitude qu'on entendait en Russie depuis le XVIIIe siècle, depuis l'époque de N. Karamzine, dans l'histoire de qui " Pauvre Lisa« Le leitmotiv moral, ce sont ces mots : « même les paysannes savent aimer ».
Dans les années 60, le pathétique noble et moral de ces écrivains s'est enrichi d'une acuité sociale sans précédent. Dans le récit « Sur l'Irtych » de S. Zalygin, le paysan Stepan Chauzov est glorifié, qui s'est avéré capable d'un exploit moral inouï à l'époque : il a défendu la famille d'un paysan accusé d'hostilité envers Pouvoir soviétique et envoyé en exil par elle. Les livres les plus célèbres de prose villageoise sont apparus dans la littérature russe avec le grand pathétique de l'expiation de la culpabilité de l'intelligentsia devant le paysan. Il est peu probable qu’une autre littérature nationale possède une telle constellation de créations.
Question 31.
Sans aucun doute, V.M. Shukshin est un maître dans le genre des nouvelles. Cet écrivain peut être considéré comme un continuateur des traditions de la littérature russe classique. Shukshin considérait que le but principal de la vie humaine était le désir d'aider les autres.
Une caractéristique du travail de l’écrivain peut à juste titre être considérée comme le désir de révéler l’essence de ses personnages dans les moments les plus difficiles de leur vie. Les images créées par Shukshin incarnent les idéaux de l’homme russe ordinaire. Toute œuvre, selon l’écrivain, doit « faire naître dans son âme un joyeux sentiment d’aspiration après la vie ou avec la vie ensemble ».
Une caractéristique frappante de l’œuvre de Shukshin est son dynamisme et l’évolution rapide de ses peintures, qui contribuent à une meilleure compréhension de la situation actuelle. Les héros de ses histoires sont des gens ordinaires vivre comme leur monde intérieur le leur dit.
Mais Shukshin ne résume pas toujours lui-même les résultats. Le plus souvent, le lecteur lui-même doit comprendre et comprendre de quoi parle l'auteur et ce qu'il considère comme le plus important dans une situation donnée.
Pour révéler les personnages de ses héros, Vasily Shukshin recourt entre autres à l'humour et aux moments comiques.
Ainsi, l’attitude des lecteurs envers les héros de Shukshin se forme en grande partie grâce à des situations comiques qui révèlent pleinement les personnages. De plus, ils montrent les personnages tels qu’ils sont dans la réalité.
Très souvent dans les œuvres de V. Shukshin, les notes joyeuses se mêlent à la tristesse et à une sorte de mélancolie dévorante. Ainsi, dans l'histoire "Dumas" personnage principal, écoutant les sons d'un accordéon dans la rue presque tous les soirs, il se souvient de sa jeunesse, où il y avait beaucoup de choses mémorables. Diverses pensées envahissent le héros : il se souvient de la mort de son frère, de sa femme et pense à l'avenir. Il faut dire que Shukshin a tendance à se tourner vers la forme de la réflexion dans ses œuvres, car c'est la réflexion qui révèle le monde intérieur d'une personne.
En termes de langage, les histoires de l’écrivain sont très vivantes et multiformes. L'auteur recrée facilement le discours des personnages, qui est très vivant et imaginatif.
L'image prédominante dans les premières histoires homme ordinaire, transformé en l'image d'un villageois, idéaux associés à la moralité. En général, l'idéal du début de Shukshin, comme l'idéal de la tradition villageoise dans son ensemble, se retrouve dans le monde d'une petite patrie avec des directives morales claires.
Dans les récits des années 60, la relation du héros avec le monde se complique. Initialement, un caractère moral intégral, mais ensuite la contradiction dans la nature des héros de Shukshin devient plus compliquée. L’évolution créative de Shukshin suit cette ligne. Dépassant le cadre de la littérature villageoise vers l’approfondissement de la nature du héros, le monde villageois lui-même, qui apparaît même sous une forme mythologique, cesse d’être porteur de l’idéal de l’auteur. Le contraste entre civilisation rurale et civilisation urbaine est quelque peu atténué chez lui. L’appartenance du héros au monde rural ne le sauve pas des contradictions et des tentatives d’appréhension du monde.
La grande découverte artistique de Shukshin : il parvient à créer un nouveau type de héros dans la fiction. Les cinglés de Shukshin sont un type de héros qui peuple densément sa prose et sa cinématographie. En consonance, excentrique est en corrélation avec le concept « excentrique ». Un excentrique est un invariant spécial qui diffère du prototype original d'un excentrique. Du Don Quichotte de Cervantes au Faust de Goethe, on trouve des héros excentriques. C'est un excentrique parce qu'il a l'air étrange, incompréhensible pour ses contemporains qui vivent avec lui dans monde de l'art travaux. Le héros excentrique devient l'incarnation de l'idéal de l'auteur à la fois dans Don Quichotte et dans Faust, car ces héros sont en avance sur leur époque avec sagesse, incarnation des idéaux de l'auteur. Ils vivent avec les lois de l'univers qui les entourent.
Les manivelles Shukshinsky sont une version intéressante des héros manivelles. La forme du mot excentrique-excentrique montre la direction de la transformation en cours. Les cinglés de Shukshin sont aussi ridicules, incompréhensibles pour leur entourage, commettent des actions incompréhensibles, des développements dramatiques des événements... Ces héros ne sont en aucun cas des sages (la différence entre les héros de Shukshin). Un excentrique est un excentrique, dépourvu de sagesse, mais pas parce qu'il découvre et prévoit avec brio de nouvelles valeurs et de nouveaux idéaux. Ce ne sont pas des philosophes, ni des génies. Pour Shukshin, autre chose est important - le désir intuitif de changer quelque chose dans la vie, de trouver quelque chose dans la vie, mais comme il n'y a pas tellement d'éducation, les bonnes intentions s'avèrent être une gêne. Le cinglé de Shukshinsky se sent insatisfait de son existence quotidienne et cherche intuitivement un moyen de sortir de sa situation. En conséquence, le sentiment intuitif se déverse, le cinglé commence à chercher des opportunités pour repousser les limites de la vie dans laquelle il vit. Nous devons rendre le monde au moins un peu meilleur pour nos voisins. Les monstres ne pensent pas en termes de culture ou de nation, mais s'efforcent d'améliorer la vie autour d'eux. Pour Shukshin, leur mécontentement et la recherche de nouveaux horizons sont importants.
Les histoires de Shukshin ont une structure heuristique. Le principe du romantisme est associé à une représentation dynamique d'un événement vivant. Shukshin combine romantisme et cinématographie. Ses histoires sont construites comme une chaîne de nouvelles. Parfois, deux ou trois pages, c'est la longueur de l'histoire, elle est laconique. C'est une des caractéristiques de la construction de l'intrigue : la dynamique de l'intrigue et la construction d'une chaîne de nouvelles (comme un film, une chaîne d'épisodes est collée et montée ensemble). C'est ainsi que le roman est construit, la séquence de montage est bien visible, même un événement central est divisé en épisodes, la saturation est très forte dans un espace assez réduit.
Une autre caractéristique stylistique est le dialogisme, beaucoup de discours direct de la part du personnage. La présence de l'auteur est également là, mais on a quand même l'impression que les œuvres de Shukshin sont constituées de dialogues (comme dans un film). Les dialogues de Shukshin occupent bel endroit. Il y a aussi la parole intérieure du héros : le dialogue du héros avec lui-même, et le dialogue de l’auteur avec le lecteur. La dialogique ne se situe pas seulement au niveau de la structure narrative de l’organisation. Le dialogue comme élément interne de la poétique, au niveau sémantique et contenu. Les personnages entrent en dialogue entre eux, avec eux-mêmes. Le chemin du héros de Shukshin est un chemin vers la connaissance de soi (même un chemin intuitif). Les actions elles-mêmes sont polémiques et dialogiques tant par rapport au monde qu'à soi-même. La prose de Shukshinskaya est pleinement un élément de dialogue du point de vue de la sémantique et de la recherche artistique.
| | | | | | | | | | 11 | | | | | La formule « il n’y a pas de gens inintéressants dans le monde » avait déjà été énoncée par E. Yevtushenko en 1960. Ce poème s’adresse à des personnes que l’on appelle parfois « simples ». Dans son œuvre, chaque écrivain et poète aborde d'une manière ou d'une autre ce sujet - le thème de l'homme, de son âme, de ses actions et de ses intentions. Mais le thème de l'homme, sa beauté spirituelle est toujours lié au thème de la nature, du monde qui l'entoure, de l'environnement dans lequel une personne manifeste ses pensées et ses sentiments. Le poème «Élégie» d'Alexey Parshchikov semble parler de la nature, des crapauds en tant que représentants les plus bas du monde animal, mais même ici, son intérêt pour la beauté des êtres vivants, pour les gens, leurs actions, leurs actes, émerge.
...Quand tu es une fille tu tricotes, quand tu es mariée tu te promènes avec du caviar. Soudain ils se battent à mort, et les bruissements se calment à nouveau. Et puis, comme Dante, ils gèlent dans la glace en hiver, Et puis, comme Tchekhov, ils passent la nuit à parler.
L'homme a le rôle de médiateur entre la nature et l'humanité. A. Voznesensky en a parlé un jour :
Nous sommes doubles. Nous sommes une agence double, comme un tronc de chêne, Entre nature et culture, Politique et amour.
Le problème de l'homme et de son idéal moral inquiétait de nombreux auteurs - non seulement des prosateurs, mais aussi des poètes. Le noyau moral du caractère lyrique d’Evtouchenko se manifeste dans des poèmes sur des personnes qui ont déjà passé l’épreuve de force la plus sévère et y ont résisté pendant la guerre. Ce sont des poèmes tels que « Mariages », « Soldat de première ligne », « Armée », « Nastya Karpova ». Dans le poème « Frontline Soldier », le héros est un soldat blessé, objet de la plus grande adoration des garçons et des adolescents. En même temps, on assiste à la condamnation la plus décisive de la complaisance morale du soldat de première ligne, qui, très ivre, harcelait d'abord l'une ou l'autre fille avec ses avances et « parlait trop fort, trop rassasié de ses exploits ». » Non seulement les enfants, les héros du poème, mais aussi le poète relie l'idéal moral aux personnes qui ont combattu au front, il ne permet donc pas la moindre déviation au soldat de première ligne, c'est pourquoi il insiste obstinément sur le fait que " il doit être meilleur, meilleur, pour ce qu'il était au front."
Le dernier livre de Voznesensky, « Contremaîtres de l’Esprit », est particulièrement révélateur en ce sens, où un thème journalistique transversal traverse la poésie, la prose et les notes critiques. Qui sont les contremaîtres de l'esprit de Voznesensky ? Ce sont des personnes d'une vocation rare - « activistes sociaux de la culture », « créateurs de créateurs », organisateurs, défenseurs, assistants, dévots, des gens qui se sont réalisés non pas directement dans la créativité, mais dans « l'activité pour le bien de l'art ». Comme Tretiakov, Tsvetaev, Diaghilev. Mais l'auteur n'est pas enclin à diviser rigidement les gens d'art en artistes eux-mêmes et en contremaîtres spirituels, pour ainsi dire, destinés à les servir. Il trouve des traits « pro-esclavagistes » chez les poètes, les compositeurs et les réalisateurs. Et encore plus loin, encore plus large : les contremaîtres de l'esprit sont tous ceux qui participent à la création - qu'il s'agisse de valeurs spirituelles,
matériel. .
Le poète N. Rubtsov trouve ses idéaux moraux dans le village. La vie mesurée d’un travailleur rural, les soucis quotidiens habituels des gens ordinaires correspondent à l’état d’esprit de Rubtsov. Elle se dissout dans l'immensité de la nature rurale, chante avec sa voix, pleure avec ses larmes. Mais les larmes de Rubtsov ne sont pas « amères », elles sont limpides, parfois légèrement recouvertes d'un voile de légère tristesse. Il s'agit du sketch poétique « Good Filya ». Rubtsov voit la gentillesse des villageois, leur crédulité sans limites. Il se souvient que dans son « Nikola », on ne fermait jamais les portes, remplaçant les serrures par un bâton attaché aux montants des portes. C'est précisément pour cette raison que le village n'a jamais pardonné le vol : les « gens fringants » ont été à jamais expulsés de la communauté. Peut-être que le thème de l'homme et de sa beauté spirituelle s'est manifesté le plus clairement et le plus vivement dans les paroles des poètes bardes, créateurs de la chanson originale - B. Okudzhava, V. Vysotsky, A. Rosenbaum. Leurs paroles sont les plus proches d'une personne, de ses pensées et de ses désirs les plus profonds. Le succès est venu à Okudjava parce qu'il ne s'adresse pas aux masses, mais à l'individu, non à tout le monde, mais à chaque individu. L'essence de la chanson de l'auteur est d'affirmer celle de l'auteur - c'est-à-dire libre, non censuré, indépendant (du grec ai (05 - lui-même) - une position de vie, la vision du monde de l'auteur. Avec chacune de ces chansons, l'auteur semble dire : « Ceci est mon cri, ma joie et ma douleur du contact avec la réalité " Le motif central de la poésie d'Okudzhava et, en particulier, de sa créativité musicale est le motif de l'espoir, compris et interprété sous plusieurs formes. Le concept abstrait de « l'espoir » est « humanisé », animé par Okudzhava, acquiert des traits visibles, incarné chez une vraie femme nommée Nadejda (« Camarade Nadejda nommée Tchernova », « Nadya-Nadya... dans une combinaison spéciale, si huilée ») ; en même temps, le nom Nadejda est poétiquement généralisé, acquérant la fonction d'un symbole.
Les héros paroliers de Vysotsky sont en perpétuel mouvement et en dépassement :
Il n'y a aucune raison de s'arrêter. Je marche, je glisse.
Et de tels sommets n'existent pas dans le monde. Ce que tu ne peux pas prendre.
Les premières chansons de Vysotsky se caractérisent par la manifestation de capacités humaines illimitées, d'amour et d'amitié. Ses héros se précipitent dans les nuages, conquièrent les océans et prennent d’assaut les sommets des montagnes. Une situation extrême est une composante indispensable de la poétique romantique de Vysotsky. La guerre est également romancée par Vysotsky. Le motif principal de ses chansons « militaires » est la glorification des exploits des pilotes, des sous-mariniers, des officiers de reconnaissance et des marines. L'alarme de la guerre, comme les cendres de Claes, frappe dans son cœur :
Et quand ça gronde, quand ça brûle et pleure, Et quand nos extrémités commencent à sauter sous nous, Et quand nos filles remplacent leurs sifflements par des robes, - Nous n'oublierons pas alors, nous ne pardonnerons pas et ne perdrons pas !
("Chanson sur les temps nouveaux")
Quêtes artistiques dans poésie ancienne Andreï Andreïevitch Voznessenski
Introduction
Evgeny Evtushenko, Andrei Voznesensky, Bella Akhmadulina, Robert Rozhdestvensky, Bulat Okudzhava... Ils ont commencé leur voyage littéraire dans l'atmosphère du « dégel » de Khrouchtchev.
A. Voznesensky - poète des années 60. Né à Moscou. Le fils d'un ingénieur hydraulique de Moscou. Du même chantier qu'Andrei Tarkovski. En 1957, il est diplômé de l'Institut d'architecture de Moscou et a célébré son diplôme avec les poèmes suivants : "Adieu l'architecture ! Flamboyez en grand, les étables en amours, les toilettes en rococo !"
A partir de ce moment, sa vie appartient entièrement à la créativité littéraire. En 1958 ses poèmes paraissent dans des périodiques et, à partir du poème « Les Maîtres » (1959), la poésie de Voznesensky a rapidement fait irruption dans l'espace poétique de notre époque, gagnant la reconnaissance de millions de lecteurs. "Votre entrée dans la littérature est rapide, orageuse, je suis heureux d'avoir survécu jusqu'à le voir", a écrit Pasternak depuis l'hôpital.
Ses premiers poèmes ont été publiés en 1958 dans la Gazette littéraire et dans le recueil Journée de la poésie russe. Déjà les premières publications attiraient l'attention des critiques sur un poète talentueux avec une voix fraîche, des intonations et un rythme énergiques, une imagerie et une écriture sonore inattendues.
En 1960, les livres Parabole et Mosaïque sont publiés parallèlement à Moscou et à Vladimir. Ils furent reçus de manière ambiguë par les poètes et les critiques. Ainsi, l'un des poèmes phares de cette période, « Goya » (1957), suscite des reproches de formalisme. L'imprégnation de bout en bout de consonances et de rimes internes est clairement perceptible dans la « Ballade parabolique » programmatique du poète (1958) : « Le destin, comme une fusée, vole le long d'une parabole / généralement dans l'obscurité et moins souvent le long d'un arc-en-ciel » ; "Ils vont vers leurs vérités, courageusement de différentes manières, / un ver à travers une fissure, un homme le long d'une parabole."
Déjà dans ces poèmes relativement premiers, l'originalité de la manière poétique de Voznesensky se manifestait - l'acuité de la vision du monde dans sa complexité et ses contradictions tragiques, en mouvement rapide, « en caillots figuratifs » (E. A. Evtushenko), la puissance du sentiment lyrique , le caractère expressif-romantique des images, des métaphores, des associations, ainsi que la concision et le dynamisme de la langue, l'ampleur lexicale et intonative, la liberté et la variété des rythmes, la riche instrumentation du vers. Dans son œuvre, l'influence de la poétique de B. L. Pasternak et V. V. Mayakovsky, V. V. Khlebnikov et M. I. Tsvetaeva et d'autres poètes est perceptible. Âge d'argent, un certain nombre d'artistes et d'architectes du XXe siècle.
Il a mis la métaphore au premier plan, la qualifiant de « moteur de la forme ». Kataev a qualifié la poésie de Voznesensky de « dépôt de métaphores ».
Ses premières malles de méta-dieu. Après Maïakovski, il n'y avait pas de Niagara métaphorique dans la poésie russe.
Voznesensky avait de nombreux adversaires dès sa prime jeunesse, mais personne ne pouvait lui enlever le fait qu'il avait créé son propre style, son propre rythme. Il était particulièrement doué pour raccourcir de manière inattendue les lignes de rimes, étirant parfois le rythme, parfois le tronquant.
Voznesensky fut l'un des premiers poètes de cette génération à «ouvrir une fenêtre sur l'Europe» et l'Amérique en donnant des lectures de poésie. De notes de jeunesse enthousiastes : « A bas Raphaël, vive Rubens ! », de jeux d'allitérations et de rimes, il passe à des humeurs plus tristes : « nous, comme l'appendicite, avons perdu notre honte », « tout progrès est réactionnaire si un la personne s’effondre. Il y avait des raisons biographiques à tout cela.
En 1963, lors d'une réunion avec l'intelligentsia au Kremlin, Khrouchtchev fit subir à Voznessenski toutes sortes d'insultes en lui criant : « Prenez votre passeport et sortez, M. Voznessenski ! Cependant, malgré la disgrâce temporaire, les poèmes de Voznesensky ont continué à être publiés et le tirage de ses livres a atteint 200 000 exemplaires. Basées sur ses poèmes, les pièces « Anti-Mondes » ont été mises en scène en 1964 au Théâtre Taganka et « Avos » au Théâtre Lénine Komsomol. Voznesensky fut le premier écrivain des années 60 à recevoir le Prix d'État (1978). Voznesensky est l'auteur de nombreux essais, dans lesquels il raconte ses rencontres avec Henry Moore, Picasso, Sartre et d'autres artistes majeurs du XXe siècle. Voznesensky est membre honoraire de l'American Academy of Arts.
La pertinence de la recherche du cours est justifiée par le fait que dans les années 50 du 20e siècle, une nouvelle génération de poètes est entrée dans la littérature, dont l'enfance a coïncidé avec la guerre, et leur jeunesse est tombée sur années d'après-guerre.
A. Voznesensky et bien d'autres, dans leurs thèmes et genres, images et intonations, se tournant vers différentes traditions artistiques, ont cherché à incarner les caractéristiques de l'apparence spirituelle l'homme moderne, son besoin de réflexion intense, de recherche créative et d'action active.
Le but du cours est de déterminer le vecteur des quêtes artistiques de la première poésie d'A. Voznesensky
Donner caractéristiques générales poésie de la période du « Dégel » des années 60
Déterminer la place de la créativité de Voznesensky dans les années 60
Identifiez les principaux thèmes et problèmes des premiers poèmes d’A. Voznesensky.
1. Caractéristiques générales de la poésie du « dégel » des années 60
poète Voznesensky artistique
Les travaux de A. Voznesensky coïncident avec la période du dégel de Khrouchtchev. Le dégel de Khrouchtchev est une désignation non officielle pour la période de l'histoire de l'URSS après la mort de I.V. Staline (milieu des années 1950 - milieu des années 1960). Elle s'est caractérisée dans la vie politique interne de l'URSS par la libéralisation du régime, l'affaiblissement du pouvoir totalitaire, l'émergence d'une certaine liberté d'expression, la relative démocratisation de la vie politique et sociale, l'ouverture sur le monde occidental, une plus grande liberté activité créative. Le nom est associé au mandat du premier secrétaire du Comité central du PCUS N. Khrouchtchev (1953-1964).
Malgré toute la convention de diviser l'histoire (y compris l'histoire littéraire) en décennies, elle apparaît assez clairement dans la réalité elle-même, même si, bien entendu, les limites chronologiques de toute étape ainsi identifiée ne coïncident pas avec les limites des décennies civiles. Ainsi, au XXe siècle, les années 60 dans la vie et la littérature n'ont pas commencé le 1er janvier 1961, ni dans derniers jours Les années 1970 sont terminées. Cette période est marquée, d'une part, par des événements tels que la mort d'I.V. Staline (mars 1953) et le XXe Congrès du PCUS (février 1956), et d'autre part, le déplacement de N.S. Khrouchtchev en octobre 1964, avec le procès des écrivains Y. Daniel et A. Sinyavkin (janvier 1966).
Ces années n'ont pas de définition numérique, mais figurative, reprenant le nom de l'histoire publiée par I. Ehrenburg en 1954 - le Dégel. Comme l'ont confirmé les événements susmentionnés de la seconde moitié des années 60, il s'est avéré exact, même si au moment de sa mise en circulation, il était difficile pour les optimistes de l'accepter, car il n'excluait pas les doutes sur l'irréversibilité des changements. qui prenaient forme dans le pays.
Le milieu des années 50 constitue un nouveau point de départ pour le dégel de Khrouchtchev. Le célèbre rapport de N.S. Khrouchtchev, lors d'une réunion « à huis clos » du 20e Congrès du Parti, le 25 février 1956, marqua le début de la libération de la conscience de millions de personnes de l'hypnose du culte de la personnalité de Staline. Cette époque, appelée le « dégel de Khrouchtchev », a donné naissance à la génération des « années soixante », à son idéologie contradictoire et à son destin dramatique. Malheureusement, il faut repenser véritablement Histoire soviétique, la terreur politique, le rôle de la génération des années 20, l'essence du stalinisme, ni les autorités ni les « années 60 » ne l'ont approché. Mais dans la littérature il y a eu des processus de renouveau, de revalorisation des valeurs et de recherches créatives ; les premières années du « dégel » sont devenues un véritable « boom poétique ».
La poésie a commencé à reconnaître l’expérience des mouvements littéraires et des écoles du début du XXe siècle. Cela a été facilité par une atmosphère morale qui a fait naître le courage (dites ce que vous voulez), l'honnêteté (dites ce que vous pensez). Les poètes ont tenté de se connecter à l’expérience historique interrompue. À cet égard, les mots « amour », « amitié », « camaraderie » et autres ont repris leur valeur idéologique. Les poètes tentent de lutter contre les universalités introduites dans la littérature : l’abus des slogans, la bureaucratie, les louanges et autres attributs d’un système totalitaire construit sur le mensonge et la peur.
La passion pour la poésie est devenue un signe des temps. Les poèmes étaient alors appréciés par des gens qui, ni avant ni plus tard, ne s'intéressaient particulièrement à la poésie ou à la littérature en général. Pour la première fois dans l’histoire de la Russie, les lectures de poésie ont commencé à attirer des foules de jeunes.
Un environnement de jeunesse a été créé, dont le mot de passe était la connaissance des poèmes de Pasternak, Mandelstam, Gumilyov. En 1958, un monument à Vladimir Maïakovski est inauguré à Moscou. Après la cérémonie d'ouverture officielle, au cours de laquelle les poètes prévus se sont produits, les poèmes ont commencé à être lus par le public, principalement des jeunes. Les participants à cette réunion mémorable ont commencé à se rassembler régulièrement devant le monument. Réunions au monument à Maïakovski de 1958 à 1961. des connotations politiques de plus en plus acquises. La dernière d'entre elles eut lieu à l'automne 1961, lorsque plusieurs des participants les plus actifs aux réunions furent arrêtés pour agitation et propagande antisoviétique.
Mais la tradition de la poésie orale ne s’arrête pas là. Cela s'est poursuivi avec des soirées au Musée Polytechnique, puis à Luzhniki. Les jeunes poètes - Evgueni Evtouchenko, Andrei Voznesensky et Bella Akhmadulina - sont devenus de véritables idoles du « dégel », parlant depuis la « scène » poétique.
Il s’agissait d’un groupe d’acteurs aux rôles différents qui se complétaient parfaitement. Evtouchenko était un poète-tribun destiné au dialogue avec chacun de ceux qui étaient assis dans la salle. Voznesensky a donné une vision large du monde, impliquant chaque auditeur dans les problèmes mondiaux. Akhmadulina a introduit une note d'intimité mystérieuse. Considérant la créativité comme un sacrement, elle semblait communiquer ce sacrement à ses lecteurs et admirateurs.
Les autorités ont autorisé Evtouchenko, Voznesensky, Akhmadulina et Rozhdestvensky à s'exprimer en public, estimant qu'un tel phénomène était nécessaire pour que le peuple puisse « se défouler ». Les autorités avaient besoin de ces poètes, même si elles ne leur faisaient pas confiance en tout. Ce sont ces poètes qui ont été cités dans la critique. C’était le titre de l’article de S. Rassadin, dédié à ceux qui se sont engagés dans la littérature durant ces années. Ils sont entrés avec audace et bruit, témoignant par leurs pages que la poésie, la prose, la critique et le théâtre sont en train d'être libérés de l'état léthargique dans lequel ils se trouvaient pendant les années du totalitarisme stalinien.
Aujourd'hui, il est clair que le renouveau spirituel de la société qui a commencé à cette époque était en grande partie timide et un compromis. Les « soixante » s'efforçaient, selon l'aveu autocritique de l'un d'entre eux, le critique V. Ognev, « d'être honnêtes dans les limites du possible ». Eux, défendant des positions qui recevront plus tard le nom de « socialisme à visage humain », espéraient restaurer les idéaux apparemment élevés de la révolution, les nettoyer des perversions et des dogmes associés au « culte de la personnalité », en un mot - de tester le socialisme - l'humanisme. À la lumière des événements les plus dernières années Sur le plan romantique, ces efforts peuvent paraître sisyphes, voire complètement naïfs.
Dementyev a écrit (Granite of Verse) - « Le peuple des années soixante a activement soutenu un « retour aux normes léninistes », d'où les apologétiques de V. Lénine (poèmes de A. Voznesensky et E. Yevtushenko, pièces de théâtre de M. Shatrov, prose de E. Yakovlev) en tant qu'opposant à Staline et à la romantisation Guerre civile(B. Okudjava, Y. Trifonov, A. Mitta).
Les gens des années soixante sont de fervents internationalistes et partisans d’un monde sans frontières. Ce n'est pas un hasard si les figures cultes des années soixante étaient des révolutionnaires en politique et en art - V. Mayakovsky, Vs. Meyerhold, B. Brecht, E. Che Guevara, F. Castro, ainsi que les écrivains E. Hemingway et E. M. Remarque.
En revanche, la poésie moderniste a commencé à jouer un rôle important dans les années soixante. Pour la première fois dans l’histoire de la Russie, les lectures de poésie ont commencé à attirer des foules de jeunes.
L'un des symboles de la génération de l'ère du « dégel » était Andrei Andreevich Voznesensky. Il entra, ou plutôt fit irruption dans la littérature avec brio et rapidité. Comme Evtouchenko, Voznesensky est devenu le leader de l'avant-garde poétique des temps modernes. Les recueils de poèmes « Parabole », « Mosaïque », « Poire Terangulaire », « Anti-Mondes » publiés au début des années 60 ont permis de dire que un poète original était apparu, avec son monde propre, son système d'images, une nouvelle vision des problèmes. Les œuvres de Voznesensky ont immédiatement attiré l'attention par la fraîcheur de leur son, l'énergie du rythme, un langage métaphoriquement riche, des associations inattendues, une richesse de moyens poétiques, une diversité de genres (élégie, ballade, monologue lyrique, poème dramatique, confession d'amour, dialogue, peinture de paysage, portrait satirique, reportage).
Dans l'œuvre du jeune poète, on pouvait ressentir une synthèse unique du lyrisme et de la philosophie, la libération des sentiments et des pensées de la poésie. Voznesensky est l'un des leaders de la poésie « pop » des années 1960, imprégné de l'esprit d'innovation et d'émancipation de l'homme du pouvoir des dogmes dépassés. Voznesensky a défini les thèmes principaux de sa poésie dans « Parabolic Ballad » :
Balayant les canons, les prévisions, les paragraphes,
Ruée vers l'art, l'amour et l'histoire -
Sur une trajectoire parabolique !
Voznesensky s'adresse principalement aux intellectuels, aux « physiciens et paroliers », aux créateurs, et attache une importance primordiale non pas aux questions sociales et morales-psychologiques, mais moyens artistiques et les formes de sa compréhension et de sa mise en œuvre. Dès le début, ses moyens poétiques préférés sont la métaphore hyperbolique, semblable aux métaphores de Maïakovski et de Pasternak, et les genres principaux sont le monologue lyrique, la ballade et le poème dramatique, à partir desquels il construit des livres de poèmes et de poèmes.
Il est déjà temps créativité précoce le poète possédait un bagage sérieux de connaissances. Architecture et musique, mathématiques et résistance des matériaux, histoire de la peinture et histoire de la poésie. Il est important de le savoir : les poèmes ont été influencés par l'architecture, notamment par l'école de Vladimir, parmi les images de laquelle le poète a passé son enfance. Plus tard, Andrei Voznesensky s'est intéressé au baroque italien.
Voznesensky apporte dans sa poétique, à chaque fois repensée, les contours vivants de cette année, mois, jour, moment.
La poétique de Voznesensky se caractérise par un motif rythmique particulier, caractérisé par le « relief » et la « convexité » : aux moments culminants, le poète n'améliore pas le son, mais au contraire l'étouffe. Dans le même temps, les quelques explosions émotionnelles restantes ressortent et se transforment en points de choc. Ses poèmes sont toujours structurés sur le plan de la composition, « architecturaux ». .
La réalité lui lance des événements, des faits, des noms, des dates. le poète, ouvert à l'impression d'être, absorbe tout en lui, et son vers, comme un sismographe, réagit avec sensibilité aux chocs de la conscience sociale de ses compatriotes et contemporains. Tout le monde n'aime pas les poèmes franchement expérimentaux d'Andrei Voznesensky. Ses « isopes » suscitent l’hostilité de certains ; les poèmes surchargés d’inversions sont difficiles à percevoir.
Caractéristique importante sa poétique est constituée de nombreuses rimes internes et répétitions sonores. Tout d'abord, une consonance rimée apparaît, puis elle est captée par de nombreux échos dans les lignes suivantes, se multipliant et faisant écho sans cesse à d'autres consonances.
Dans les livres d'Andrei Voznesensky, l'énergie sonore des vers scintille et éclabousse. Les sons coulent facilement, naturellement. Il ne s’agit pas d’un jeu de mots insensé, comme le semblent certains critiques, mais d’une jeune percée constante vers le sens, vers l’essence. Au fil des années, l'acuité du son dans la poésie d'Andrei Voznesensky est devenue de plus en plus aiguë. Le langage de sa poésie est le langage de l’homme moderne. Dans le discours moderne, le poète recherche des céréales sélectionnées. Mais pour sélection réussie Vous devez vanner des tonnes de paillettes et jeter les coques.
Le tout a été un succès auprès du grand public. L'humanisme, la citoyenneté, la démocratie, la confession, le tempérament, l'émotivité du poète, la fusion de divers styles sociaux et de discours, son dévouement complet ont élargi le public de ses admirateurs et ont attiré l'attention de tous.
Andrei Voznesensky est un poète doué et original. Il se caractérise par un sens aigu de la modernité, un lyrisme intense et une soif de polysémie des images, d'associations comprimées comme un ressort d'acier et de métaphores inattendues, souvent grotesques. Il ne ressemble à personne d'autre et affiche parfois même son originalité avec défi. Mais il travaille sérieusement et beaucoup. L'attention prédominante portée à la forme du vers n'exclut pas la présence de thèmes assez stables chez Voznesensky. La plupart de ses poèmes sont basés sur une intrigue. Parmi les thèmes développés par l'artiste figurent les problèmes de culture et de civilisation, de matière et d'esprit (« monde » et « anti-monde »). .
2. Les principaux thèmes et problèmes de la première poésie de A. Voznesensky
Le processus poétique des années 60 était un phénomène vaste, complexe et ambigu. Il y avait même une opinion sur une crise dans la poésie de cette époque. La revitalisation de la vie littéraire a été grandement facilitée par le travail des poètes débutants - E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, B. Akhmadulina, A. Voznesensky, qui ont parlé avec des poèmes civiques d'actualité. C’est de ces poètes qu’est né le terme « poésie pop ».
Tournons-nous vers l'œuvre d'Andrei Voznesensky, et plus particulièrement vers l'un de ses poèmes les plus marquants : « Ne vivez pas dans l'espace, mais dans le temps… ». Voznesensky est un poète « urbain », mais il s'est parfois lassé de « l'être » et s'est tourné vers les « thèmes éternels » et les expériences émotionnelles.
En fait, dans ce poème, l'auteur s'éloigne des thèmes quotidiens si caractéristiques de ses poèmes. Fusionnant deux dimensions de la vie d’une personne – temporelle et spatiale, il ne tire pas de conclusions et n’impose pas de solution unique à tout le monde. Voznesensky laisse le choix à la personne, bien qu'elle choisisse bien sûr lui-même une vie «temporaire», qui se mesure non seulement par la vie terrestre, mais aussi par la vie éternelle.
Le travail d'Andrei Voznesensky s'est développé de manière complexe. Le talent extraordinaire du poète et sa recherche de nouvelles possibilités de la parole poétique ont immédiatement attiré l’attention des lecteurs et des critiques. Dans son meilleures œuvres Années 50, comme le poème « Maîtres » (1959), les poèmes « D'un cahier sibérien », « Rapport sur l'ouverture d'une centrale hydroélectrique », transmettent la joie du travail, le sentiment optimiste de la vie d'une personne créative. Le héros lyrique de Voznesensky est plein de soif d’agir et de créer :
Je viens du banc des étudiants
Je rêve que les bâtiments
Fusée à pas
Envolé dans l'univers !
Cependant, il lui manquait parfois à cette époque de maturité civique et de simplicité poétique. Dans les poèmes des recueils « Parabole » et « Mosaïque » (1960), les intonations et rythmes énergiques, les images et la conception sonore inattendues se transforment parfois en une passion pour le côté formel du vers.
Les poèmes de ses deux premiers livres sont pleins d'expression juvénile. L'auteur s'efforce d'y transmettre la pression féroce du monde qui l'entoure. Mais déjà dans le recueil « Antimondes » (1964), le style poétique de Voznesensky devient plus raffiné et rationaliste. L’expression romantique semble « se figer » en métaphores. Désormais, le poète ne participe pas tant aux événements dont il parle, mais les observe plutôt de l'extérieur, choisissant pour eux des comparaisons inattendues et pointues. .
Pour la première fois, les poèmes d'Andrei Voznesensky ont été publiés dans Literaturnaya Gazeta. Dans les années 70, des recueils de poèmes sont publiés : « Shadow of Sound », « Look », « Release the Bird », « Temptation », « Selected Lyrics ».
Le poète Sergei Narovchatov, analysant le livre d'Andrei Voznesensky «Maître du vitrail», a retracé le lien entre sa poétique et l'art du vitrail. Comme on le sait, le lien entre la littérature et beaux-Arts ancienne, mais de nos jours, cette « communauté des muses » est devenue encore plus forte.
Dans les poèmes d'A. Voznesensky « Le bosquet », « Le cri du castor », « Chanson du soir », l'idée selon laquelle, détruisant nature environnante, les gens détruisent et tuent le meilleur d’eux-mêmes, mettant ainsi leur avenir sur Terre en danger mortel.
Dans l’œuvre de Voznesensky, les quêtes morales et éthiques s’intensifient sensiblement. Le poète lui-même ressent le besoin urgent d’actualiser avant tout le contenu spirituel de la poésie. Et la conclusion de ces réflexions sont les lignes suivantes sur le but de la vie de l’art :
Il y a le but le plus élevé d'un poète -
Briser la glace sur le porche,
Pour que nous puissions nous réchauffer du gel
Et bois la confession.
Ces impulsions et aspirations ont été exprimées dans les livres « Cello Oak Leaf » (1975) et « Stained Glass Master » (1976), « I Long for Sweet Foundations ». Ils ont également déterminé l'apparition d'autres motifs, traits figuratifs et détails, par exemple dans la perception de la nature. D'où - « De jolis bosquets d'une patrie timide (la couleur d'une larme ou d'un fil dur)… » ; « Un poirier mort, seul dans le bosquet, je ne troublerai pas ta beauté » ; « Les pins fleurissent - des bougies de feu sont cachées dans les paumes des futurs cônes... » ; "Des copeaux frais pendent aux cerisiers des oiseaux...". Le poète s’avoue avec surprise : « C’est comme si je voyais pour la première fois le lac de beauté de la périphérie russe. »
« Expliquant pourquoi il ne regrette pas les années consacrées à l'architecture, Voznesensky écrit dans la préface de « La Feuille de chêne du violoncelle » : « Tout architecte sérieux commence l'examen du projet par un plan et une coupe structurelle. La façade est destinée aux non-initiés, aux badauds. Le projet est le nœud constructif et émotionnel d’une chose, voire son nerf. »
Voznesensky travaille sur des œuvres de grande forme poétique ; il a écrit les poèmes « Lonjumeau », « Oza », « Ice69 », « Andrei Palisadov » et d'autres. Ses poèmes naissent naturellement de ses poèmes et s'élèvent parmi eux, comme des arbres parmi des buissons. Ces poèmes sont rapides, les images ne s'arrêtent pas sur le quotidien et la descriptivité scrupuleuse, ils ne veulent pas s'arrêter. L’espace se donne en vol : « les centres de télévision au-delà de Mur volent comme une cigarette de nuit ». Concentrez-vous sur le temps (avec lettres majuscules), Temps épique :
J'entre dans le poème
Comment nous entrons dans une nouvelle ère.
C'est ainsi que commence le poème Longjumeau.
La réaction du poète face à ce qui est moderne et d'une importance vitale est instantanée, urgente, ambulance et les pompiers, selon ses mots - 24 heures sur 24 et sans problème. Douloureux, humain, perçant caractérise de manière décisive et claire l’œuvre du poète.
Tout progrès est réactionnaire,
Si une personne s'effondre.
Andrei Voznesensky a également écrit des articles sur les problèmes de la littérature et de l'art, a beaucoup peint et certaines de ses peintures se trouvent dans des musées.
En 1978, à New York, il a reçu le Prix du Forum international des poètes pour ses réalisations exceptionnelles en poésie, et la même année, Andrei Voznesensky a reçu le Prix d'État de l'URSS pour son livre « Le Maître du vitrail ».
Selon Voznesensky, l'homme est le bâtisseur du temps dans lequel il vit :
...des arbres minuscules vous sont confiés,
ce ne sont pas les forêts qui sont propriétaires, mais les horloges.
Et ici le poète dit que le temps est au-dessus de tout. Et c’est précisément cela qui protège l’humanité, sa vie, de l’oubli et de la destruction : « vivre sous de minuscules maisons ». L’idée est paradoxale, mais très juste, me semble-t-il.
Ainsi, on peut dire que l’auteur habille tout ce qui est matériel, spatial, d’un tissu éphémère. Même la Maison est assimilée au temps. Ce sont deux lignes parallèles qui finissent par se croiser. Voznesensky suggère même de remplacer les vêtements avec le temps, car ils ont plus de valeur que les fourrures les plus précieuses :
et des épaules au lieu de zibeline pour quelqu'un
enveloppez-vous dans un moment inestimable...
En effet, le temps est le meilleur cadeau pour toute personne, mais, malheureusement, le donner n'est au pouvoir que de puissances supérieures, Dieu.
Il convient de noter que la rime n’est pas du tout caractéristique des poèmes de Voznesensky. Dans ce poème, il n'a rimé que les première et deuxième strophes - celles consacrées au côté matériel de l'existence humaine. Les deux autres strophes non seulement ne sont pas rimées, mais sont également construites de manière asymétrique (cinq et deux vers chacune). Ils sont les mêmes que le temps lui-même, comme le dit le poète dans le premier vers de la troisième strophe : « Quel Temps asymétrique ! »
Le pathos du poème « Ne vis pas dans l’espace, mais dans le temps… » se construit sur l’opposition du temps et de l’espace. Et bien que le poète les place à différents pôles de la vie humaine, l'un est impossible sans l'autre. Cependant, les gens ne peuvent exister sans eux.
Il est intéressant de noter qu'il n'y a aucune précision dans le poème - il n'y a ni héros lyrique ni appel à quelqu'un personnellement. Tout est généralisé, et en même temps s'applique à tout le monde.
Voznesensky prouve que sa vie n’est pas la même que celle du lecteur, mais c’est une vie vers laquelle le lecteur doit certainement s’efforcer. Et bien que cela ne soit pas dit directement dans le poème, cela se ressent. Pour devenir un artiste, une personne, il faut vivre « dans le temps ». Autrement dit, tout en soulignant la distance, Andrei Voznessensky a simultanément appelé à la surmonter.
Et cette possibilité réelle et séduisante de rejoindre le monde de l’art fascine et séduit. Après tout, ce sont des gens comme le poète qui vivent longtemps dans le temps, même après leur vie corporelle.
D'étranges comparaisons, très précises et effrayantes, sont données par l'auteur dans l'avant-dernière strophe. Cela vous fait frissonner en réalisant la vérité suivante :
Dernières minutes- En bref,
La dernière séparation est plus longue...
Et vous ne pouvez rien y faire, c’est comme ça. La création d'une atmosphère de désespoir dans la strophe, mais la possibilité de tout changer, de choix, est soulignée par la répétition du mot « dernier ».
Ils meurent - dans l'espace,
Ils vivent dans le temps.
Et ici, le choix appartient à chacun : où il veut vivre, quel genre de souvenir il veut laisser derrière lui. C'est probablement l'un des éternels, mais si étrangement exprimés dans le poème poète moderne, question.
Analyse des premiers recueils de poésie. Caractéristiques de la poétique. Le rôle de la métaphore, du paradoxe, de l’ironie dans l’œuvre de Voznesensky.
L'un des premiers recueils de poésie d'Andrei Andreevich Voznesensky s'appelait Coeur d'Achille (1966). Sur la couverture intérieure, il y avait une photo d'un cardiogramme. Il est difficile d’imaginer une meilleure image pour comprendre le poète. Achille, c'est-à-dire sans protection, vulnérable, facilement blessé, le cœur réagit brusquement à la cruauté et à l'injustice, aux insultes et aux insultes, répond à toutes les peines et douleurs.
Voznesensky est un poète de la seconde moitié du XXe siècle. Cela ressort clairement de ses poèmes. Moscou et la Californie, l'aéroport de New York et les étoiles au-dessus de Mikhailovsky, je suis à Shushenskoye Et Quand il écrivait à Viazemsky - une telle liberté de mouvement dans le temps et dans l'espace est caractéristique de notre peuple contemporain.
Temps stress et passion - tant dans sa langue que dans ses vers. Tout d’abord, Voznesensky est un poète à la pensée vive et intense. Parallèlement, ses connaissances professionnelles en architecture et en peinture contribuent à son intérêt pour la forme poétique. D'où l'architectonique harmonieuse de ses poèmes, la précision des épithètes, la musicalité de l'écriture sonore :
*Ombre illustre !
*Pourquoi crie-t-il de manière agaçante ?
* assiette - comme une cible,
* classé parmi les dix premiers ?
Lire Voznesensky est un art. Démêler simplement les métaphores du poète ne donnera pas le résultat souhaité. Nous devons accepter comme nôtres sa douleur pour une personne, sa haine de la méchanceté, du philistinisme, de la vulgarité, son avertissement colérique sur la possibilité d'un Hiroshima spirituel. Mais Voznesensky n'est pas seulement indigné et haineux - il proclame et affirme : Tout progrès est réactionnaire si l’homme s’effondre.
* Qu'est-ce qui est extrêmement important pour lui d'autre ?
* Russie, bien-aimée,
*pas de blague à ce sujet.
* Toutes tes douleurs - elles m'ont transpercé de douleur.
* Je suis ton capillaire
* navire,
* Ça me fait mal quand -
* tu souffres, Russie.
Un sentiment de profonde compassion et un désir d'aider ont inspiré le poète à créer un poème Extrait d'un rapport de Tachkent , écrit en réponse au célèbre tremblement de terre de 1966. Les images insolites avec lesquelles il recrée cette tragédie ne semblent plus étranges ou paradoxales. Voznesensky défend de hautes valeurs spirituelles, une personne noble, altruiste et intégrale.
Il est l'auteur de recueils de poésie Poire triangulaire (1962), Antimondes (1964), Ombre du son (1970), Violoncelle en feuille de chêne (1975), Maître du vitrail (1976), Fossé (1987), Axiome de découverte de soi (1990), etc. Voznesensky est le créateur du genre vidéo, né à l'intersection de la poésie et de la peinture.
Le thème est le sort des maîtres dans le poème « Maîtres ».
L'un des thèmes centraux de la poésie de Voznesensky est le sort des maîtres. Ce sujet a commencé dans le poème « Maîtres », qui parle des bâtisseurs du « Temple séditieux ».
Poème "Maîtres"
Votre marteau n'est pas une colonne et
statues taillées -
ils ont fait tomber les couronnes de leur front
et ébranla les trônes.
A. Voznessenski
Andrei Voznesensky s'est littéralement lancé dans la poésie dans les années soixante. Il se caractérisait par l'enthousiasme de la jeunesse, la surprise et l'admiration pour ce monde magnifique dans lequel il était destiné à vivre et à créer.
Poème Maîtrise Voznesensky fut immédiatement promu dans la catégorie des auteurs populaires et extraordinaires. Il y avait tellement de passion juvénile et d'énergie poétique dans l'œuvre, son rythme était si rapide et sa peinture était frappante et inattendue, que les gens ont immédiatement commencé à parler et à discuter du poète.
Cloches, cornes...
Ding Dong...
Artistes
De tous les temps!..
Votre marteau n'est pas une colonne
Et des statues taillées -
Ils ont fait tomber les couronnes de leur front
Et secoua les trônes.
Ce poème est imprégné de l'idée de l'immortalité du véritable art. Rien n’a de pouvoir sur lui, pas même le temps impitoyable.
Artiste original -
Toujours une tribune.
Il y a un esprit de révolution dedans
Et pour toujours - la rébellion.
Ils vous ont construit dans des murs.
Ils furent brûlés vifs.
Les moines sont des fourmis
Ils dansaient sur les feux.
L'art est ressuscité
Des exécutions et de la torture
Et ça a battu comme un marteau,
Ô pierres des Moabites !
Pour l'intrigue, Voznesensky prend la légende dramatique des maîtres qui ont construit le temple miracle - la cathédrale de l'Intercession, communément connue sous le nom de cathédrale Saint-Basile, et de l'aveuglement des maîtres afin qu'ils ne créent nulle part un temple encore meilleur.
Ils étaient sept courageux,
Ils étaient sept forts,
Probablement de la mer bleue
Ou du nord,
Où est Ladoga, les prairies,
Où est l'arc-en-ciel - arc.
Ils ont posé la maçonnerie
Le long des rivages blancs
Pour qu'ils s'envolent comme un arc-en-ciel.
Sept villes différentes.
Le poème est écrit dans un langage sonore et vivant. Le rythme change de chapitre en chapitre fer broyage et clarté dans le premier chapitre à la chanson bouffonne imprudente dans les deuxième et troisième.
Boucles - copeaux,
Les mains dans les avions.
Des Russes furieux
Des chemises rouges....
La froideur, les rires, le cliquetis des chevaux et les aboiements sonores des chiens.
Nous avons travaillé comme des diables, mais aujourd'hui - boire, se promener ?
Le poète a semblé se connecter deux fois. Avec un enthousiasme juvénile, il décrit sans crainte le passé lointain, n'essaie pas de styliser sa langue comme un ancien discours russe, mais parle dans une langue familière à lui et à ses lecteurs.
Et le temple brûlait dans la moitié du ciel,
Comme un slogan pour les émeutes,
Comme la flamme de la colère
Temple séditieux !
Les autorités voient toujours dans la créativité une menace et une sédition, essayant d'étrangler le créateur. Mais il est impossible de tuer l’art ; il existera aussi longtemps que les hommes vivront.
Les villes ne devraient pas être, ne devraient pas être, ne devraient pas être !
Les tours à motifs ne peuvent pas flotter dans le brouillard.
Il n’y aura ni soleil, ni terres arables, ni pins !
Ni blanc ni bleu - ne pas être, ne pas être.
Et le violeur sortira pour détruire – pour tuer…
Il y aura des villes !
Au-dessus de l'immensité de l'univers
Dans les forêts d'or
Voznessenski,
Je vais les élever !
Ainsi, un lien entre les époques a été réalisé. Le poète se sent comme l'héritier de ses pères et grands-pères, un continuateur de leurs idées :
je suis de la même équipe
Qu'il y a sept maîtres.
Rage dans les artels,
Vingt siècles !
J'ai mille bras -
avec vos mains,
J'ai mille yeux -
avec tes yeux.
je mets en œuvre
en verre et métal,
je n'ai pas rêvé...
Le thème de la créativité et de l’artisanat est toujours d’actualité. De plus, le poème pose la question du pouvoir et du créateur. Ils sont toujours en désaccord les uns avec les autres. Les poèmes de Voznesensky sont pleins d'énergie sonore. Les sons coulent facilement, naturellement et, surtout, de manière significative. Il ne s’agit pas d’un jeu de mots irréfléchi, mais d’une jeune percée constante vers le sens, vers l’essence…
Conclusion
Les poèmes de Voznesensky sont remplis d'énergie sonore. Les sons circulent librement, sans inhibitions et, surtout, consciemment. Il ne s’agit pas d’un jeu aveugle de mots, mais d’une avancée juvénile soutenue vers le sens, vers l’essence…
Dans cet ouvrage, le vecteur des quêtes artistiques de la première poésie d’A. Voznesensky a été déterminé et les principaux thèmes et problèmes de la première poésie d’A. Voznesensky ont été identifiés.
Dans l’œuvre de Voznesensky, les quêtes morales et éthiques s’intensifient sensiblement. Le poète lui-même ressent le besoin urgent d’actualiser avant tout le contenu spirituel de la poésie.
DANS travail de cours Grâce à la méthode d'analyse, les principales orientations de la créativité des poètes des années soixante, et en particulier d'A. Voznesensky, ont été identifiées et analysées. C'est un thème de créativité et de savoir-faire, ainsi que sujets philosophiques: vie et mort, justice et injustice, pouvoir et fardeau, moralité et immoralité et autres sujets pertinents pour l'homme moderne. C’est pourquoi la poésie de Voznesensky sera toujours d’actualité. V. Sokolov et R. Rozhdestvensky, E. Yevtushenko et A. Voznesensky et bien d'autres, dans leurs propres thèmes et genres, images et intonations, abordant toutes sortes de coutumes artistiques, ont essayé de personnifier les qualités de l'apparence spirituelle de l'homme moderne, sa tendance à la réflexion intense, à la recherche créative, à l'action proactive.
Perspective cette étude est que la créativité et surtout le sens profond ancré dans les poèmes non seulement de A. Voznesensky, mais aussi de nombreux autres poètes des années soixante, ne sont pas entièrement étudiés, donc l'étude du travail des poètes de cette période sera également pertinente. fois.
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Novikov V.. En texte brut (Poésie et prose d'Andrei Voznesensky) // V. Novikov. Dialogue. M. : Sovremennik, 2006
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Strophes du siècle. Anthologie de la poésie russe. Comp. E. Evtouchenko. Minsk-Moscou, "Polifact", 2009. Ici non plus, je n'ai pas eu grand-chose.
